Ballantines, "Leave and impression."

El jueves 27 se realizó el evento “Leave and impression” en el local de Diesel de Palermo (El Salvador 4801).
Allí, los artistas Diego Alexandre y Machu Mouján dejaron su huella sobre un mural gigante, en una obra de arte en vivo.

Además, Mike Amigorena, Leonora Balcarce, Capri, Catarina Spinetta y Romina Lanaro expusieron las botellas de Ballantine´s que ellos mismos personalizaron.

Geisha: memorias para armar.

Por Amalia Sato
ver nota completa en
revista tokonoma 11, 2006, Buenos Aires, Argentina

“El andrógino vaga por la tierra. Los hombres sienten que su sombra los invade y ceden, dejan de aferrarse a sus convicciones y papeles masculinos, tan duros y estrictos. Las mujeres despiertan a espacios nuevos, definidos con claridad y frialdad, a planos coordinados con precisión, en los que comienzan a abrirse camino con calma” (Elémire Zolla, Androginia, Debates, 1990)

Los viajeros europeos y americanos que visitaban el Japón hacia finales del siglo XIX y principios del XX, en la era Meiji, las describían como muñecas, cuando recorriendo las callejuelas de los barrios de placer las veían pasar o recibirlos a las puertas de las casas de té. Ninguno se privó de incluirlas en sus relatos de viaje. Desde entonces la geisha quedó instalada en el imaginario occidental como ícono de la femineidad de Japón. Dócil, elegante, discreta, fue la figura que representaba a la mujer japonesa a lo largo de ya un siglo y medio. El best seller de Arthur Golden, un estudioso que aplicó sus conocimientos en la elaboración de una novela rosa con una protagonista de misteriosos ojos claros, volvió a instalar el enigma y la película de Spielberg, basada en él, más simplificaciones.

La delgada línea que todos insisten en señalar, la que separaría a la geisha de las prostitutas, es la misma que han trazado todas las alusiones a las artistas, desde que el mundo es mundo, pero en este caso, y no es casual, la pregunta sobre si las geishas mienten o fingen, (que siguió siendo la gran incógnita para los que abordaron el comentario del film que mencionamos), resulta significativa por el margen de desconcierto que todavía la sostiene. Valga el reclamo de la informante de Golden, la célebre ex geisha Iwasaki Mineko, que se ofendió por algo que sintió traicionado en el traslado de su testimonio y que terminó escribiendo su propio libro.

Un repaso por la genealogía de la figura se impone, para revisar un misterio que han desangelado.

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AMALIA SATO
Profesora en Letras, traductora, editora de la revista literaria tokonoma, que se publica una vez por año desde 1994 en Buenos Aires.
http://www.revistatokonoma.blogspot.com/

Santiago Cogorno: ...un cuadro de una sola sesión

Texto extraído de una entrevista realizada por José Viñals.
Colección Palabra e Imagen (1975)
Imagen, galería de arte


(…) La fluidez es una cosa de mucha sensibilidad, una cosa importantísima en el cuadro. Si tú haces o le das al color la fluidez justa, podes pintar el cuadro en una sola sesión.

Viñals -¿Por qué es importante pintar un cuadro en una sola sesión?
Cogorno -Mirá, los cuadros de una sola sesión son los más hermosos que hay por su frescura y su luminosidad.
A los cuadros más famosos de la historia de la pintura vos podes observarlos al trasluz. ¡Son de una belleza! ...Por la fluidez de la materia, ¿sabés? Eso es muy difícil de obtener. Matisse y Braque son dos de los grandes maestros de esa época que obtuvieron la total belleza del color, el empaste de una única fluidez en una sola pasada de pincel. ¿Entendés lo que quiero decir? En cambio Picasso era un enchastrón; muy pocas veces ha pintado cuadros de fluídez; tal vez en la época rosada, que era muy linda, o en la época azul, en Les Demoiselles D'Avignon y en algunos pocos cuadros más.

