Bienal de la Habana- Integración y Resistencia en la era global

“Integración y resistencia en la era global”

Será el eje central de reflexión. Proyectos y obras de América Latina y el Caribe, África, Asia y Medio Oriente, y en menor escala de Norteamérica, Europa y Australia, abordarán la problemática de integrarse a un mundo global altamente complejo por las particularidades de tantas sociedades y culturas, y la manera en que se trata de resistir las corrientes hegemónicas que pujan por homogeneizar, desde otros territorios, el repertorio de ideas y formas.Sin pretender ofrecer soluciones o respuestas a una realidad que día a día revela la complejidad de su entramado desde diversos ángulos y perspectivas, la Décima Bienal de La Habana aspira a reflexionar sobre tan interesante y vigente fenómeno moderno, que constituye uno de los pilares fundamentales sobre los que se asienta el debate acerca de la identidad de individuos, grupos, comunidades, países y regiones.
Ver texto completo en http://www.bienalhabana.cult.cu/

El Equipo Curatorial está integrado por Jorge A. Fernández Torres, Margarita González, Nelson Herrera Ysla, José Manuel Noceda, Ibis Hernández Abascal, Margarita Sánchez Prieto, Pepe Fernández Portal y Dannys Montes de Oca Moreda.


Los argentinos invitados son:

Ananké Asseff
Nace en Buenos Aires en 1971
Presenta la serie: CRIMENES BANALES
http://www.anankeasseff.com/home.html
ver perfil en http://www.ramona.org.ar/node/18648

Diego Bianchi
Nace en 1969, Buenos Aires, Argentina.
Beca Skowhegan School of Painting and Sculpture, Main, EUA, 2006
Beca Secretaría de Cultura de la Nación, 2006
Segundo Premio, premio Arteba Petrobras, 2008
http://diegobianchi.com.ar/

Martín Di Girolamo
Nace en 1965 en Bs As, Argentina.
Cursa los primeros años introductorios en la escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, para después abandonar y dedicarse a pintar en su taller participando desde 1987 en muestras y premios.
http://www.martindigirolamo.com/

Gabriela Golder
Artista audiovisual argentina, nació en Buenos Aires en 1971.
En 1995 se recibe de Directora Cinematográfica en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Posteriormente realiza estudios de Postgrado en la Universidad de Santiago de Compostela y en junio del 2000 finaliza un Dess (Diplôme d’Etudes Supérieures Spécialisés) en Hypermedia en la Universidad de Paris.
http://www.gabrielagolder.com/personalx.htm

Marcos López
Nace en 1958 en Santa Fe, Argentina.1976-1982
Ingresa a la Universidad Tecnológica Nacional (Regional Santa Fe) donde estudia ingeniería. Comienza a tomar fotografías en 1978. En 1982 abandona los estudios universitarios para dedicarse por completo a la fotografía.
http://www.marcoslopez.com/marcosespaniol.htm

Leonel Luna
Nació en 1965.
Premio Konex y Leonardo en arte digital Participó de la beca Kuitca en la Fundación Proa y del taller de Barracas con Luis Benedit y Pablo Suárez y fue co-fundador de TRAMA, programa de cooperación y confrontación entre artistas desde el año 2000 al 2001.
Vive y trabaja en Buenos Aires.
http://leoneluna.blogspot.com/
Ver perfil de Leonel en http://boladenieve.org.ar/vision/697

Graciela Taquini
Profesora y Licenciada en Historia de las Artes egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. 1964/1970
Vive y trabaja en Buenos Aires.

Premios
Premio de la Asociación de Críticos de Arte de la Argentina mejor guión.2005
Premio a la Acción Multimedia, Asociación Argentina de Críticos de Arte.
Miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte.

