arsomnibus

Distinción “Artífices del Patrimonio 2011”

2012-01-05T10:31:00.000-08:00

Larreta soñó con un reflejo de La Alhambra en su jardín de Belgrano. Lo que en su época no era algo singular-la zona era de grandes quintas-, hoy se ha convertido en el único jardín hispano musulmán de nuestra ciudad.

En la década del veinte, Larreta le confiaba a un periodista: “No estoy del todo satisfecho con mi obra, porque tuve que luchar con la falta de colaboradores manuales”.

La queja de don Enrique no podría existir en nuestros días, ya que el jardín de nuestro museo cuenta, desde hace 21 años, con el cuidado de Antonio Sturla, distinguido como “Artífice del Patrimonio 2011” otorgado por la Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires.

Se consideran como Artífices del Patrimonio a aquellas personas que debido a su trabajo permiten el enriquecimiento de nuestro patrimonio cultural, y son verdadero Patrimonio Viviente (tal como los considera la UNESCO).

Junto a Sturla, colabora Ramón Vera, quien integra el staff del museo desde el año 1984.El jardín del Museo de Arte Español Enrique Larreta abre sus puertas de lunes a viernes de 9 a 12,30 hs., y de 13 a 19 hs. Los sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs.

"Espacio Virret Linniers ". Miércoles 28-12-2011

El 28 de diciembre, en el "Espacio Virrey Liniers", tuvo lugar la 9º edición de la entrega del reconocimiento “Artífices del Patrimonio”.

En esta oportunidad, fue distinguido Antonio Sturla, jardinero de nuestro museo.

En la ceremonia, estuvieron presentes Mercedes di Paola de Picot y María Teresa Dondo de Barcia, por el museo Larreta y Liliana Barela y Horacio Spinetto por la Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico.

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MUSEO DE ARTE ESPAÑOL ENRIQUE LARRETA
 Juramento 2291

HORARIOS
MUSEO
Lunes a Viernes de 13.00 a 19.00hs / Sábados, Domingos y feriados de 10.00 a 20.00hs Valor de la entrada al museo: $1 / Jueves: entrada gratuita.
Visitas guiadas al museo
Sábados y Domingos a las 16 y a las 18hs
JARDÍN
Acceso al jardín  Lunes a viernes de 9.00 a 12.30hs y en el horario del museo.  Sábados, Domingos y feriados en el horario del museo.
Visitas guiadas al jardín Primer sábado de cada mes a las 15 y a las 17hs Próxima visita: Sábado 4 de febrero de 2012
BIBLIOTECA
Lunes a Viernes de 12.30 a 19.00hs
ASOCIACIÓN AMIGOS DEL MUSEO LARRETA
Lunes a Viernes de 14.00 a 19.00hs - Vta. de Obligado 2139
¿CÓMO LLEGAR AL MUSEO?
Líneas de Colectivos:  44, 55, 60, 63, 64, 65, 80, 113, 114, 118, 152, 41, 68, 67, 59, 184, 161, 168, 57. Línea de subterráneo:  D - Estación Juramento. Línea de tren:  Mitre - Estación Belgrano C
INFORMES
Juramento 2291 ó Vta. de Obligado 2139 / (54.11) 4783-2640 / 4784-4040

BIENAL DE FLORENCIA 2011: PREMIO

2011-12-19T01:50:00.000-08:00

La artista visual María Rosa Braile, oriunda de La Pampa, recibe premio Lorenzo el Magnífico en VIII Bienal de Florencia.
La artista visual María Rosa Braile, oriunda de La Pampa, resultó ganadora del Tercer Premio Internacional “Lorenzo el Magnífico” en la Categoría Instalación en la VIII edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, celebrada entre el 3 y el 11 de diciembre en la ciudad de Florencia, Italia, donde participaron más de 600 artistas provenientes de 70 países. El domingo pasado el presidente de la Biennale, Pascuale Celona, le entregó la medalla de bronce y el diploma correspondiente a la distinción en una entrega de galardones a la que asistieron más de mil personas.

María Rosa Braile fue premiada por una Instalación titulada “Corazón Des-orbitado” en la que la artista exhibe la escultura de un corazón y muestra a través de un video cómo fue construyendo la serie de catorce esculturas a la que pertenece la obra expuesta en la Bienal.

Dice María Rosa: “En esta instalación incorporé arte electrónico. Para enfatizar la fuerza del corazón agregué luz a la escultura y mediante un dispositivo electrónico, el sonido del corazón latiendo. Traté de lograr un efecto de realismo, al manejar las luces electrónicamente, para que acompañaran el latido del corazón. Acompañé la instalación con un video en el que mostré cómo había sido el despliegue de la serie que tardé dos años en construir.”

“Lo que pretendo transmitir con esta obra es que a pesar de los avances del mundo contemporáneo, lo que nos rige es el corazón. Si aprendemos a rodear de armonía a nuestro corazón, aprenderemos a generar una onda expansiva que mejore nuestra vida y la de nuestro planeta. Muchos artistas se acercaban a mi stand muy conmovidos y me decían que mi obra era el corazón de la bienal.”

El evento fue inaugurado el 3 de diciembre dentro de las instalaciones de la histórica “Fortezza da Basso” por el Director General de la Bienal, el Sr Pasquale Cerona y el Presidente del Jurado, Sr Piero Cerona, en un evento cargado de emotividad.

Durante la clausura, realizada el 11 de diciembre, el Director artístico del evento, Sr Stefano Francolini reconoció la calidad de las obras presentadas en las categorías pintura, escultura, mix-media, fotografía, arte digital, instalación y video. Asimismo reconoció la labor del jurado Internacional, proveniente de diferentes países y con especialidades varias desde arte electrónico, arte oriental, escultura y con doctorados en varias especialidades.

Para el Sr Gregorio Luke, conferencista, curador y juez en la Bienal “participar en la Bienal de Florencia es una experiencia extraordinaria porque aquí se tiene la oportunidad de conocer artistas de renombre internacional a la par de artistas emergentes en donde a diferencia de otras ferias, el artista tiene la oportunidad de exponer su trabajo sin galerías u organizaciones gubernamentales de por medio”.

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Sobre la artista María Rosa Braile

Nacida en la Provincia de La Pampa, Argentina, realizó estudios de Cerámica, Escultura, Dibujo y Pintura en los talleres de maestros como Leo Vinci, Carlos Fells y Héctor Alves. Realizó Clínicas de Obra con los maestros Luis Felipe Noé, Carlos Gorriarena, Marcelo Pelissier, Eduardo Medici y Rosa Faccaro.

Fue distinguida, entre otros, con la Mención del Jurado del Salón Nacional de Escultura 2010, el Primer Premio Escultura Pequeño Formato en Desde la Plástica (2007) y el Primer Premio en la Sección Escultura del Certamen de Artes Plásticas para Obreros y Estudiantes (1975)

Ha participado en diversas exposiciones, entre las que se destacan:

Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, Florencia, Italia (2011), Exposición y Subasta de Arte Contemporáneo Argentino en Zavaleta Lab (2011), Muestra “Recorridos” en San Servolo, Italia, en el marco de la 54 Bienal de Venecia (2011), Muestra colectiva “Escaleras-Intervenciones”, en el Centro Cultural Recoleta (2011), Asociación de Interacción Arte-Psicoanálisis-AIAP, “Arte y Palabra en el siglo XXI” (2010), 10° Feria de Arte Contemporáneo – Expotrastiendas (2010), Proyecto Delivery del Fondo Nacional de las Artes (2010), los UWC Art Shows realizados en “El Ateneo” Grand Splendid” (2011 y 2010) donde se desempeñó como co-organizadora, y en las muestras realizadas en la Bolsa de Comercio de Buenos Aires (2009, 2008 y 2007), Museo Metropolitano (2005) y Centro Cultural Borges (2004, 2003 y 2002).

Realizó muestras individuales en el Museo Provincial de Artes, en la ciudad de Santa Rosa, Provincia de La Pampa (2010), la Asociación Pampeana de Cultura Inglesa (2010), en el British Arts Center donde presentó la muestra “Corazón Des-Orbitado” (2009) y en el Centro Cultural Borges en el que expuso la muestra “Efecto Mariposa” (2008).

También se desempeña como Consultora en Educación Internacional.

Tucumán en Buenos Aires

2011-12-06T07:30:00.000-08:00

Plástica

Llegan “Últimos acontecimientos”, de Pablo Guiot

La muestra está integrada por dibujos en tinta sobre papel. Puede visitarse a partir del 16 de diciembre

El artista plástico y docente tucumano Pablo Guiot, director del proyecto independiente La Punta, inaugura en Espacio Tucumán “Últimos acontecimientos”, una serie de dibujos recientes hechos mayormente en tinta sobre papel. Las obras que presenta en esta muestra constituyen un punto de contacto entre “lo inerte de lo decorativo y lo vivo de los procesos orgánicos, entre los mecanismos alienantes de la neurosis y el estado de conciencia plena”.

Emparentadas con la abstracción, las imágenes construidas son generadas a partir de una combinación entre situaciones azarosas y pautas de control, por lo que el resultado se asemeja a comportamientos orgánicos, gráficos científicos y trazados cartográficos.

Al respecto, Pablo Guiot nos dijo: “La economía del dibujo y la mancha de tinta sobre papel me sirven para sintetizar un proceso en donde una orden inicial se encuentra con diferentes imprevistos. O, a la inversa, donde un accidente intenta ser controlado. La obra en tanto acontecimiento en una ‘escala obra’ se aproxima a fenómenos de la naturaleza, del mundo micro o macroscópico. Un ritmo cósmico conecta y sintoniza a través de un estilógrafo mi estado interior con el del Universo”.

Pablo Guiot nació en 1972 en Tucumán, donde vive y trabaja como artista y gestor independiente. Estudió en la Escuela de Bellas Artes y se licenció en Artes Plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

Ha fundado los grupos “El Pasillo” (1995 – 1997), “El Ingenio” (2000 – 2003) y, en 2007, el “Espacio La Punta”. Además, ha coordinado intervenciones artísticas en espacios públicos desde la Dirección de Acción Cultural del Ente Cultural de Tucumán (2010 – 2011).

A partir de 1990 realizó numerosas muestras individuales y colectivas en el país y el exterior. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas. Entre los premios, becas y distinciones que ha recibido se destacan: Residencias “Urra”, Buenos Aires (2010); beca para grupos de artistas, con “La Punta”, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (2009); primer Premio Regional, Sección Dibujo y Grabado del Salón OSDE, Buenos Aires (2006); beca de perfeccionamiento para artistas del interior del país del Fondo Nacional de las Artes para asistir al taller de Jorge Macchi (2005); mención en “Proyecto Red” ArteBA de la Fundación ArteBA (2004). Además, fue seleccionado para participar de los “Encuentros de producción y análisis de obra para jóvenes artistas del NOA”, a cargo de Pablo Siquier y Graciela Sacco, organizado por la Fundación Antorchas y el Taller “C” (2001).

A Guiot le interesa despertar reflexiones acerca del comportamiento humano. Se identifica con las manifestaciones artísticas neoconceptuales. Sus referentes son Gabriel Orozco, Rirkrit Tiravanija, Jorge Macchi, León Ferrari, Flavia Romano y Rodrigo Amarillo.

Si tuviera que explicarle su trabajo a un niño, él diría: “El arte es imaginación. La imaginación es una voz suave como un peluche, al que se abraza y se hace dormir. Dormir es soñar. Soñar es arte".

La muestra estará abierta desde el 16 de diciembre en Espacio Tucumán. Entrada gratuita.

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~ Tucumanos en otros espacios

Gabriel Chaile expone “El principio de la belleza está en el fin de la misma”

Con el auspicio de Espacio Tucumán, el artista plástico Gabriel Chaile presentará “El principio de la belleza está en el fin de la misma”, en el Centro Cultural Borges. Se trata de una instalación compuesta por 24 pinturas de pequeño formato acompañadas de una iluminación que define el clima de la obra. Son 24 insistencias formales de un mismo ser, autorretratos con diferentes posibilidades de peinados, como si la forma pudiera ser capaz de definir el poder y la psicología de las cosas a través de un tiempo.

La muestra se inaugura el 7 de diciembre y finaliza 11 de enero en la sala 23 b del Centro Cultural Borges (Viamonte esq. San Martín).