V. –Santiago, vos insistís mucho sobre ese punto de la fluidez, de la frescura, de lograr el empaste justo con una sola pasada del pincel; te he escuchado muchas veces decir -y alegrando o tal figura, de prima intenzióne...
C. -Sí señor, si señor. De prima intenzióne. Es muy difícil hacer eso; es una de las cosas más difíciles de la pintura. ¿Sabés lo que es darle al cuadro el color y la plasticidad, ¡la plasticidad, che!, de una sola pincelada?

V. -Si estás tratando siempre de pintar de primera intención, no dibujarás nunca sobre la tela en blanco, ¿no es así?
C. -Efectivamente; yo jamás dibujo la tela. Mira, yo, de inicio, lo único que hago es elegir un color. Puede ser que mi equivocación, si es que estoy equivocado, sea partir del color más luminoso... Puede ser, ma no sé, no sé. También puede ser que me equivoque por no dibujar antes. Un grande maestro me dijo una vez: “-¿Para qué vas a dibujar antes si después con la pintura vas cubriendo el dibujo?”Entonces nunca he pintado un cuadro dibujando con anterioridad. Yo prefiero dibujar con pincel. Yo al pincel lo uso como si fuera un lápiz; por ejemplo, yo manejo un pincel grueso Nº20 como un lápiz o una lapicera.

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Actualmente puede visitarse la muestra de
Santiago Cogorno
en

FORO DE ARTE - GALERIA

hasta el 27 de Agosto 2009

>>>ver muestra

SANTIAGO COGORNO (1915-2001)

1915 Nace en Buenos Aires.
1932 Estudia en la Academia de Brera de Milán hasta el año 1935.
1949 Firma un contrato con la Galería II Milione de Milán.
1949 Exhibe sus obras en Sto. Moritz, Suiza.
1954 Muestra individual en Basilea, Suiza.
1956 Obtiene el premio" Augusto Palanza". Participa en la Bienal de San Pablo.
1957 Exhibe en la Galería Witcomb. Participa en la Bienal de Venecia.
1958 Obtiene el Gran Premio de Honor del Ministerio de Educación.
1961 Expone en la Galería 11 Milione de Milán.
1962 Expone en Génova, Florencia y Roma.
1963 Expone en el Centro Cultural Olivetti de Ivrea.
1966 Obtiene el Premio de la Crítica de Arte al artista más destacado de su generación.
1968 Expone en la galería Wildenstein de Buenos Aires.
1969 Primera muestra de esculturas en la Galería Rubbers.
1974 Expone en la Galería Van Riel.
1976 Exposición Retrospectiva en la Galería Palatina.
1976 Realiza para la Edición de la Galería del Levante de Milán una carpeta de litografías titulada "Nostradamus".
1977 Expone en la Galería Imagen.
1978 Exposición de esculturas en la Galería Palatina.
1978 Ejecuta para la Fundación Argentina para la Poesía una carpeta de serigrafías inspirada en la poesía de
Sigfrido Radaelli.
1990/ 1991/ 1998 Exposiciones individuales en Van Eyck Galería de Arte.
Muere en Italia en el año 2001.

Aldo Paparella *1- Escritos

Cosas … y otros escritos
Extraído de una publicación de la Fundación San Telmo / Junio 1987
Editados originalmente por Víctor Najmías, Art Gallery International.

Alrededor del 65 visité una exposición insólita que a nadie llamó la atención, ni a los críticos más suspicaces. Lo gracioso del asunto es que las obras no podían adquirirse, casi no existían. Por cierto esa actitud del artista renunciaba a la venta y los burgueses no podían invertir su plata; para mi las especulaciones valen sólo las de tipo poético, comprar una obra para entablar un dialogo.