BECAS
Instituto de Cultura Hispánica. Cursos en la Universidad de Barcelona 1971/72.MAE de Roma y Universidad de Siena 1972.
Internship en el Smithsonian Institution de Washington 1981.
Beca de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación 2004. Curadora de la muestra Horizonte para Champ Libre, Montreal, Canadá.
Proyecto Intercampos. Espacio Fundación Telefónica, 2007.
http://www.gracielataquini.info/

ANTONIO ALICE: El argumento en el Arte Pictórico

ANTONIO ALICE *1
El argumento en el Arte Pictórico

Conferencia pronunciada el 15 de Julio de 1938 en el Instituto Popular de Conferencias, en el salón de actos de LA PRENSA. ( fragmento)

Señoras y Señores:
Invitado a ocupar esta tribuna, no sería sincero con mi propia conciencia, si ocultara la emoción con que afronto la responsabilidad que impone esta cumbre intelectual. Han desfilado por ella las más altas personalidades de la ciencias, de la literatura y de las bellas artes, impregnándola de una luz tan intensa que deslumbra a quien, como yo, se atreve a compartirla sin poseer los méritos necesarios para merecerla. En mi carácter de pintor, agradezco la honra que me han dispensado y que acepto con orgullo, porque se ha elegido al más humilde de los artistas para tributar un homenaje al arte de mi patria, a cuyo culto he consagrado las más puras, las más nobles, las más desinteresadas horas de mi vida. Vaya, pues, mi gratitud a la Honorable Comisión Directiva del Instituto Popular de Conferencias y a su ilustre presidente Doctor Carlos Ibarguren, que al presidirla con el prestigio de su talento, engrandece la obra magnífica y fecunda de sus antecesores.

Agradezco también las generosas y bellas palabras del Doctor Cupertino del Campo, con las cuales acrecienta mi deuda de cariño hacia él, puesto que por una circunstancia feliz de mi destino, fue el mismo Doctor del Campo quien hace cuarenta años -¡casi medio siglo! -me presentara al hombre maravilloso que me enseñó a recorrer el difícil camino del Arte. Me refiero al maestro Decoroso Bonifanti, que, ahora, allá en su vieja Turín, llora de ternura cada vez que se acuerda de nuestro país.

Ruego se me permita, desde esta elevación a donde, por obra del maestro ha llegado el discípulo, enviarle con el pensamiento a Bonifanti un saludo filial y antes de entrar en materia, cúmpleme expresar mi reconocimiento al respetable y calificado auditorio que ha tenido la gentileza de venir a escucharme.

Mi disertación se titula: "El Argumento en el Arte Pictórico”

Señoras y Señores:
El Arte -que es la más elevada y exquisita manifestación del espíritu humano -sufre en estos momentos una crisis de soledad y de miedo. El mundo vive acosado por graves cuestiones y preocupaciones materiales; los hombres, sacudidos como árboles por vientos de odio y de rencor, se deshojan y se desgajan en una vida estéril.Entre tanto, el Arte, rezagado, olvidado, negado, descreído, ambula por la tierra como un sonámbulo sin ruta, vagando a la ventura, con el alma llena de sueños, y los pies descalzos, a la manera trágica de la Cenicienta. El artista, condenado a idéntico destino, se siente desterrado de la tierra que pisa; su amor a la belleza es una religión escarnecida por los fariseos y así vemos al artista; entre los relámpagos del mundo, llevando a cuestas la misma cruz en que las turbas inconscientes quieren crucificarlo. Pero nada impedirá que el artista siga siendo un lírico, un romántico, un sempiterno soñador para quien -como dice Shakespeare -"todo tropiezo es una escala en el sendero escabroso de la Inmortalidad".

Y por eso el artista, aunque marche en la sombra, ha de mantener siempre encendida la antorcha de su ideal; y cuando ya no pueda continuar su carrera, cuando el dolor lo haga caer, no caerá con la tea, ni apagará la luz que el cielo le confiara. Hará como los griegos: entregará la antorcha al que viene detrás…

El Arte es una espiritualidad que los seres humanos necesitan para embellecer su propia vida, como ha menester de la religión para mantener la poesía del alma. ..

Asistimos a una gran evolución artística, que, como toda evolución humana, trae consigo una profunda desorientación espiritual. Sus causas son múltiples y cada una de ellas es digna de un estudio metódico y extenso que no cabe en los límites urgentes de una disertación. Una de esas causas principales, -a la que yo atribuyo importancia mayor -es la moderna arquitectura, que, en su progreso gigantesco dentro del campo material, ha permanecido indiferente, aislada, ajena al destino de sus propias hermanas: la Pintura y la Escultura.