Se presenta en VENtv una miniserie de Rosalba Mirabella y Patricio García

La miniserie “Muñecos Del Destino”, con producción general y guión de Rosalba Mirabella y Patricio García, se presentará en la videolibrería de VENtv (Ventana, Encuentro y Negocios de Televisión). Más de 100 compradores de contenidos para televisión de todo el mundo se darán cita en este evento para conocer y adquirir material audiovisual producido por el Plan Operativo de Promoción y Fomento de Contenidos Audiovisuales Digitales, así como también el realizado por toda la industria audiovisual del país. VenTV tiene como objetivo abrir al mundo una ventana donde se pueda mostrar la amplia gama de contenidos que se producen en la Argentina y, de esta forma, favorecer la exportación de productos televisivos locales.

Entre telas y cartón pintado pertenecientes al mundo de los títeres, en "Muñecos del Destino" se cruzan historias de amor, intrigas policiales y hasta relatos de alcoba. La telenovela trata sobre una familia tucumana que tiene un centenario negocio de telas en la calle Maipú, y en cuya mesa de trabajo aparecen los mandatos familiares junto a conflictos generacionales y sociales. Dentro de una ciudad de San Miguel de Tucumán en miniatura, se aprecian las desventuras de Naim Masmud, fanático de las motos y los parapentes, atravesando tempestades contra un destino que le ha sido impuesto. Poco a poco, irán saliendo a la luz traiciones y terribles secretos de todos los que lo rodean.

VENtv se realizará el 6 y 7 de diciembre en instalaciones de la UCA (avenida Alicia Moreau de Justo 1600, Puerto Madero).

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Espacio Tucumán
Mercedes Viegas Coordinadora de Cultura
Gobierno de Tucumán en Buenos Aires
Suipacha 140 (Ciudad de Buenos Aires)
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Prensa: Celeste Danón: mcdanon3@gmail.com

Itaú cultural - Ganador del premio de Arte Urbano Graffiti 3D

2011-12-05T05:38:00.000-08:00

Itaú cultural presentó la obra ganadora de la categoría Graffiti 3D de su Premio de Arte Urbano

• La obra ganadora en la Categoría 3D es “Pensamiento Doble” del artista urbano P3DRO y estará disponible para visitar hasta fines de enero en la plaza seca de las Torre Colonos Plaza, Juana Manso 351, Dique 4, Puerto Madero Este.

• La categoría 3D invitó a los artistas a presentar una obra tomando como punto de partida el trazo del graffiti aplicado a un soporte de un plano traslucido y otro opaco, superpuestos, mostrándose por primera vez en una superficie con volumen.

Itaú cultural y la Asociación Estilo Libre presentaron la obra ganadora en la categoría 3D del Premio Itaú Cultural de Arte Urbano, llamada “Pensamiento Doble” del artista urbano P3DRO, Pedro Perelman. La ceremonia se realizó el día miércoles 30 de noviembre a las 19 hs y participaron del acto de premiación el Presidente de la Fundación Itaú, Sr. José Pagés; y la Directora de la Asociación Estilo Libre, Sra. Carolina Biquard.

La obra juega ópticamente con los registros que la componen y busca promover en el espectador la sensación de dimensionalidad en la imagen y el espacio. El mural estará disponible para visitar hasta fines de enero en la plaza seca de las Torre Colonos Plaza, Juana Manso 351, Dique 4, Puerto Madero Este.

El jurado de premiación del certamen estuvo integrado por el célebre arquitecto Clorindo Testa; Andrés Duprat, Director de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación; y Manuel Gerullis, fundador de Meeting of Styles, el Festival Internacional de Graffiti más prestigioso del mundo.

El Premio Itaú cultural de Arte Urbano es una iniciativa que busca jerarquizar e incentivar la expresión artística a través del graffiti, stencil y otras manifestaciones del arte callejero. La categoría 3D, sin precedente en el mundo del arte urbano, es una propuesta innovadora que convocó a los artistas a presentar una obra tomando como punto de partida el trazo del graffiti aplicado a un soporte de un plano traslucido y otro opaco, superpuestos. Así, por primera vez, el graffiti se muestra en una superficie con volumen proponiendo nuevas lecturas y miradas al espectador. La obra ganadora integra ahora la Colección de Arte de banco Itaú.

Asimismo, la ceremonia contó con un espectáculo en vivo de la banda Paraíso Urbano que ha grabado su último disco con el apoyo de Itaú, bajo la Ley de Mecenazgo. Se ofreció un brindis de honor durante el agasajo.

El Premio Itaú cultural de Arte Urbano contó con el apoyo de Sinteplast; la empresa nacional líder en la fabricación de pinturas, que acompaña al arte y sus protagonistas en todo el país.

Acerca de Itaú cultural

Itaú cultural es un programa sin fines de lucro de banco Itaú. Fue iniciado en 1987 y desde 2009 está presente con actividades en Argentina. Éstas incluyen artes visuales y audiovisuales, música y literatura. Aquellos interesados en conocer la actualidad y convocatorias, pueden seguir a “Itaú Cultural Arg” en Facebook y Twitter.

La Noche de los Museos 2011

2011-11-07T06:07:00.000-08:00

El próximo Sábado 12 de noviembre se realizará la 8ª edición de La Noche de los Museos.

El año pasado más de 600 mil personas disfrutaron de una multiplicidad de muestras y espectáculos y conocieron en sus museos y espacios las historias, memorias y sensibilidades de una ciudad rica en expresiones culturales. Este año más Museos se suman al recorrido dando un gran impulso e insertando al barrio al circuito cultural de Buenos Aires.

Toda la programación en
http://www.lanochedelosmuseos.gob.ar/programacion.html

Lista de Museos que participan:

Museos

Tucumán en Buenos Aires

2011-11-04T07:34:00.000-07:00

Tucumán en Buenos Aires

Plástica

Nazarena Pereyra expone “Rama” en Espacio Tucumán

Sus dibujos y pinturas podrán verse a partir del 17 de noviembre

La joven artista plástica Nazarena Pereyra expondrá por primera vez en Espacio Tucumán a partir del 17 de noviembre. En esta ocasión presentará dibujos y pinturas recientes. Ahí donde se encuentra el gesto de la mano paciente y una memoria persistente, ocurren estas pinturas y así pueden verse ramas lábiles, delicadas, silenciosas, casi imperceptibles, pero decididamente inquietas en la tela o el papel.

Para Nazarena, pintar es también una meditación, tal vez por eso “Rama”, el nombre de la muestra, suena tanto a uno de los dioses más populares de la India como a esa parte del árbol donde crecen las hojas.

Dice Alejandro Jodorowsky: (…) Cada vez que un árbol es herido o pierde una parte, otra rama crece al lado. Lo que está perdido, perdido está. No se puede resucitar lo cortado, pero en su lugar puede crecer algo nuevo. La respuesta del árbol ante una pérdida es crear de inmediato una nueva vida al lado de la herida”.

Nazarena Pereyra nació en la ciudad de La Plata en 1974. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Tucumán y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, donde en 1999 obtuvo su licenciatura. Asistió a clases y clínicas con Diana Aisemberg y Pablo Siquier, participó de los “Encuentros de análisis y producción de obra” de la Fundación Antorchas (1998) y de las Clínicas de Artes Visuales en el Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA, 2006). Es docente de artes y ha realizado exposiciones colectivas e individuales en distintos espacios de Tucumán, Buenos Aires y del extranjero. En los últimos años coordinó y dictó diversos talleres abiertos a la comunidad para el programa cultural de la Fundación Wiphala, en Tafí del Valle, y San Miguel de Tucumán.

Nazarena Pereyra expone “Rama”, desde el 17 de noviembre, en Espacio Tucumán. La muestra puede visitarse de lunes a viernes, de 10 a 18. Entrada gratuita.

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Ramón Teves presenta retratos autobiográficos hasta el 15 de noviembre

Su muestra “Fotografías” se expone en Espacio Tucumán con excelente convocatoria y crítica

La muestra “Fotografías”, del artista y reportero gráfico tucumano Ramón Teves, se expone en Espacio Tucumán hasta el 15 de noviembre. El retrato, individual y grupal, es el principal acerbo que encuentra el autor para explorar sobre la búsqueda y conformación de la identidad, que se vuelca en distintas series de imágenes.

Los personajes reflejan situaciones y experiencias comunes al espectador: sus retratos obligan al sujeto a desviar la mirada hacia todo lo que hay alrededor. Teves retrata a sus seres cercanos, como familiares, amigos y vecinos.

“Las fotografías de Ramón Teves nos interpelan, aún al borde de cierta incomodidad. (…) Sutilmente, sus personajes encarnan el drama existencial que nos atraviesa como sujetos. En esa inspección inducida, generan la sabia sospecha de que los objetos –muebles, pisos, fondos-, más que complementar o enfatizar el aura de quien está allí en el centro –su “personalidad”, su “entorno”-, provocan en la imagen una disrupción fundamental”, Valeria González.

La muestra permanecerá expuesta hasta el 15 de noviembre, de lunes a viernes, de 10 a 18, en Espacio Tucumán. Entrada gratuita.

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~ Tucumanos en otros espacios

Finaliza este sábado la muestra de Valeria Maggi en Central de Proyectos

Con el auspicio de Espacio Tucumán, la joven plástica Valeria Maggi presenta la muestra “Comportamiento de Paisajes” en la galería Central de Proyectos.

La muestra está compuesta de fotomontajes digitales realizados a partir de diversos fragmentos de fotografías. El entrecruzamiento de estas imágenes genera como resultado espacios virtuales, en los que rediseña la información visual, generando una tensión entre lo real y lo artificial.

Valeria Maggi es licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Tucumán. Algunas muestras en las que participó son “Curriculum Cero 2011”, de la galería Ruth Benzacar; Premio Bienal de Fotografía 2011 de Arte x Arte, y Premio Itaú Cultural 2010. Desde 2009 trabaja en la gestión de la galería de arte contemporáneo Rusia, dedicada a la difusión del arte joven de Tucumán.

La muestra puede visitarse hasta el 5 de noviembre, de martes a sábados, de 14 a 20, en avenida Santa Fe 2729, segundo piso, local 37.

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Enrique Salvatierra y Diego Perrota presentan “Resonancia” en galería Ups!

Los artistas plásticos Diego Perrotta y Enrique Salvatierra inauguraron el viernes último la muestra “Resonancia” en galería Ups!. La exposición cuenta con el apoyo de Espacio Tucumán y ha sido declarada de interés cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La curaduría pertenece a Gabriela Vicente Irrazábal.

En Salvatierra, la permanencia de la memoria, el poder de abstracción del paisaje norteño sumado a la misticidad de sus imágenes y el rescate permanente de su cultura hacen de su pintura casi una necesidad. Lo sagrado, lo ancestral, la puesta en obra de signos, iconografía y lenguajes autóctonos, expresan una labor arqueológica en cada obra.

Perrotta descubre la necesidad de explorar lo femenino. Sus rostros buscan identidad, quieren ser encontrados, siguiendo el patrón de los exvotos o las estampitas religiosas. Lo sagrado, lo profano y lo popular están enmarañados en estas obras.

“Resonancia” permanecerá abierta hasta el sábado 26 de noviembre, en galería Ups! (avenida Santa Fe 2729, piso 1).

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Espacio Tucumán

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Tucumán en Buenos Aires

2011-10-12T09:07:00.000-07:00

Tucumán en Buenos Aires

Plástica

La semana pasada, cerró la muestra de Hugo Bellagamba y Agustín González Goytía

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Sus pinturas y esculturas, exhibidas en la edición 2011 de Expotrastiendas, pueden verse en Espacio Tucumán hasta el miércoles 12

La propuesta artística que Tucumán presentó en el marco de la feria de arte Expotrastiendas 2011 se exhibe en Espacio Tucumán hasta el 12 de octubre.

Los plásticos Hugo Bellagamba y Agustín González Goytía presentan pinturas y esculturas de gran tamaño.

En sus obras, Bellagamba desarrolla un proceso de experimentación en cuerina buscando desplazar la mirada más allá de la formalidad de la pintura tradicional. González Goytía muestra historias pequeñas y paradójicas que reelaboran la tradición “dibujística” y escultórica tucumana, realizando un cruce con otras expresiones artísticas como el comic, la música y lo audiovisual.

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Retratos autobiográficos que provocan al espectador

Desde el 13 de octubre Ramón Teves presenta la muestra “Fotografías”

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“Fotografías”, del artista y reportero gráfico tucumano Ramón Teves, se expondrá en Espacio Tucumán a partir del 13 de octubre. El retrato, individual y grupal, es el principal acerbo que encuentra el autor para explorar sobre la búsqueda y conformación de la identidad, que se vuelca en distintas series de imágenes.