El autor de este chiste-verdad violentador es gran amigo mío, yo quería decirle un montón de cosas respecto a esa actitud pero a veces tengo lagunas, entonces le escribí una carta que nunca envié, soy perezoso. Una de las cosas que le decía era que, junto con Van Riel, eran heroicos por tan desinteresada postura. Hoy a muchos años de distancia tengo necesidad de reivindicar ese noble gesto porque nadie es capaz de ser esencial.

La nada que se exponía en Van Riel, no era la nada en sí, quería denunciar el vacio de ayer, de hoy, de la civilización occidental, Barilari*2! tu gesto va mas allá del tajo de Fontana de esa herida cósmica como ultima postura. Vos representaste la nada con simples rollos de papel, sin intervenir.

La suerte de Barilari, gran ingenio vago, está en que sabe ser también ejecutivo y se le importa un bledo de nada y permitirse el lujo de las actitudes extremas.
Lo que más le gusta es reírse a carcajadas y llenar las galerías de Buenos Aires de humor. Últimamente lo he encontrado justo en una de ellas, casi no lo reconocí porque de 120 Kg. había rebajado a 70 Kg. Era como si fuera el fantasma de sí mismo. Una coqueta señora le pregunto cómo había hecho para llegar a eso, con la calma más extraordinaria de este mundo le contestó que tenía cáncer, y le pidió que le tuviera lástima, mucha lástima. La señora se alejo de prisa por el miedo de ser contaminada. Querida señora; Barilari no tiene cáncer y nunca lo va a tener porque tiene buena psicología, de lo único que puede contaminarnos es de su alegría de vivir, su fe en el prójimo inteligente, yo creo que durante toda su vida será capaz de inyectarnos fuerza, locura de poeta.

De lo que verdaderamente tenemos que tener miedo es que nos enseñe a amar la poesía auténtica, que no es cosa práctica, y perdernos.

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*1 - ALDO PAPARELLA

Aldo Paparella (Minotauro, Italia, 1920 – Buenos Aires, 1977)

En 1950 llega a Buenos Aires. Sus comienzos en Italia, están orientados a la actividad pictórica. A partir de 1957, ya en Buenos Aires, se lanza al hacer escultórico. A partir de 1963 incorpora materiales de desecho. En 1958, integra la muestra “Panorama de la Escultura No Figurativa en la Argentina”. En 1971 comienza la serie de “Monumentos Inútiles”, realizados con materiales pobres, donde retoma los monumentos romanos reinterpretados desde su época. En 1971, acompañado por Libero Badii, Horacio Coll, Enio Iommi, Alberto Heredia y Aldo Pellegrini, participa en la muestra “El artista y el mundo del consumo”, presentada con un manifiesto de por medio. Es el manifiesto “Proposición: la neoescultura en mi tiempo” (1972).

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*2 - ENRIQUE Barilari
Buenos Aires, 1927-2002

Estudia con el dibujante húngaro Lajos Szalaj. En 1955 presenta su primera muestra individual en la Galería Antígona. En 1959 integra el Movimiento Informalista. Concurre, en 1960 y 1961, al Premio Ver y Estimar. Expone en la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en 1960.
Un año más tarde es invitado a la muestra Arte Contemporáneo Argentino en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil. Participa en Arte Destructivo en 1961 y en Pintura espejismo en 1963. Junto con Víctor Grippo, Kenneth Kemble y Emilio Renart expone en Investigaciones sobre los procesos de la creación en la Galería Vignes, en 1966. En 1968 participa en El árbol de los juegos en la Galería El Taller junto a Ernesto Deira, Manuel Espinosa, Kenneth Kemble, Luis Felipe Noé, Marie Orensanz, Martha Peluffo, Federico Peralta Ramos y otros. No vuelve a exponer hasta 1984 cuando se presenta con pinturas figurativas en la Galería Ruth Benzacar. En 1985expone en la Reynold C. Kerr Gallery de Nueva York. En agosto de 1997 se inaugura su última exhibición en la Galería Art House.