En realidad, Señoras y Señores, la arquitectura se aleja en nuestros días, de aquel pasado glorioso e inmortal en que las tres artes se unían y se completaban en obras que asombraban a la humanidad por su belleza integral y perfecta.

Felizmente, este mal no es eterno. Hasta entre nosotros puede observarse ya una reacción halagadora. El Estado es quien ha iniciado esa reacción, bajo la asesoría correspondiente de la Dirección General de Arquitectura, a cuyo frente actúa el arquitecto Don José Hortal, hombre de inteligencia digna de aquellos espíritus emprendedores del renacimiento. Su preocupación y su entusiasmo para dar impulso en nuestro ambiente a la producción artística, merecen los más sinceros y espontáneos elogios.
Gracias a él, el patrimonio de nuestra riqueza espiritual y artística aumentará en provecho de las generaciones presentes y futuras.

Comienzo de la obra constructiva

La gran obra constructiva ha comenzado con los grandes palacios. El ejemplo se hará sentir en todas partes del país. Vemos renacer así, aquella manifestación de belleza que exteriorizaba la pintura mural y decorativa; daba al artista amplio campo para desarrollar su fantasía en concepciones de caudaloso contenido estético. ¡Valioso e inestimable elemento de cultura artística, para nuestro pueblo! No veremos ni apreciaremos solamente el esfuerzo personal o colectivo de las exposiciones. Exposiciones que -exceptuadas algunas -siguen repitiéndose con su ritmo monótono, pobre, inactual, sin una sola idea, como si el pensamiento del artista estuviera ausente de sus propios pinceles.
Y muchos piensan: ¿Para qué fatigarse en expresar ideas? Eso no hace falta. Pintar una botella o un zapallo, ¿qué más da? Un zapallo o una botella, ¡no son temas de sobra para crear en el arte una obra maestra? !Sí! A condición de que se refieran solamente a la botella o al zapallo...Pero, cuán difícil resulta la tarea si el artista pretende elevarse por encima de la fría naturaleza muerta; cuando desea expresar ideas superiores y aspira a hacer una abra de responsabilidad interpretativa, que reúna las tres condiciones esenciales: color, argumento y composición! Entonces, la labor requiere energías y sacrificios, fuerza de voluntad, disciplina, temperamento de estudioso y, sobre todo, pleno dominio de la técnica, condiciones éstas que poseyeron los grandes maestros de todas las épocas. Con tal base, más fácil será inspirarse en el vasto panorama de la vida y de la historia, campo inmenso para el artista que se sienta capaz de entregarse a la tarea como quien se entrega a un sacerdocio. El pintor hará su obra con esa esencia de calidad pictórica y, sea cual fuere el argumento de su cuadro, nadie podrá reprocharle por eso, que haya invadido el campo de la literatura. Se debe pintar lo que se siente, olvidando, ante todo, las recetas que la moda pretenda imponemos. En Arte, la moda es la tijera de podar que corrige la obra maravillosa de la Naturaleza.

*1

Pintor argentino. Nace en Buenos Aires el 23 de febrero de 1886. A los 12 años Cupertino del Campo lo lleva al taller del pintor Decoroso Bonifanti; con quien estudia 6 años. En 1904 se presenta al Concurso Nacional y obtiene el Premio Roma, lo que le permite viajar a Italia becado.

Muere en Buenos Aires el 24 de agosto de 1943.

Ver un excelente investigación sobre Antonio Alice en http://www.museoroca.gov.ar/articulos/bioalice.pdf

Pliegos de Arte nº 20

MILO LOCKETT

Una obra que “es lo que es”.

Pienso que el arte debe ayudar a ser mejor persona.Me parece también que es una palabra muy inclusiva, muy comunicativa y globalizadora.