“En el caso del retrato, en la obra de Ramón sigue existiendo una estrecha relación a lo autobiográfico. Sean individuales o grupales, los retratos muestran una realidad que invita a indagar o preguntarse por todo el universo ilusorio que hay detrás de ese supuesto real y lo caracterizado o las relaciones que existen entre estas personas y los objetos visibles. Espacios físicos, parentescos, rituales de reunión familiar o religiosa, clases sociales, todos estos son elementos que se presentan en la obra de Ramón desde el principio como huella primaria de conformación de identidad, como autoreconocimiento y afirmación del yo en el universo cercano”, Jerónimo Sáenz Landaburu.

La muestra comienza el jueves 13 de octubre en Espacio Tucumán. Permanecerá abierta hasta el 9 de noviembre, de 10 a 18. Entrada gratuita.

Tucumanos en otros espacios

Javier Guardia distinguido con el Premio Banco Provincia

Javier Guardia fue distinguido con el tercer lugar en el Premio Estímulo Banco Provincia a la Pintura 2011 y sus obras se exhiben en Sarmiento 362/64.
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Evangelina Aybar está presente en las Salas Federales del CFI

Evangelina Aybar participa de la muestra colectiva “Pasión de multitudes” inaugurada el 5 de octubre en las Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones (San Martín 871). Podrá visitarse hasta el 28 de este mes, de lunes a viernes, de 12 a 19.
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Valeria Maggi inaugura en la Galería Central de Proyectos

Con el auspicio de la Representación Oficial de Tucumán en Buenos Aires, la joven plástica Valeria Maggi expondrá en la galería Central de Proyectos a partir del 17 de Octubre.

La muestra podrá visitarse de martes a sábados, 14 a 20, en avenida Santa Fe 2729, segundo piso, local 37.

UPS! recibe obras de Enrique Salvatierra

El plástico ganador del Konex Enrique Salvatierra expondrá en UPS!, la nueva galería inaugurada en mayo en la Ciudad de Buenos Aires. La propuesta estará abierta al público desde el 23 de octubre, en avenida Santa Fé 2729, primer piso.

Artistas estudiando

Martín Guiot

- Beca Ecunhi del Fondo Nacional de las Artes.

Lorena Kaethner

- posgrado en el Instituto Universitario Nacional del Arte IUNA.

Belén Romero Gunset

- Beca del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA).

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Espacio Tucumán

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FIVA, FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEOARTE. Entrega de Premios

2011-10-10T08:34:00.000-07:00

DEL 13 AL 16 DE OCTUBRE.

CASA DE LA CULTURA/ADROGUÉ.

ALMIRANTE BROWN.

Entre el 13 y el 16 de octubre se llevará a cabo FIVA, Festival Internacional de Videoarte, en el partido de Almirante Brown. FIVA reúne dos categorías de participación: videoarte abierto a artistas de todo el mundo y video minuto dirigido a alumnos de escuelas secundarias del partido de Almirante Brown, que se inician en este soporte artístico.

En la categoría videoarte internacional se presentaron más de 500 obras de 41 países. El jurado estuvo conformado por Rodrigo Alonso, Graciela Taquini y Federica Matelli (Italia) quienes han seleccionado 99 trabajos.

El domingo 16 a las 18 hs en la Casa de la Cultura de Almirante Brown ubicada en Esteban Adrogué 1224, Adrogué se darán a conocer los 3 ganadores quienes recibirán premios en efectivo de $ 5000 al primer premio, $ 3000 al segundo y $ 1500 al tercero.

En la categoría video minuto el jurado, compuesto por Toia Bonino y Ariel Vilches, visualizaron las obras presentadas por 127 jóvenes. Los dos videos premiados serán anunciados en el mismo acto y el municipio de Almirante Brown les hará entrega de una video cámara digital. Todos los alumnos seleccionados realizarán un seminario de capacitación en artes tecnológicas en Fundación Telefónica.

Se realizará un cierre musical a cargo de Miss Bolivia.

Participan en FIVA: Itaú Cultural Brasil con su programa Rumos; MIVA. Festival de Videoarte, Ecuador; Magmart, Festival de Videoarte, Italia.

FIVA es organizado por En Concreto, productora a cargo de Marcela Andino, Patricia Moreira, Hernán Raggi y Soledad Sanchez junto a la Secretaría de Educación y Cultura de Almirante Brown.

FIVA es una excelente oportunidad para ver lo mejor del videoarte mundial.

ARTISTAS SELECCIONADOS
Alejandro Areal Vélez - Argentina

Alexander Isaenko - Ucrania

Alice Bradshaw - Inglaterra

Amilkar feria Flores - Cuba

Ana Laura Tamburini - Argentina

Andrés Denegri - Argentina

Aurelio Kopainig - Suiza

Bruno Stecconi - Argentina

Camila Rodríguez Triana - Colombia

Camilo Guinot - Argentina

Carlos Herrera - Argentina

Chen Chia Yu - Taiwan

Christian Bermudez - Noruega y Costa Rica

Christian Wloch - Argentina

Cintia Clara Romero - Argentina

Colectivo: "Entre Manos" Nayla Rocío Espinosa Garcia - Colombia

Colectivo: "PetriPaselli" Matteo Petri y Luciano Paselli - Italia

Colectivo: 2+2 Romina Chaile y Alejandro Garat - Argentina

Colectivo: Christian Delgado y Nicolás Testoni - Argentina

Colectivo: Gabriela Farías y Patricia Moreno. - Uruguay

Colectivo: Gabriela Larrañaga y Paula Rivas - Argentina

Colectivo: Johannes Krell y Alexander Schmidt - Alemania

Colectivo: Julieta Anaut e Igancio Laxalde - Argentina

Colectivo: Lila Berger, Juan Agustín Boero y Tomás Fernández Castaño - Argentina

Colectivo: Pablo Delfini y Luis Guillermo González - Argentina

Colectivo:Javier Abreu, Julia Castagn y Ernesto Rizzo - Uruguay

Cristián Tàpies - Chile

Cristina Tonhaiser - ArgentinaDiana Schufer - Argentina

Diego Aguilar - Colombia

Elena Wen - Costa Rica

Eliana Otta Vildoso - Perú

Esteban Álvarez - Argentina

Estefanía Bowden-Smith - Argentina

Fernanda González Latrecchiana - Argentina

Fernando Lendoiro - Argentina

Florencia Almirón - Agentina

Francesca Leoni - Italia

Fredy Clavijo Cuartas - Colombia

Gabriel del Favero - Chile

Gabriela Adriana Alonso - Argentina

Gabriela Golder - Argentina

Gustavo Daniel Crivilone - Argentina

Ignacio Masllorens - Argentina

Isadora Gálvez Alfageme - Argentina

Javier J. Plano - Argentina

Joaquín Gasgonia Palencia - Filipinas

Johana Borchardt - Argentina

Jorge Catoni - Chile

Jorge Enrique Lumbreras - Argentina

Jorge Soto - Uruguay

José Ballivián - Bolivia

Juan Alvarez-Durán - Bolivia

Juan J.Gugger - Argentina

Julia Mensch - Argentina

Karla Carballar - Méjico

Katia Sepúlveda - Chile

Koldo Almandoz - España

Leandro Yadanza - Argentina

Luis Renato Hermosilla Coffré - ChileLuján Funes - Argentina

Luz Rapoport - Argentina

Manel Santos i Espinosa - España

Margaret McHugh - Australia

María Alejandra Delgado Uria - Bolivia

María Cañas - España

María Victoria Sayago - Argentina

Mariana Zamarbide - Argentina

Marlijn Franken - Holanda

Marty St. James - Estados Unidos

Mauricio Rivera Henao - Colombia

Maya Watanabe - Perú/España

Mercedes Moreira - Argentina

Michael Szpakowski - Inglaterra

Mónica Heller - Argentina

Muriel Montini - Francia

Nana Bastrup - Alemania

Natalia de la Vega - Argentina

Nestor Siré Mederos - Cuba

Nestor Siré Mederos - CubaNestor Siré Mederos - Cuba

Nicolas Richat - Argentina

Owen Eric Wood - CanadaPaulo Fernandez Carroza - Chile

Ramon Guimaraes - España

Reina Escofet - Argentina

Rodrigo Javier Demirjian - Argentina

Sally Gizzell Larson - Estado Unidos

Santiago Martín Alvarez - Argentina

Sebastián Freire - Argentina

Tamar Shippoy - Israel

Tamara Kuselman - Argentina y España

Tioa Bonino - Argentina

Valentina Ruth Cuello - Argentina

Vincent Gisbert - España

Vivian Ostrovsky - Estados Unidos

Viviana Berco - Argentina

Yael Rosenblut - Chile

Zlatko Cosic - Bosnia Herzegovina y EEUU

Para más información:

info@fivafestival.com.ar

www.fivafestival.com.ar

Malba anuncia la incorporación de dos nuevos curadores al staff del museo

2011-09-17T08:35:00.000-07:00

Malba – Fundación Costantini anuncia la incorporación de Florencia Battiti y Philip Larratt-Smith como curadores del museo.

Licenciada en Artes por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA), investigadora y docente universitaria, Florencia Battiti tendrá a su cargo la coordinación ejecutiva del Departamento de Curaduría.

Graduado en Classics (Harvard University), Philip Larratt-Smith asume la curaduría de los proyectos internacionales desde Nueva York y Londres, sus ciudades de residencia. Además tendrá la responsabilidad de fortalecer la presencia de Malba en la escena artística internacional. En 2009, Larratt-Smith fue el curador invitado de la exposición Andy Warhol. Mr America.

Marcelo E. Pacheco continúa su labor en Malba, dirigiendo el Departamento de Curaduría, con la responsabilidad de definir el perfil institucional del museo a través de la determinación de políticas y estrategias a largo plazo vinculadas con el acervo, el calendario de exposiciones, el Programa de Adquisiciones, los convenios con otras instituciones y diversos aspectos que hacen a la dirección de la entidad junto al fundador y Presidente de Malba, Eduardo F. Costantini.

Estas incorporaciones refuerzan el compromiso que Malba asume hacia el futuro. El objetivo es aumentar la capacidad del museo para producir y recibir exposiciones de mayor envergadura. “Malba se propone además incrementar su presencia en la escena cultural tanto en el interior del país como en el exterior, estrechando lazos de colaboración e intercambio con instituciones que compartan sus valores, para ayudar al conocimiento y a la difusión del arte latinoamericano”, explica Eduardo F. Costantini.

Florencia Battiti (Buenos Aires, 1965). Es Licenciada en Artes por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Obtuvo un Postgrado en Gestión y Comunicación Cultural, FLACSO, Argentina (2003). Es Investigadora del Instituto de Teoría e Historia del Arte “Julio E. Payró” y docente universitaria de arte argentino contemporáneo. Desde 2000 se desempeña como Coordinadora Artística del Parque de la Memoria dentro del ámbito del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Ha realizado tareas de investigación, producción y curaduría de exposiciones de artes visuales en el país y en el exterior. Recientemente se desempeñó como curadora adjunta por Argentina para la I Bienal Internacional del Fin de Mundo, Tierra del Fuego (2007) y como curadora de la exposición de artistas invitados para la IV Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo, World Textile Art, Buenos Aires (2009). Asimismo fue curadora del proyecto Nature Forecast, exhibido en la Galería Petronas en Kuala Lumpur, Malasia (2008) y de la exposición Arte contemporáneo de Santa Fe, dentro del programa Argentina Pinta Bien (2011). Es miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) y de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Integra el Consejo Editorial de Public Art Dialogue, publicación especializada en arte público, editada por Routledge, Taylor & Francis Group.

Philip Larratt-Smith (Toronto, Canadá 1979). Es escritor y curador independiente. Vive y trabaja entre Nueva York y Londres. Fue el curador de Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido (Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina; Instituto Tomie Ohtake, San Paulo, Brasil; Museu do Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil (todos en 2011); y el Freud Museum, Londres, Inglaterra (marzo 2012); Larry Clark (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2011); Joan Mitchell (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2010); Andy Warhol, Mr. America (Banco de la República, Bogotá, Colombia; Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina; y Pinacoteca de São Paulo, Brasil, 2009–2010); Louise Bourgeois: Nature Study(Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2008); Robert Mapplethorpe: Sagrado y Profano (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2006); y Louise Bourgeois: Uno y Otros (Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, Cuba, 2005). Ha escrito sobre la obra de Jenny Holzer, Milton Resnick, Irán do Espírito Santo y Roni Horn, entre otros. Nació en Toronto, Canadá, en 1979. En 2003 terminó sus estudios de B.A. in Classics en la Universidad de Harvard. Trabajó como archivista literario en el estudio de Louise Bourgeois. Actualmente, está preparando la edición de un libro sobre los escritos psicoanalíticos de Louise Bourgeois.

Eduardo Carrera, fotógrafo premiado.

2011-09-08T13:25:00.000-07:00

Libro editado en La Luminosa, de la Feria del libro de Fotos de Autor.

Por Alberto Mario Perrone, de la Asociación Argentina e Internacional de Críticos de Arte.

El flamante libro “Salud” de Eduardo Carrera atrae desde su formato minimalista de 15cm x 15cm, para desplegar una singular secuencia fotográfica blanco y negro (rectangular con orientación vertical y un “aire del pasado”), articulada por el hilván de textos breves. Se convoca una historia familiar, que enlaza infancia y vitalidad con un complicado devenir de uno de los personajes mostrado desde antiquísimas fotos de estudio: anónimas, otras firmadas en el margen hasta fotogramas de secuencias fílmicas en 16 mm. Quizá la tapa, -una copa con jazmines- consideró Carrera fue “una polisemia que aludía tanto a la salud física y mental como al brindis y al homenaje”. Mientras que para el relato con los textos escrito en máquina de escribir, se utilizó cámara de placa, todo lo cual influye para potenciar la transformación de un relato visual con la confluencia de una historia de y por imágenes.

Armar esta propuesta afrontó lo irreversible. Algo que modifica el pensamiento del que, en definitiva, está detrás del clic con una cámara de placa Perka de 1928 y busca capturas de luz con filtro, sobre papel en exposiciones de unos diez minutos.

El positivo final al prensarlo por contacto en cuarto oscuro con un vidrio rayado, logró ese especial “ruido” de las variaciones ya que la placa no era pesada, y al no aplanar completamente las hojas de papel fotográfico resultó un desenfoque aleatorio por zonas.

Las fotos familiares también ilustran un buen espectro del devenir técnico, social y cultural del arte fotográfico, hasta convertirlo en un tema en sí mismo. Por estos días, Carrera completa “Naturaleza” que será exhibido en la próxima edición de Buenos Aires Photo, como un consagratorio premio Felifa Dot Press/011; el pasado año con el máximo galardón para “Cultura del Agua” de la Secretaría de Cultura de la Nación y la mención honorífica del Premio del Bicentenario de la Biblioteca Nacional. Mientras que “El bañista” logro el Gran Premio del Salón Nacional de Fotografía/2006. También en forma individual expuso sus trabajos “Ceremonia”, “Verano porteño 01-02”, “Carrousel” y el “Museo del Amor”.

Alberto Mario Perrone, de la Asociación Argentina e Internacional de Críticos de Arte

Por el azar de “Expotrastiendas 2011”

2011-09-08T13:09:00.000-07:00

Por Alberto Mario Perrone, de la Asociación Argentina de Críticos de Arte.

Desde Rosario y mediante la Fundación Banco Itaú Cultural.

El equipo de trabajo “La hermana” (sic) lo integran Florencia Caterina, Ángeles Ascúa y Matías Pepe, sin duda, estuvieron entre los más jóvenes expositores. Son nuevos egresados de la academia de Bellas Artes que desembarcaron con desenfado en Buenos Aires para acercar una muy sugerente, colorida y variopinta serie de obras, apuntes, y algunos objetos que han imaginado y confeccionado a seis manos, de modo conjunto e integral. Mis mejores deseos y felicitaciones!

Mariana Villafañe: “Casa tomada”.

En un excelente espacio curado por Grace Bayala, donde se lucen en sus diversas propuestas Micaela Escudero y Alberto González Vivo, la instalación de Mariana Villafañe sobresale entre lo encontrado este año en “Expotrastiendas”. Mediante una secuencia de “pasos” que la joven artista denominó Acción de Arte, Instalación, Libro de Artista, Video y Obras complementarias, el espectador puede observar un rincón de un living familiar de clase media, con un sencillo sillón de los años 70 y elementos que remiten a esa época sobre una alfombra que cubre un amplio collage plástico donde se reproducen fotos de muñecas, una niña en brazos de Papa Noel, tapas de discos long play, un viejo sifón con carcasa protectora y hasta un Boletín escolar con su texto ampliado donde se puede leer, apenas se acerca el viandante que deambula por los pasillos de esta gran exposición. Todas las materias han sido calificadas con el puntaje más alto: diez. Sin embargo, está en blanco el lugar destinado a la firma del responsable y/o progenitor. Una piadosa caligrafía manuscrita dejó constancia, en su época, que es una lástima que tan buena alumna tuviera su Boletín de calificación sin rubricar. En verdad, cada espectador tiene la libertad de interpretar la propuesta de Villafañe como quiera y pueda. Sin embargo, cuando uno mira el Catálogo y lee alguno de los epígrafes que acompañan a las fotos (P.ej. “Cuando yo sea grande voy a ser como la amante de mi papá; debe ser muy linda”; o ”Algunos de estos platos están en la pared, pero otros se los tiran por la cabeza”; o “Los trapitos sucios se lavan en casa”; o “Pegar – tapar; pegar – callar, pegar– pegar“; “Si te la doy la vas a romper, te la guardo para cuando seas grande”; o “Una noche las milanesas aparecieron nadando”) y vuelve a detenerse en ese aviso ampliado que también fue incluido en el collage donde una niña publicita que busca un padre, la instalación encuentra alguno de los senderos propuestos para esta singularísima y desinhibida deconstrucción de cierta familia según la sobrellevó alguna vez, uno de tantos niños de la Argentina; algo que está implícito incluso detrás de la metafórica alusión al cuento de Julio Cortázar con que se bautizó a la exhibición. Expresivo, gozoso y corajudo resulta este sutil desarrollo de una original “Acción de arte”, que tuvo la asesoría de Fabiana Barreda, y que además, produjo otras llamativas obras de la misma talentosa artista plástica. Una vez más y a pedido, la excelente grabadora Gabriela Aberastury volvió sobre el cuento de Leopoldo Lugones, para hacer una relectura a la luz de su obra gráfica. Y mediante una separata de la edición de “Arte y antigüedades”, se pudo reconstruir su nueva labor la cual, en 1995 ya le había sido encargada por la Sociedad Argentina de Bibliófilos. En esta segunda oportunidad fue el acreditado impresor Rubén Lapolla quien propuso este desafío de volver a ilustrar el mismo y extraño cuento fantástico. Y la grabadora relata cómo se acercó al texto desde una perspectiva mucho personal e íntima para descubrir a un hombre que pretende tener derecho y lo ejerce a la fuerza sobre los demás. Así logró 34 grabados diferentes, relacionados con la historia de ese chimpancé cuyo dueño buscó enseñarle a hablar, y terminó muriendo en el instante que alcanzó a expresar: “Amo, agua!”.

Cuando el género llama a “Desempantalonarse”

Simpática iniciativa de una decena de jovencitas fue recorrer la feria de arte de “Expotrastiendas” luciendo vestimentas con originales diseños. Y una alegría inesperada toparse con este variopinto colectivo humano y observarlo desplazándose de un lado a otro llevando puesto, en vivo y directo, sus coloridos trabajos artesanales de costura. Y como indicó la curadora Ana del Valle Pelermo, este atractivo vestuario diseñado para la ocasión por cada una de ellas bajo el lema: “Poética del Pollerazo”, buscó puntos de inflexión en la tendencia de la Moda, entre lo visible de la figuración masculina-femenina; y casi como contrapropuesta enfrentando al habitual reto de las pasarelas de la anorexia local.

Para quien desee verlo: http://www.pollerasobjeto.blogspot.com/

Nora Fisch y “Los archivos”.

Entre interesantes y nuevos artistas resultaron de un sutil atractivo las pequeñas obras de Julián Terán, compuestas exclusivamente de líneas ubicadas milimétricamente, una al lado de otra en una contigüidad desesperante por su paralelismo que desafía el mejor pulso. La obra de este creador la presentó la galería ubicada en Güemes 2967, donde colabora la estudiosa portorriqueña Marina Reyes, afincada en nuestro país desde hace varios años, y que anuncia abrir al público desde una nueva sede en Recoleta.

Raíces americanas.

Quizá otra de las gratas sorpresas fue encontrarse con el taller que integran algunos de los muchos discípulos del afamado maestro Carlos Cañás, Gran Premio de Honor del Salón Nacional/77, (quien incluso participó con dos impactantes obras) y fue presentado por la crítica Rosa Faccaro. Entre ellos, los sintéticos desnudos femeninos del reconocido Eduardo Silberstein, dibujos admirados igualmente por el fundador del Museo de Arte Contemporáneo, Rafael Squirru; y además, las rotundas pinturas-collages de Vera Eisenberg, húngara afincada en la Argentina desde 195l. En esta serie de engamadas grandes obras, cierta rica apelación a elementos de la arquitectura traman un paisaje cuyas sugerencia, color y ensueño habrá de ser reconstruido para el disfrute del interesado espectador.

<<<<Ver archivo de EXPOTRASTIENDAS 2011 >>>>

Gabriela Aberastury, grabadora: “Yzur”, de Leopoldo Lugones.

Artistas de ARTEBus en Expotrastiendas 2011.

2011-09-03T15:28:00.000-07:00

EXPOTRASTIENDAS 2011 / FERIA DE ARTE
ver info

POUPéE TESSIO
http://www.artebus.net/poupeetessio/

Obras de su nueva serie ´Juegos Gráficos´.
Galería RG / Stand F10.

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MARTA PéREZ TEMPERLEY
http://www.artebus.com.ar/pereztemperley/

Obras inspiradas en mi viaje a Tailandia, el país de las sonrisas.
Arte Privado / Stand B85

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MóNICA FIERRO

http://www.artebus.com.ar/monicafierro/
Galardonada recientemente con el Tercer Premio, Concurso UADE
Stand Aldo da Sousa

GABRIEL ALVAREZ

http://www.artebus.com.ar/gabrielalvarez/

Con dos nuevas obras de gran formato.
ALDO de SOUSA.

JESúS MARCOS

http://www.artebus.com.ar/jesusmarcos/

Artista invitado especialmnente por el MACLA para su Stand institucional en esta Feria de Arte.

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TODOS LOS ARTISTAS EN ARTEBus.net

www.artebus.net

Tucumán en Buenos Aires / Expotrastiendas 2011: En VIVO/3

2011-09-02T10:53:00.000-07:00

Tucumán en Buenos Aires

Plástica

Tucumán en Expotrastiendas 2011: En VIVO/3

Los artistas Hugo Bellagamba y Agustín González Goitía trabajarán frente al público de la feria dando continuidad a la apuesta tucumana por la vitalidad artística

Los artistas tucumanos Hugo Bellagamba y Agustín González Goitía desplegarán sus capacidades creativas frente al público presente en Expotrastiendas 2011 al trabajar en vivo en el stand que tendrá allí la provincia de Tucumán. Desde 2006 el Gobierno de la provincia ha impulsado la presencia de diferentes artistas en este circuito, con un stand propio, signado por la vitalidad de sus propuestas. Expotrastiendas, organizado por la Asociación Argentina de Galerías de Arte (AAGA), se prolongará del 1 al 5 de septiembre en el Predio Ferial de Buenos Aires.

Hugo Bellagamba (pinturas) …. Un proceso de experimentación en cuerina como soporte, buscando desplazar la mirada más allá de la formalidad que trasunta la pintura tradicional. Este material toma relevancia significativa por su origen de símil… moviéndose así en el terreno ambiguo de lo que es real y lo que es valioso.

Agustín González Goitía (pinturas y esculturas)… historias pequeñas y paradójicas reelaboran la tradición "dibujística" y escultórica tucumana… un cruce con otras formas contemporáneas …el comic, la música, lo audiovisual, lo múltiple, lo dinámico, lo distinto…

Expotrastiendas podrá visitarse del 1 al 5 de septiembre en el Predio Ferial de Buenos Aires. Tucumán ocupará el stand B90, del pabellón ocre.

Otros artistas tucumanos expondrán en Expotrastiendas:

Exponente del proyecto DAD, Rodrigo Cañas participará en el espacio “Plataforma” de la feria. Esta área auspiciada por el Banco Itaú está destinada a exponer la producción de jóvenes artistas. DAD busca separarse del concepto estándar, generando novedosas formas de representación en los diversos espacios de comercialización y exposición de obras de arte que existen en el país. En Expotrastiendas 2011 recreará un confortable sector de realidades y producciones contemporáneas urbanas, dirigido a identificar y devolver al público asistente un scanner biográfico sobre el artista y sobre la exclusiva producción de sus obras.