En apenas diez años de trabajo, elartista plástico Milo Lockett halogrado el reconocimiento y laconsagración dentro del ámbitoartístico. Sus obras juegan con la simpleza de la línea y el grafismo,valorizando aquellas expresionesprimarias que encuentran correspondencia con su labor social abocada a los niños y las comunidades nativas del norte denuestro país.

En su breve estadía en la Ciudad de Buenos Aires, dentro del marco de su exposición recientemente inaugurada en la Galería Teresa Anchorena, Milo accedió a una entrevista con Pliegos de Arte en la que pintó suvisión acerca del rol del artista enla actualidad.

PdA: - ¿Cuáles fueron tus primeros contactoscon el arte?

ML: - Yo empecé a dibujar cuando era muy chico. Me gustaba mucho el dibujo. Y me sigue gustando. Trato de dibujar como pintar, las dos cosas son muy importantes para mí, no las separo. Mientras hacía la escuela primaria, en paralelo hacía los talleres libres de la Escuela de Bellas Artes de Chaco. Después, en la adolescencia, dejé de pintar porque hacía deportes y me cargaban con eltema del dibujo, no encajaba mucho. Retomé a los 20 años más o menos; hubo un período de siete años en los que no dibujé, no pinté, pero miraba, tenía esa cosa presente. Y volvía dibujar, en esa época tenía bares, entonces dibujaba mucho en servilletas. Así, empecé a sentir que en algún momento me iba a dedicara pintar, pero no lo veía como un trabajo;creía que de eso no se podía vivir, porque eralo que siempre había escuchado. Eso empezóa cambiar y comencé a hacer una muestraanual. Armaba una muestra y organizaba unvernisagge, pero no me dedicaba a ésto, teníaotra actividad.Eso fue en Chaco en el ´97, ´98.

PdA: - ¿Y cómo decidiste dedicarte exclusivamenteal arte?

ML: - En 2001, con la crisis. Yo tenía unos locales de ropa, una fábrica de remeras y meestaba fundiendo. Un día me pidieron hacer una muestra en un centro cultural grande y empecé a pintar y a desconectarme de mi realidad. Hice la muestra, me pidieron que ponga precios, vendí casi todas las obras esa noche y al otro día me levanté y dije “No trabajo más en nada que no sea pintar”.

PdA: - ¿De qué manera abordaste esa decisión?

ML: - Después hice unas becas Antorchas. Trabajé mucho, tengo muchas horas de taller, de investigación en diferentes pinturas, de jugar. Me parece que uno ahí va encontrándose con lo que puede hacer. Una cosa que aprendí es que uno hace lo que puede hacer, no lo que no sabe hacer. Ni esperar la súper obra, ni convertirse en el mejor artista y todo eso que enseñan en las universidades de arte. Las becas fueron muy importantes en cuanto a los cruces con otros artistas. Así, me enteréde que tenía referentes como Marina de Caroy, Tulio de Sagastizábal.

PdA: - ¿Cómo te insertaste en el mercadoporteño?

ML: - A Capital llego porque quería mostrarmi trabajo, no me cerraba solamente pintar y estar en Chaco. Aparte ya empezaba a viajar por el interior. Me dedicaba todos los días atrabajar por unas horas socialmente la pintura, y así fui armando proyectos que tomaron importancia y se convirtieron en otra cosa. Me financiaron un proyecto llamado Estampando geografía. Todo fue así como“prueba y error”. No respeto nada lo establecido. Esa situación de ser medio salvaje, decorrer riesgos, es interesante en cuanto alarte. El hecho de no tener miedo me hizo llegara Buenos Aires. Después estuve en el Borges, eso fue determinante. Luego, en el 2006, fui la revelación de Arte BA de la mano de Teresa Anchorena.

PdA: - ¿Considerás el arte como un trabajo?

ML: - Sí, totalmente. Es un trabajo comocualquier otro. Es algo que por ahí no se mide, el arte y el mercado del arte van de la mano. No puede haber arte si no hay dinero para consumir arte.

PdA: - ¿Tratás de abocarte a algún público en especial?