Lucrecia Lionti expondrá junto a artistas franceses y argentinos un colorido popurrí titulado “Confusión sentimental”. Podrá verse en el stand LE 19 curado por el francés Philippe Cyroulnik.

En Espacio Tucumán

“Hacia Eros”, de Susana Babot, se expone hasta el 15

En “Hacia Eros”, la artista plástica Susana Babot expone pequeñas obras de gran dimensión sensorial: dibujos monocromáticos y sugerentes enlazan universos oníricos e iconografías reiteradas. Los dibujos de Babot, asociados a las tradiciones figurativas, trascienden la mera representación.

La artista desarrolló gran parte de su camino artístico junto a referentes de la plástica nacional y tucumana como Ezequiel Linares, Gerardo Ramos Gucemas, Luis Felipe Noé, Luis Debairosmoura y Dante Cipulli. Es licenciada en artes plásticas por la Universidad Nacional de Tucumán (UNT) y ha realizado estudios sobre capacitación para la gestión cultural con la Dra. Griselda Barale. Ha integrado el Instituto de Investigación de Arte Americano y Regional de la Facultad de Artes de la UNT y ha participado en la restauración del monumento a Alberdi de Lola Mora, luego de haber tomado cursos en la especialidad con profesores españoles e italianos. Además, se ha desempeñado como directora de arte de la obra de teatro "Pasiones Encontradas", montada en el Teatro Orestes Caviglia de Tucumán.

“Hacia Eros” se expone hasta el 15 de Septiembre, de 9 a 18, en Espacio Tucumán. Entrada gratuita.

Expotrastiendas vuelve a vivirse en Espacio Tucumán

A fin de favorecer el desarrollo de las redes de contactos iniciadas en Expotrastiendas, la presencia de los artistas Hugo Bellagamba y Agustín González Goytía, protagonistas en el stand de Tucumán de dicha feria de arte, se prolongará en Buenos Aires con una muestra que se inaugurará próximamente en nuestro espacio.

Los plásticos expondrán a partir del 16 de septiembre, de 9 a 18, en Espacio Tucumán. Entrada gratuita.

Tucumanos en otros espacios

Romero Gunset y Soria Vázquez integran Proyecto Circular

Belén Romero Gunset y Javier Soria Vázquez integran Proyecto Circular, un recorrido artístico y federal que pertenece al Palais de Glace. Junto a otros 40 artistas del país, los tucumanos elegidos por Oscar Smoje, director de la institución, son parte de la 3° edición de esta iniciativa.

Proyecto Circular busca favorecer la inserción de jóvenes artistas en el circuito del arte, y generar una plataforma de contacto para aquellos procesos de creación que desafían y transforman lo que continuamente vuelve a redefinirse como arte. Incluye a diferentes provincias del país. Tucumán ha estado presente desde su primera edición.

Proyecto Circular se expone actualmente en Posadas 1725.

“Wine, Tango & Art” puede verse en la nueva Martorell Art+People

La Ciudad de Buenos Aires cuenta con una nueva galería de arte, emplazada en un hotel de Recoleta, con el sello del artista plástico Jorge Martorell.

La muestra inaugural, “Wine, Tango & Art”, lleva la curaduría de María Carolina Baulo. Martorell, que en mayo del año pasado expuso en el Palais de Tokyo de París, aborda temas como el lenguaje universal del tango y recrea personajes que deambulan entre la angustia, la soledad y la melancolía. Trabaja con nuevos materiales y técnicas, como el empleo del vino tinto, de borras y tintas naturales para la elaboración de sus obras.

La muestra inaugural de Martorell Art+People se exhibe actualmente en Pacheco de Melo 1859.

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Espacio Tucumán

Suipacha 140 (Ciudad de Buenos Aires)
Tel.: (011) 4322-0010 (internos 115 y 132)

culturatucuman@fibertel.com.ar

Premio MAMbA / Fundación Telefónica, de Arte y Nuevas Tecnologías.

2011-08-26T13:30:00.000-07:00

El Premio MAMbA/Fundación Telefónica nació en el año 2002 con el objetivo de promover y difundir expresiones artísticas innovadoras, generando un espacio donde puedan desarrollarse producciones que amplíen, de la mano de la tecnología, las fronteras de las artes visuales. Además, el premio representa un incentivo económico para los artistas galardonados.

La continuidad, a lo largo de siete años, de esta iniciativa público-privada permitió la consolidación de una plataforma de artistas argentinos, quienes han reflejado una importante proyección internacional.

.Los participantes se presentaron en dos categorías: Proyectos y Obras realizadas.

En el primer rubro, que busca estimular la producción artística, Sebastián Díaz Morales se hizo acreedor del Gran Premio ($60.000) con su obra El ojo del Espejo. Jorge Caterbetti obtuvo el Primer Premio, Christian Wloch el segundo y Marcello Mercado el tercero. Por último, Laurecen Bender y Gabriela Golder recibieron menciones de honor.

En el caso de las obras realizadas, Yamil Burguener obtuvo el primer lugar ($15.000) por su obra Spill over ver. Constelaciones, de Ananké Asseff, ganó el segundo premio, mientras que Nicolás Bacal – quien ya había ganado en la edición anterior, pero en la categoría proyectos- se ubicó en tercer lugar con su obra La simultaneidad de nuestra percepción de la luz. Las menciones de honor fueron para José Javier Plano, por su obra 5 acciones (para la memoria colectiva), y Claudia Flores Colominas por Primarios.

El jurado de la séptima estuvo integrado por renombrados artistas y críticos de arte como Victoria Simon, Mariano Sardón y Jorge Haro (de la Argentina); Jim Campbell (de Estados Unidos) y Rejane Cantoni (de Brasil).

AGOSTO 2011- Tucumán en Buenos Aires

2011-08-20T18:08:00.000-07:00

Plástica
“Hacia Eros” - Susana Babot rastrea impresiones del amor.
En Espacio TucumánDel 18 de Agosto al 16 de Septiembre - Entrada: libre y gratuita

Lun a Vie de 10 a 20 hs.
Suipacha 140. C.A.B.A - Buenos Aires.

Una nueva muestra llega en agosto a Espacio Tucumán. En “Hacia Eros”, la artista plástica Susana Babot expone pequeñas obras de gran dimensión sensorial: dibujos monocromáticos y sugerentes enlazan universos oníricos e iconografías reiteradas. Los dibujos de Babot, asociados a las tradiciones figurativas, trascienden la mera representación.

La artista desarrolló gran parte de su camino artístico junto a referentes de la plástica nacional y tucumana como Ezequiel Linares, Gerardo Ramos Gucemas, Luis Felipe Noé, Luis Debairosmoura y Dante Cipulli.
Ver sobre la muestra y sobre la artista.>>>

“…no todo puede decirse porque no alcanzan las imágenes que podemos inventar para representar la vida.
…velar y develar lo que está oculto es el núcleo inefable que tiene que ver con el amor.
El amor como poder genesiaco capaz de echar raíces y de dar frutos de creatividad...",
María Blanca Nuri.

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En otros espacios

Pinturas de Mariana Ferrari en el Centro Cultural Recoleta

Hasta el 7 de agosto expuso la joven plástica tucumana Mariana Ferrari sus pinturas en el Centro Cultural Recoleta junto a Santiago Quesnel. En su trabajo, el tacto, el color y las técnicas directas tienen un espacio privilegiado.

“Me inquieta la sensación de estar en un territorio desconocido, aludir a las convenciones y desviarlas. Me interesan las superposiciones, el cruce de iconografía que proviene de fuentes muy distintas, tanto de la historia de los géneros artísticos como de la gráfica publicitaria, o cualquier otra, usada caprichosamente, más allá del estilo o los formatos. Considero estos trabajos como una especie de registro impuro, atravesado por múltiples influencias, un terreno de montaje mental donde podría cruzar estéticas como el pop y el rococó, la pintura popular y doméstica, un tráfico iconográfico que desvía toda misión y en su deriva reemplaza el lugar de lo valioso”, Mariana Ferrari.
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Nostalgia en la propuesta audiovisual que presenta Gabriel Chaile.

La muestra “¡Nunca os conocí! (Evangelio de San Mateo 7: 23)”, de Gabriel Chaile, se exhibió este mes en el Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo. Allí, el artista presenta un video en el que la añoranza por un espacio se desvanece y se regenera a la vez, en un punto de fuga.
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Romero Gunset y Soria Vázquez en Proyecto Circular.

Belén Romero Gunset y Javier Soria Vázquez fueron seleccionados para integrar Proyecto Circular, un recorrido artístico y federal que desarrolla el Palais de Glace. Junto a otros 40 artistas del país, los tucumanos elegidos por Oscar Smoje, director de la institución, serán parte de la 3° edición de esta iniciativa.

Proyecto Circular busca favorecer la inserción de jóvenes artistas en el circuito del arte, con un criterio federal, a partir del cual se incluyen artistas de diferentes provincias del país. Tucumán ha estado presente desde su primera edición.

Proyecto Circular inauguró el 16 de agosto, en Posadas 1725. Hasta el 11 de septiembre.
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Inauguró Martorell Art+People, nueva galería en Recoleta

La Ciudad de Buenos Aires albergará una nueva galería de arte, emplazada en un hotel de Recoleta, con el sello del artista plástico tucumano Jorge Martorell.

La muestra inaugural, “Wine, Tango & Art”, lleva la curaduría de la Lic. María Carolina Baulo. Martorell, que en mayo del año pasado expuso en el Palais de Tokyo de París, aborda temas como el lenguaje universal del tango. Sus personajes deambulan entre la angustia, la soledad y la melancolía. Trabaja con nuevos materiales y técnicas, como el empleo del vino tinto, las borras y tintas naturales para la elaboración de sus obras.

Martorell Art+People Pacheco de Melo 1859.
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Donato Grima presenta dibujos en la galería Palermo H.

El pintor, dibujante y diseñador tucumano Donato Grima expondrá “Dibujos, Pinturas & Bytes”, en la Galería Palermo H. La presentación estará a cargo del Dr. Julio César Crivelli.

Cabrera 6047. / hasta el 2 de septiembre.
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Carta de lectores: Pura burocracia sin sentido. Silvia Heger.

2011-07-30T17:13:00.000-07:00

Pura burocracia sin sentido.

Fuimos con mi esposo al MNBA para ver los nuevos colores de las paredes. Al entrar, los guardias objetaron mi cartera e intentaron obligarme a que la dejara en el guardarropa. Mi cartera es normal, no entra ahí ni una netbook, ni es mochila, es una simple cartera de mujer. Tiene un color claro y un cuero muy delicado. Nadie podía garantizarme que la iban a cuidar por dentro y por fuera. No hubo forma de convencerlos. Para colmo, los guardias no me miraban sino que murmuraban una especie de letanía dirigida hacia la pared. Como no me podían garantizar que nadie la rayara ni que nadie la abriera, nos fuimos sin poder ingresar.

Visité en Nueva York y en Washington unos 15 museos de todo tamaño, incluso algunos de los más importantes del mundo, y siempre los recorrí con mi cartera. Hace décadas que no voy a Europa, así que no sé cómo se manejan allí. Pero en los EEUU podés entrar con tu cartera y los guardias -si les preguntás algo- te miran, te hablan a los ojos y te sonríen, te sonríen!!!

Supongamos que somos varias mujeres las que vamos al MNBA, y que todas tenemos que dejar la carera en el guardarropa (eso es lo que les decían a las mujeres que estaban entrando), y entonces cómo haríamos para pagar un objeto en el shop? o para tener los anteojos? o los pañuelitos de papel? o qué sé yo qué otra cosa quisiéramos tener en la mano?

Qué nos espera con tanta burocracia inútil?

Lic. Silvia Heger

I?. Publicación Independiente de poesía visual patagónica.

2011-07-29T14:21:00.000-07:00

Í? es una publicación independiente de poesía visual patagónica, se gesta en la ciudad de Puerto Madryn en enero de año 2008 con la intención de difundir el género. Con el mismo objetivo se suma la creación de una Colección de Poemas Visuales donación de las obras publicadas que conforman la muestra Í? ORIGINAL de carácter itinerante.

Cada número parte de una propuesta diferente; según la propuesta se convoca artistas patagónicos y en calidad de invitados artistas de otra región del país y del mundo para la sección “de aquí y de allá”. Cuenta con prólogos de Juan Carlos Romero, uno de los principales exponentes contemporáneos del género en nuestro país.

En torno a la publicación se desarrollan diferentes actividades como presentaciones, participaciones, exposiciones, charlas y enmarcadas dentro del proyecto pedagógico de Í? talleres y seminarios de Poesía Visual.

En su primer año de vida Í? fue presentada en la ciudad de Trelew el día 21 de agosto de 2008 en el Museo de Artes Visuales. Entre el 3 y el 7 de septiembre del mismo año participa de la Feria del Libro de la mencionada ciudad. Asimismo Í? se presentó en la ciudad de Buenos Aires en Barraca Vorticista el 10 de octubre de 2008. Finalmente se organizó en noviembre la muestra colectiva con los originales de Í? en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew.
El número #3, editado en 2010 bajo el lema “llevar a verde” tuvo la intención de lograr en hacedores y público una reflexión y análisis crítico, como así también un compromiso frente a la problemática ambiental en la que nos encontramos, un tema que sin duda nos involucra a todos y del cual debemos hablar hoy. Entre las actividades programadas para ese año se destacan: en agosto la participación en Mercado del Buzón, Centro Experimental Vigo, La Plata; en el mismo mes se presenta en el Encuentro Patagónico de Escritores, en la ciudad de Puerto Madryn y en septiembre en la Feria del Libro de Trelew. En octubre participa de la Noche Cultural realizada en Puerto Madryn y en marzo exhibe sus originales en la Muestra Í?ORIGINAL en el Museo de Artes Visuales de Trelew.A partir del segundo número, editado en 2009, se propuso tratar una misma temática a lo largo de las distintas obras. La temática seleccionada fue “h de Hambre”, con lo cual Í? pretendió conjugar en ella una multiplicidad de miradas críticas sobre una temática delicada y desafortunadamente cotidiana en el mundo contemporáneo. De esta forma a través de esta pluralidad de obras se puede observar hasta qué punto es menester aprender acerca de la necesidad de convivir en la diversidad, de respetar las subjetividades dentro del colectivo social, lo cual proporciona una buena herramienta para el trabajo individual en esta dirección.

En febrero de 2010 el equipo de Í? Poesía Visual Patagónica gana la Beca Nacional para proyectos grupales del Fondo Nacional de las Artes, lo cual respalda la labor de la revista y colaboró para hacer posible las ediciones # 2 y # 3 de la misma.

En marzo de 2011 la presentación de í? # 3 “llevar a verde” encontró un marco ideal, dentro de los eventos programados a nivel mundial para celebrar el Año Internacional de los Bosques, el Parque Nacional Los Alerces se sumó al lema oficial de esta conmemoración: “Los bosques, para las personas”. El mismo fue sede del Encuentro Internacional de Gestión Artística denominado Nativo y Foráneo, en el que se llevaron a cabo distintas actividades. Entre ellas el día 17 de marzo se presentó en el Centro Cultural Melipan de la ciudad de Esquel nuestra publicación Í? Poesía Visual Patagónica.

Formamos parte de í?

Editores
Cristian Fasanelli
Daniela Mastrandrea

Diseño de Imagen y Fotografía
Rocío Voogt
Gisela Bordalecú

Siqueiros. Muralismo, Cine y Revolución por Ana Martínez Quijano

2011-07-14T14:56:00.000-07:00

TODOS LOS SIQUEIROS, EL SIQUEIROS

De verdadero acontecimiento editorial puede juzgarse la aparición del libro “Siqueiros: muralismo, cine y revolución”, de la periodista e investigadora Ana Martínez Quijano, con el cual Ediciones Larivière inicia una nueva colección de ensayos. Martínez Quijano, quien reveló y denunció en 1991 el estado penoso en el que se encontraba el hoy famoso mural Ejercicio Plástico del gran muralista mexicano (a punto de perderse en trozos depositados en containers en un galpón de San Justo, provincia de Buenos Aires), no sólo es la auténtica salvadora de una obra maestra olvidada, sino también la más calificada crítica para evaluar sus significados políticos, históricos y artísticos.

La obra, que lleva el subtítulo de “Consideraciones en torno a Ejercicio Plástico (1933-2010”), también es un análisis comprometido y riguroso sobre la relación de Siqueiros con el arte de su tiempo. En sus páginas se examina, entre otros, los vínculos del muralismo con las artes del movimiento contemporáneas a él, como el cine de Sergei Eisenstein.

La historia de Ejercicio Plástico reúne los ingredientes de un exasperado melodrama: amores clandestinos, afanes revolucionarios, intereses financieros y políticos, y una batalla legal que, hasta hoy, mantiene sin tregua el suspenso. El libro de Martínez Quijano, sin descuidar los aspectos históricos y hasta anecdóticos, contribuye con un nuevo enfoque teórico y comprometido de una obra que constituye una rareza en la historia del muralismo y de la vanguardia internacional.

La autora

Ana Martínez Quijano es periodista, crítica de arte, docente, curadora independiente, editora de Ambito de las Artes y columnista del diario Ambito Financiero desde hace más de 20 años.

Ha publicado artículos y ensayos críticos en La Razón y Le Monde Diplomatique, Art Nexus, First, Cultura, Ramona, Noticias, Arte al Día y Arte al Día Internacional y las revistas Águila y Sol y Crónica de México. Ha producido un ciclo de arte en Canal 11 (1984-1985). Fue columnista de Diálogo con la Cultura de Cablevisión (1988-1989).

Es titular de la cátedra Arte y Medios en la Carrera de Gestión e Historia de las Artes en la Universidad del Salvador. Ha sido profesora invitada por la Universidad Nacional de Misiones, el Master de Cultura Argentina de la INAP y coordinadora del seminario sobre Arte Latinoamericano de la Escuela de Administración Cultural.

Recibió el premio Leonardo al periodismo especializado que otorga el Museo Nacional de Bellas Artes, (1999) y el premio de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina por “Pinturas y palabras”, texto de la muestra “Borges y el arte”, (2002).

Entre sus trabajos curatoriales figuran las exposiciones:

“Norah Borges, casi un siglo de pintura” (Centro Cultural Borges, 1996)

La selección argentina de “Políticas de la diferencia” la muestra organizada por la Comunidad de Valencia, (Malba y otros museos de Latinoamérica, 2001)

"Borges y las Artes" (Museo de Bellas Artes, 2002)

“Proyecto RED”, (Fundación arteBA 2004)

“Proyecto Educativo Alto Paraná”, (Fundación arteBA 2005)

“La belleza alterada”, (Galería Agalma, 2006)

“In situ” de Sergio Avello (Galería Dabbah Torrejón, 2006)

“Arte Pop, a la argentina” y la serie “Homenaje a los grandes maestros”. (Fundación arteBA 2007- 2008-2009)

“Porque yo soy otro” del artista Sandro Pereira. (Fondo Nacional de las Artes, 2007)

“Desplazamientos y fusiones. Pintura y fotografía”. (Complejo Cultural de Río Gallegos, 2007. Centro Cultural Recoleta, 2008, Museo del Diario La Capital de Rosario, 2009)

Abre tus ojos, (Exhibición de videos en las calles de Buenos Aires. Ministerio de Cultura, 2008).

Barrio Joven (Fundación arteBA 2010)

Características técnicas del libro

Tirada edición de1500.

Medidas del libro 17.5 x 25 cm.

380 páginas totales (364 en papel obra 90 gramos y 16 páginas en papel ilustración 170gr. Con fotografías color).

Tapas blanda

Encuadernación cosida a hilo.

Idioma : español

Precio de tapa 30 dólares

EDICIONES LARIVIÈRE S. A.

Talcahuano 768 – 10º piso

Buenos Aires C1013 AAP – Argentina

Datos autor: Ana Martínez Quijano

anamquijano@hotmail.com

La Bella Durmiente del Bosque. Ballet en un prólogo y tres actos (1890). Teatro Colón, Temporada 2011

2011-07-09T20:25:00.000-07:00

Ballet Estable del Teatro Colón.

Temporada 2011
Directora: Lidia Segni
Coreografía: Karl Burnett
Diseño de escenografía: Chistian Prego
Diseño Iluminación y Proyecciones: Roberto Oswald
Diseño de Vestuario: Aníbal Lápiz
Bailarines invitados: Karina González y Cannor Walsh (Houston Ballet)
Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Director: Javier Logioia Orbe

Por Karl Burnett *1
( texto extraído del catalógo del Teatro Colón)
En esta producción, diseñada nuevamente para la temporada 20011 del Ballet Estable de Teatro Colón, he tratado de mantener tanto como fuera posible, los lineamientos de la producción original, que data de su estreno en 1890 *2

(…). He tratado de mantener aquí y allá lo que más o menos conocemos de la versión original, e intentado recrear la esencia de las intenciones originales de Petipa *3.

En mi humilde opinión, cuando Petipa fue a Rusia, su intrincado estilo coreográfico fue un fuerte desafío técnico para los bailarines que encontró allí y, sin querer parecer presuntuoso, siento, que yo puedo estar haciendo, lo mismo en este 2011 con los bailarines del Teatro Colón.

(…)Tanto como fuera posible, he procurado llevar las técnicas dancísticas y su musicalidad a un punto máximo. En cuanto al diseño también he tratado de hacer de esta producción, una verdadera celebración de la amplia variedad de talentos disponibles dentro del Teatro Colón, en todos los niveles (desde los bailarines hasta los escenógrafos y vestuaristas, técnicos de iluminación y personal de escenario).

(…)Mis principales inspiraciones para esta producción han venido naturalmente de las producciones tradicionales de las escuelas inglesa y rusa. Curiosamente, casi como cosa del destino, la Bella Durmiente, fue el primer Ballet que vi de chico y su impacto fue el catalizador para comenzar yo mismo a bailar (...).

(…)Además del obvio orgullo personal que siento al tener la oportunidad de montar este ballet en el escenario del Teatro Colón, también me siento tremendamente orgulloso de que esta sea una producción predominantemente argentina, gracias a las maravillosas ideas creativas y al talento de mis estimados (y muy pacientes) colaboradores artísticos Roberto Oswald, Christian Prego *4 y Aníbal Lápiz *5.

* 1 - Karl Burnett, *Coreógrafo. Nacido en Londres, se formó con Pamela Howard primero y luego en la Royal Ballet School. En 1994, después de una carrera sumamente exitosa como bailarín, se convirtió en asistente coreográfico de Angelin Preljocaj, Ballet Master de la Deutsche Oper Berlín y asistente de la dirección de Atterballetto. Actualmente divide trabajando además como agente, representando a un grupo de jóvenes coreógrafos europeos.

*2- La Bella durmiente del Bosque de Marius Petipa fue estrenada el 15 de enero de1890 en el Teatro Imperial Mariisnki de San Petersburgo. Aunque el famoso cuento de Charles Perrault, escrito en 1697, ya había inspirado un ballet anterior, creado en 1828 por Jean Pierre Aumer para la Opera de París, fue ciertamente la creación de Petipa la que dio lugar a todas las versiones académicas que se sucedieron hasta el día de hoy: todas utilizaban la partitura de Tchaikovski, la trama, los personajes centrales, muchos de los roles secundarios y los números coreográficos concebidos por la imaginación excepcionalmente fértil de Petipa. ( por Laura Falcoff, texto extraído del catálogo.)

*3 - Marius Petipa (1818-1910) es el creador más prominente del Ballet Ruso. Era francés y su familia estaba constituida por artistas itinerantes. En 1847 llegó a San Petersburgo con un contrato por un año para bailar en el Teatro Imperial; al desarmar el equipaje encontró que su madre había colocado, entre su ropa, tres bufandas gruesas. La señora Petipa sabía que el frío era allí tan intenso que incluso las calles contaban con sistema de calefacción. (…). El año de contrato se transformó en una residencia de casi seis décadas. Marius Petipa nunca llegó a dominar del todo el idioma ruso, pero su amor y su fidelidad por la patria adoptiva fueron absolutos y los aportes que hizo a la compañía imperial, ya el role de coreógrafo y director, marcaron de una manera excepcional y definitiva la historia del Ballet Ruso y finalmente también la historia del ballet universal.

La Bella Durmiente, fue su primera colaboración con Tchaikovski (1840-1893). ( por Laura Falcoff, texto extraído del catálogo.)