ML: - No. Es muy difícil determinar el público que se acerca a mi obra. Yo trabajo con chicos, a ellos les gusta, a la gente más grande también, tanto como al tipo que conoce de arte y es un intelectual. Me parece que voy encontrando un lenguaje en el cual la gente, a lo mejor, se siente en cierto modo reflejada, identificada. Mi obra no es pretenciosa, sino que “es lo que es” y me parece que el público elige.

PdA: - ¿En este sentido, cuál es tu concepcióndel arte? ¿Pensás que debe tener una función política y social?

ML: - Yo me planteé que tenía que ser un artista social. No porque no hacerlo esté mal, sino porque ése es mi lugar. Es donde me siento cómodo, tratando de ser portavoz de lo que está pasando. Pienso que el arte debe ayudar a ser mejor persona. Me parece también que es una palabra muy inclusiva, muy comunicativa y globalizadora. Esa cosa que siempre es “inútil” se convierte en algo útil… Ayer por ejemplo recibí el premio del INADI por el trabajo que hice en las comunidades aborígenes con un proyecto que se llama La gira interminable (que empezó el año pasado y que no tiene fin) en el cual trabajo con 18 chicos especiales.

PdA: - ¿Y se puede congeniar este trabajo social con el que hacés en las galerías?

ML: - Trato de no mezclar las cosas. Yo no cambio cuando vengo a la galería, ni cambio cuando voy allá. No necesito disfrazarme de pobre para estar con los pobres. Son dos trabajos distintos. Aprendí mucho a integrarme y a aprender más que a enseñar. Hay mucho que aprender e investigar. Cuando los chicos me preguntan “¿usted sabe dibujar?”, yo les respondo “no”. “¿Pero cómo, si usted es pintor?”. “Bueno, sí, vamos a ver”, y las maestras se enojan. Es que los chicos tienen vergüenza. “Juancito dibuja bien, Pedrito dibuja mal”. Son todas cosas que los grandes hacemos mal. Tiene que ver con la mala educación. Los chicos tienen que dibujar. Cada uno tiene un lenguaje. Yo una vez dibujé en una escuela un elefante de 6 patas. La maestra me preguntó:“¿dónde estudió, Milo?” Y yo le contesté “en la calle, yo tengo sentido común”.

PdA: - ¿Cuáles son tus referentes artísticos?

ML: - A mí el artista que me hizo tener ganas de pintar fue Jorge de la Vega, es el artista que más me gusta. No me siento identificado con él, no lo tomo como referente, pero es lo que

me gustaría ser. Me parece increíble su pintura, su lenguaje, su forma.

PdA: - Utilizás mucho el grafismo y la palabra como elemento compositivo de tus obras, pero no les colocás título.

ML: - Es cierto, mis obras no tienen título. Es muy divertido, a veces me piden que les ponga título o los ponen ellos (el público). “Le pusimos Amanecer” y a mí me encantó. Es un ida y vuelta, esta apertura marca ladiferencia. Quizás… con las palabras… cuando escribo“dulce”, por ahí me dicen que es cursi, peroen los cerebros retorcidos es cursi. La palabra dulce es una palabra preciosa, o “quereme”. ¿Nunca escuchaste “decime que sí”? ¿O pediste “mamá, haceme milanesa”? ¿Yqué, soy un intelectual de la milanesa? O sea, puede ser eso, como puede ser un Rembrandt, ¿cuál es la diferencia?

PdA: - ¿Actualmente en qué estás trabajando?

ML: - Ahora estoy experimentando con recortes que tienen volumen, estoy haciendo unos chanchos, unos tapires, unos objetos grandes sobre chapa. Yo no soy escultor, trabajo con uno, y además con un herrero. Me gusta probar.

PdA: - ¿Cuáles son tus proyectos para elpróximo año?

ML: - Arrancamos en enero en Punta del Este con una muestra grande con Maman. El año que viene ya está todo armado, uchas muestras, mucha actividad. Expongo en el Fay Gold Gallery en Atlanta. Tenemos el sueño de construir la Casa Garraham en Chaco, que va a ser la primera fuera del Garraham y que va tratar pacientes que hacen el ambulatorio.

Ivana Lis Wendling L.

Ma. Laura Martínez Bigozzi