(…)

El estreno tuvo una recepción poco favorable: los colegas de Tchaikovski lo condenaron por haber accedido a escribir música para ballet, los literatos progresistas lo vieron como una mas de las diversiones destinadas a la Corte y el influyente crítico Stasov consideró que Vsevolojvski era un insípido francófilo al que solo le interesaban las muñecas y las Operetas Francesas. Sin embargo, tres años mas tarde continuaba colmando de público de la sala del Teatro Mariisnki y los bailarines se inclinaban decididamente por este ballet. -Iván Vsevolojvski era el director de los teatros imperiales, un militar y diplomático de gustos refinados. Fue el propio Iván quien pidió a Tchaikosvki, con entonces un compositor de mucha fama que escribiera la música de la nueva obra. - ( por Laura Falcoff, texto extraído del catálogo.)
*4 - Christian Prego, Diseño de Escenografía. Nació en Buenos Aires, cursó sus estudios de música y piano en el conservatorio “Juan José Castro” de Buenos Aires, Artes Plásticas en la Escuela de Artes Plásticas “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto de la Cárcova”, graduándose como Profesor Escenógrafo y de Artes Visuales. Egresado también de la Carrera de Régie en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Desde 1986 colabora con Roberto Oswald en trabajos para los Estados Unidos, Montreal, Dublín. Madrid, Pretoria, Santiago de Chile y Montevideo.

*5 - Aníbal Lápiz, Diseño de Vestuario. Egresó del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón como Escenógrafo y Vestuarista. Luego viajó a Londres donde residió durante dos años. Desde que regresó a Buenos Aires, colabora con Régisseur Roberto Oswald, diseñando los vestuarios para más de treinta importantes óperas.

Recibe numerosos premios y en el 2007 obtuvo el Premio ACE por Mejor Vestuario por la ópera Turandot.

UEITIN GODOY de Javier Margulis

2011-07-03T13:16:00.000-07:00

DISPOSITIVOS, SERIES, BLOQUES, NUDOS Y OTRAS ALTERACIONES DE LA MÁQUINA QUE PERDIÓ EL SENTIDO DE SU FUNCIÓN.

UEITIN GODOY de Javier Margulis

A punto de juntar sus cosas y prenderles fuego, un hombre habla con su perro embalsamado. Se exhibe como sujeto ante un público imaginario y espera sin suerte, alguna novedad que transforme su vida en algo más que un devenir sin interés.

Bienvenidos a este proceso interminable, bienvenidos al corredor, al pasillo, a la puerta de servicio de cada día... ¡Bienvenidos al mientras tanto!

ESTRENO: VIERNES 1 DE JULIO

Funciones: viernes a las 12.30 (mediodía)

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.
Entradas: $ 25 (promoción mes de estreno)

Duración: 55 minutos.

Prensa: Carolina Alfonso - caroalfonso@gmail.com
Actor: Norberto Trujillo

Realización de objetos: Carmen Ladío

Escenografía: Carmen Ladío – Javier Margulis

Música original: Mateo Margulis

Grabación: La Cuerda producciones

Diseño de iluminación: Marco Pastorino

Fotografía: Ariel Bottigheimer

Asistente de dirección: Francisco Ramallal

Dirección: Javier Margulis

JAVIER MARGULIS (Director)
Artista Plástico, Músico, Docente, Autor, Investigador y Director Teatral Argentino.
Entre sus numerosas puestas en escena, se destaca la línea de sus obras de cámara: Ritual de comediantes, El instante de oro, Folletín... ironía romántica, Seresleves y El experimento Damanthal.

Conjuntamente con Rubens W. Correa, es responsable de la dirección de varios éxitos de la cartelera porteña tales como: Violeta viene a nacer, Rojos globos rojos, Los siete locos y Cuestiones con Ernesto “Che” Guevara.

Ha recibido el premio Coca Cola en las Artes y las Ciencias en dos oportunidades y el subsidio a la creación artística de la Fundación Antorchas.

Entre los premios obtenidos merecen mencionarse el Premio Galina Tolmatcheva otorgado por el Instituto de Antropología de Milán; Primer Premio del Festival Internacional de Pelotas, Brasil; Premio Leónidas Barletta; Premio Arlequín y el Premio Prensario.

Ha sido invitado a participar en numerosos festivales Internacionales, tales como: Festival Internacional de Londrina, en Brasil; New York Off Festival; Festival Les Allumees, en Nantes, Francia; Festival Internacional de Porto Alegre, en Brasil; Festival Internacional de Caracas, en Venezuela; Festival Internacional de Manizales, en Colombia; Festival Internacional de Buenos Aires y Semana Argentina en Madrid y Casa De América, en Madrid, España.

Por su labor como docente e investigador sobre La gramática de la imagen, ha participado con ponencias y talleres en: II Encuentro de Estudiosos del Teatro, en la Facultad de Filosofía y Letras, de la UBA, Instituto de Artes del Espectáculo, Ciclo de Seminarios del Teatro General San Martín, Primer Encuentro Nacional de Pedagogos Teatrales, Centro Nacional de Nuevas Tendencias, en Madrid y Casa de las Américas, en Madrid.

Ha desempeñado el cargo de Director del Fomento del Instituto del Teatro, Coordinador de Programación del Teatro Nacional Cervantes y, actualmente, coordina y programa el área de Teatro del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti.

NORBERTO TRUJILLO (Actor)
Formado como actor con Roberto Durán.

Participó de las siguiente obras: Sacco y Vanzetti, de Mauricio Kartun; Kamikazes, de Luis Saes; Metejón, de Ricardo Halac y Casa en Kabul, con dirección de Carlos Gandolfo, entre otras.

Como director es responsable de Severino, la otra historia, de Marcelo Caamaño, entre otras puestas en escenas.

Desde hace 11 años se desempeña como docente en Centro de Estudio del Tango de Buenos Aires, CETBA, en la materia Teatro.

MATEO MARGULIS (Música original)
Realizó sus estudios musicales en el conservatorio Juan Pedro Esnaola y en la carrera de Tango y Folclore del Conservatorio Manuel de Falla.

Es integrante del trío Ana Seba Mate.

En teatro, participó como músico suplente del grupo Los Musiqueros, fue asistente musical del espectáculo Mirlitón, en el Teatro Nacional Cervantes, en 2009, realizó la música original de los espectáculos Peaje, Bastarda sin nombre y Ueitin Godoy.

CARMEN LADÍO (Realización de objetos)
Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, Psicóloga Social y Licenciada en Artes Visuales en el IUNA especializada en Técnicas Escenográficas y Vestuario.

Escenógrafa, realizadora y vestuarista para espectáculos de Beto Martinez, Marta Silva, Eduardo Cuenca y Jorge Brambatti. Gotán, de Julio Tahier, Severino, la otra historia, de Marcelo Camaño y Burkina faso, de Daniel Dalmaroni, son algunos de sus trabajos.

MARCO PASTORINO (Diseño de iluminación)
Trabajó en iluminación desde 1986 en los teatros Lorange, Payró, Ateneo, Centro Cultural Babilonia, Club del Vino, Regina, Madero Tango y Broadway 2.

Como iluminador trabajó en presentaciones de Antonio Birabent, Adriana Varela, Alma y Vida, Living Colour, Rodrigo Bueno y Liliana Herrero, así como espectáculos teatrales infantiles y realizó giras con los shows de Los 90´son nuestros, Porteños, El cuarto azul, Brisas de la vida, De lágrimas y Adriana Varela. Trabajó en asistencias técnicas en montajes como la Feria del Libro entre otros eventos.

FRANCISCO RAMALLAL (Asistente de dirección)
Se formó con Juan Carlos Gené y Verónica Oddó.

Trabajó como actor en el documental Caer Antur (fuerte de la aventura); en la obra de teatro Los invisibles, dirigida por Javier Margulis; protagonizó el cortometraje 2010, dirigido por Gabriela Lutzker y realizó un bolo para el unitario Memorias de una muchacha peronista, en la TV Pública, Canal 7.

Victoria Noorthoorn. Bienal de Lyon 2011.

2011-06-25T19:41:00.000-07:00

11ª Bienal de Lyon 2011

15 septiembre / 31 diciembre 2011
Lyon, Francia
Curadora invitada: Victoria Noorthoorn
Director artístico: Thierry Raspail
http://www.biennaledelyon.com/uk/

>ver versión en español>>>

Ha nacido una belleza terrible

Texto de la curadora Victoria Noorthoorn

Ha nacido una belleza terrible, el famoso verso de ese poema que le da nombre a esta Bienal, reúne dos aparentes opuestos. Nos interesa esta estructura de contradicción productiva.

Para la creación de la 11ª Biennale de Lyon, históricamente una bienal de autor, he optado por proceder como proceden los artistas: avanzar en medio de una oscuridad que puede o no iluminarse a medida que la atravieso, de un punto a otro y de una obra a otra, orientada por mis obsesiones, por mis intuiciones y temores, así como por las pistas y provocaciones que cada uno de los artistas participantes ha plantado a lo largo de mi camino, es decir, nuestro camino. He trabajado y viajado para que esta exposición haga todo al mismo tiempo: para que se ocupe de la incertidumbre del presente y del futuro cercano, para que hable sobre la condición del artista y sobre la necesidad de arte, dejando siempre la puerta abierta a la duda, la contradicción, la perplejidad, el cambio y el movimiento. Se trata de una exposición que proviene de las siguientes convicciones e interrogantes:

1

La imaginación es el medio principal del conocimiento. Compartimos cada uno de los famosos epigramas de Oscar Wilde: "la función del artista consiste en inventar, no en hacer la crónica"; "el placer supremo en literatura es lograr lo no existente"; y "yo defiendo la mentira en el arte". Vale decir, el arte requiere una distancia respecto de lo real para existir como tal –como construcción artificial–, de manera que se ocupe elocuentemente de la complejidad de lo real.

2

La imaginación permite que lo racional y lo irracional coexistan productivamente. El artificio del arte puede alcanzarse mediante la conjunción e incluso la contradicción de muy diversas metodologías, sean éstas racionales (por ejemplo, una vuelta a las nociones modernas de ciencia y de lo enciclopédico) o irracionales (por ejemplo, recurrir al misticismo, a la fantasmagoría, a la alucinación, al delirio, el juego, la suerte y el abandono).

3

La imaginación le permite al individuo correr riesgos, expandir límites y explorar con o sin rigor intelectual los gestos y las prácticas que le permitirán a unos y otras presentarle alternativas al presente; esto es, construir sistemas alternativos de utopía.

4

La imaginación es el primer motor de emancipación.

5

En el arte, la libertad puede asumir diversas formas: la interrogación sobre el presente, la construcción de un mundo alternativo, la destrucción constructiva de los discursos y de los lenguajes establecidos. La destrucción constructiva se une a la imaginación posibilitando lo absurdo, el delirio y el humor como instrumentos prácticos para emancipar el lenguaje.

6

En su poema "Pascua, 1916", el poeta William Butler Yeats reflexiona sobre su propio presente: analiza con total perplejidad el clamor de insurrección de la emancipación irlandesa respecto de los británicos. A primera vista, el poema podría leerse como celebración de los mártires que dieron sus vidas por la causa de la independencia. Sin embargo, con una lectura más detenida, resulta claro que la actitud de quien habla es de duda. Como afirma Carlos Gamerro en su ensayo para el catálogo de la Biennale 2011, el poema alterna incómodamente entre la afirmación, el cuestionamiento y la negación. Esa es la misma actitud por la que somos incapaces de juzgar la evidencia de un presente que le da forma a esta Biennale. Preferimos responder, suponer, contradecirnos con libertad.

7

Ha nacido una belleza terrible, el famoso verso de ese poema que le da nombre a esta Biennale, reúne dos aparentes opuestos. Nos interesa esta estructura de contradicción productiva.

8

¿Por qué es necesario reflexionar – una vez más - sobre la noción de lo bello? Lo bello, de hecho, ha sido uno de los parámetros más compulsivos y arbitrarios del mundo occidental. Nos preguntamos: ¿lo Bello –según lo dicho por Rainer Maria Rilke– es siempre el principio del terror? ¿Hay algo bello que no sea terrible? ¿La emergencia de lo bello mitiga la dureza de la realidad, o en realidad subraya e incrementa sus horrores?

9

La edición 2011 responde a estas nociones y mecanismos, poniendo en escena las tensiones, los vacíos y excesos utilizados por los artistas participantes para responder al presente. En esa mise en scène, la Biennale recurre a nociones de la filosofía, el teatro y la literatura. Las nociones de escenificación, de las artes performáticas, de develamiento, de enmascaramiento, de ocultamiento permean la Biennale en general y la propuesta del artista Erick Beltrán para la imagen gráfica en particular. Es una exposición que le permite a la ficción expandirse y comentar las contradicciones del presente.

10

Esta Biennale se propone interpelar el estado de confusión que reina actualmente en las artes, por el que el arte se concibe primeramente como artículo de consumo en el mercado económico. Lo que aquí nos interesa es construir una exposición concebida como una red de discursos en la cual las obras se comunican entre sí como individuos, creando sentido y estableciendo posiciones en el mundo.

11

Siguiendo a Wilde, esta exposición no quiere ser una crónica; distingue entre el arte y el periodismo.

12

Asimismo, distingue entre el arte y la comunicación. Esta Biennale se resiste a los modelos actuales de comunicación, según los cuales una exposición se explica a través de un comunicado de prensa, escrito exactamente en el mismo tono y con el mismo vocabulario desde cualquier parte del mundo. Nos resistimos a explicar los materiales densos. Si en la Biennale o en su catálogo aparecen textos, éstos serán obras de arte en sí mismas, no textos explicativos.

13

Desde la Antigüedad, las palabras, por encima de todo, han sido imágenes y las imágenes, palabras. Escribir ha sido crear imágenes. Unas y otras encarnaban un significado y una acción. La creación de una imagen implica abrir la puerta a que tenga lugar una acción consecutiva en lo real. Es esa acción performática lo que estamos interesados en explorar.

14

Cada imagen tiene un efecto. Esta exposición ha sido estructurada para reflejar esos efectos. Compartimos las convicciones de W. J. T. Mitchell cuando elegimos preguntarnos qué es lo que las imágenes y las obras de esta exposición desean y hacen, qué es lo que movilizan y cómo representan (antes que qué representan). Nos proponemos señalar el poder de la imagen, ése que puede alterar drásticamente un orden establecido. A este respecto, creemos en la construcción de imágenes –por más ficcional que sea – como, sobre todo, una práctica por cuyo medio el creador de la imagen establece una posición ideológica.

15

Estamos interesados en reflexionar sobre el poder de la línea como una herramienta crucial para la demarcación de un territorio, para delinear una posición en el tiempo, el espacio y la ideología.

16

Así es cómo respondemos a la creciente confusión entre arte y política. Para nosotros, el artista es, sobre todo, un sujeto político y el arte es política. No estamos interesados en la representación de lo político, ni pretendemos representar lo político. Tales deseos serían redundantes.

17

La 11ª Biennale de Lyon está siendo concebida desde Buenos Aires, en Sudamérica, para y con Lyon. Los artistas de la exposición fueron invitados a lo largo de viajes de investigación por Europa y África durante el año pasado, y fueron seleccionados como individuos y no como representantes de sus países o regiones de origen.

18

En muchos casos, los artistas fueron invitados para responderse unos a otros. Vale decir, fueron invitados para resolver problemas específicos o para entrar en diálogo con otros artistas participantes. Esta exposición es entonces el resultado de una gran serie de conversaciones, un modus operandi que resulta de la creencia en el poder del diálogo para la construcción de cualquier proyecto.

19

La 11ª Biennale de Lyon quiere estar viva. Si pudiera ser considerada como un animal o como una bestia, lo elegiría. Si tiene que estar en guerra consigo misma para así poder hablar de la inexplicabilidad del presente y de la fuerza del arte, intentará hacerlo.

La 11ª Biennale de Lyon incluirá alrededor de 60 artistas de todo el mundo, pero principalmente de Europa, África y Latinoamérica, en los 14.000 metros cuadrados de sus cuatro sedes: La Sucrière, la Fondation Bullukian, el Musée d’Art Contemporain de Lyon, y la fábrica T.A.S.E.

El catálogo de la Biennale está concebido y dirigido por un equipo editorial con base en Buenos Aires, que incluye a los escritores Carlos Gamerro y Rubén Mira, al dramaturgo y director teatral Alejandro Tantanian y a mí misma. Publicado y diseñado en estrecha colaboración con el editor Franck Gautherot, de las presses du réel, el catálogo se concibe como una obra editorial autónoma antes que como una representación per se de la Biennale.

Victoria Noorthoorn

Buenos Aires, 11 de abril de 2011

SOBRE CALAMARES PODRIDOS, GENTE ENOJADA Y UN EVENTO DE JERARQUÍA EN EL MALBA

2011-06-12T20:45:00.000-07:00

Encuentra al Pato Lucas en FB
Hola a todos. Lo primero, claro, es una disculpa por la larga ausencia, pero más aún por los mensajes enviados o dejados en mi blog por muchos de ustedes y que no respondí.

Me gustaría escribir esta columna con más frecuencia, pero como a todos, el tiempo me alcanza cada vez menos. Digamos que me distraje en otras cosas, no menos importantes algunas cuestiones de trabajo, otras personales. Aquí estoy de vuelta y espero que ustedes tengan aún ganas de leer mis ¿humildes? reflexiones.

Pasé en tres oportunidades por Arte-BA y en una de ellas me crucé con una artista de larga trayectoria que estaba indignada –como los españoles- por el resultado del premio Petrobras, muy especialmente por unos calamares adentro de unos zapatos viejos, y me decía que muchos otros artistas también estaban furiosos y que “había que hacer algo”. Yo, que todavía no había pasado por allí, no sabía de qué me hablaba, pero como siempre he considerado al Petrobras como el premio Turner del subdesarrollo, me dirigí sin dudarlo hacia el rincón de la feria donde se encontraba la selección y los premios, relamiéndome ante lo que, sospechaba, era una gran oportunidad de despacharme a gusto. Ya a unos cuantos metros se percibía un fuerte olor a podrido y al llegar al rincón me encontré con una bolsa plástica blanca en cuyo interior parecía haber algo de ropa y dos zapatos viejos con calamares en estado de putrefacción adentro. La obra se titulaba “Autorretrato sobre mi muerte” del artista rosarino Carlos Herrera. Pensé en ese momento que debo estar un poco reblandecido o bien que tanto arte contemporáneo me estaba produciendo alguna clase de estado lobotómico sin retorno, porque la obra me gustó mucho. Imagino que muchos indignados se enojarán conmigo, pero debo ser honesto. Luego leí dos notas de Diego Manso (Ñ – 28/5/2011) y Eduardo Iglesias Brickles (Ñ- 4/ 6/2011) ambas referidas a la obra de Herrera. La de Manso termina con la siguiente frase “Nadie sabe muy bien de qué se trata el arte contemporáneo, sí que puede ser ‘cualquier basura’”, y la de Brickles de esta forma: “En definitiva: todo se reduce a una operación e a que se ponen de acuerdo el artista con ciertos curadores y críticos de arte, para insultar a la inteligencia”. No puedo declararme en total desacuerdo con estas afirmaciones ya que considero que son aplicables a gran cantidad de obras contemporáneas, especialmente aquellas que están teñidas de una banalidad insalvable, o que no pasan de ser meros caprichos adolescentes…como por ejemplo la “obra”, -que ninguno de los columnistas comentó- de Belén Romero Gunset, también parte del Premio Petrobrás, especie de performance quinceañera en la cual la “artista” se dedicó a romper todo tipo de objetos y artefactos de desecho durante los siete días que duró la feria…un estúpido berrinche adolescente. Pero a mi juicio, no es ese el caso de la obra de Herrera. ¿Habría resultado tan molesto si no le hubieran otorgado el premio de 50.000 pesos? Yo creo que la obra tiene varias capas de significación, para empezar no me parece poca cosa que un fuerte olor a podrido flote sobre una feria de arte –sobre el mercado del arte-, tampoco es poca cosa que gane el premio una obra que habla tan directamente de la muerte, de la extinción a la que todos estamos condenados –no es muy usual el tema entre los artistas argentinos –recuerdo a Bony-; la muerte no vende, no queda bien en el living. Sabemos que si hay algo que la burguesía niega sistemáticamente, históricamente, es la muerte. Quien haya perdido a alguno de sus seres queridos, quien haya recibido la dura noticia en algún sanatorio, probablemente haya pasado por la experiencia de recibir una bolsita con las pertenencias del difunto. Tal cual la bolsa en cuyo interior se encontrabas los zapatos de Herrera. Me gustó la obra; un mínimo de recursos, un máximo de efecto, incluida la indignación de muchos artistas y espectadores que no quieren ver esas cosas en una feria de arte, que no van a ver –y menos a oler – esas cosas a una feria de arte, porque eso, claramente, no es arte. Por suerte para todos ellos había mucha pintura en la feria, algunas de factura impecable, de esas que quedan muy bien con el tapizado del sillón. Eso sí que es Arte.
Para terminar, los invito a un evento artístico de verdadera relevancia que tendrá lugar en el MALBA el próximo martes, 14 de junio: la presentación del libro de fotografías de Victoria Vanucci. ¡Al fin veremos buenos culos en el MALBA! Ya era hora, si están en todos lados, por qué no pueden estar e el museo de Constantini. Eso es arte, y de buen gusto, no como esos calamares podridos. Sigamos profundizando la Tinellización de la cultura, eso es coherencia histórica.
Yo por mi parte estaré allí, para beber una copa del mejor champagne, llevarme mi ejemplar autografiado, y si puedo, tocarle el culo a la Vanucci, toral, el MALBA ya no es lo que era…¿o sí?
Hasta la próxima.

El Pato.

Robo de obras en Unquillo, Córdoba.

2011-06-11T21:38:00.000-07:00

Material enviado por Pablo Alonso, hijo de Carlos Alonso, asaltado el martes pasado en su casa de Unquillo, Córdoba.

Listado:
Imagen nro 1: "Mujer sentada", bronce, anonimo, altura aproximada 20 cm.

Imagen nro 2: "Desnudo", bronce, Miguel Angel Budini, altura aproximada 30 cm.
Imagen nro 3: "Desnudo, con razon o sin ella", poliester reforzado y colado, Juan Carlos Distefano, 16 x 48 x 24 cm, año 1977.
Imagen nro 4: "Mujer" (estudio), bronce, Lucio Fontana, altura aproximada, 25 cm.
Imagen nro 5: "Cabeza de mujer fumando", bronce, Gloria Argeles, altura aproximada 30 cm, ancho aproximado 25 cm.
Imagen nro 6: " Puño", poliester colado, Juan Carlos Distefano, 21 x 15 x 12 cm, año 1968.
Imagen nro 7: "Retrato", Pastel sobre papel, Carlos Victorica, medidas aproximadas 70 x 50cm.
Imagen nro 8: " Venus", gofrado, xilocollage, Antonio Berni, 48 x 33 cm, años 60's
Imagen nro 9: " I di di Marzo", aluminio, Valeriano Trubbiani, largo aproximado 30 cm, alto aproximado 15 cm, año 1971.
Imagen nro 10: "Dos figuras", marmol de carrara, Ricardo Gianetti, aprox 30cm de alto.
Imagen nro 11: "Retrato de Marlene", carbon y tiza blanca sobre papel, Lino enea Spilimbergo, Medidas aproximadas 70 x 50 cm.
Imagen nro 12: "Pubertad", Litografia, Edward Munch, medidas aproximadas 30 x 20 cm, principios del 1900.
Imagen nro 13: Medalla del Bicentenario, bronce, Antonio Pujia.

Las restantes obras de las cuales todavia no encontramos imagenes son:

1: Antonio Berni,"Paisaje de Rosario", tempera sobre papel, medidas aprox, 25 x 35 cm.
2: Ramon Gomez Cornet, "Retrato de niña", Lapiz, medidas aprox 20 x 15 cm.
3: Enrique Policastro, " Rancho", oleo sobre madera, medidas aprox 40 x 50 cm.
4: Pedro Pont Verges, " Naturaleza muerta con zapato y huevos", oleo sobre tela, medidas aprox 40 x 60 cm.
5: De La Mota Carlos, "La egipcia", escultura de chapa color negro, 30 cm aprox de alto.
6: Lucio Fontana, hombre(estudio), escultura de bronce, 40 cm aprox de alto.
7: Bronce anonimo, "maternidad", 30 cm de altura aprox.
8: Alcancia mecanica de hierro origen Inglaterra?, representando una cabeza de una persona de raza negra, con brazos, uno de ellos movil.
9: Lajos Zalai, tinta, medidas aproximadas 40 x 60.sa

Munch

Victorica

Spilimbergo

Distéfano

Distefano

Fontana

Imagen nro 1: "Mujer sentada", bronce, anonimo, altura aproximada 20 cm.
Imagen nro 2: "Desnudo", bronce, Miguel Angel Budini, altura aproximada 30 cm.
Imagen nro 3: "Desnudo, con razon o sin ella", poliester reforzado y colado, Juan Carlos Distefano, 16 x 48 x 24 cm, año 1977.
Imagen nro 4: "Mujer" (estudio), bronce, Lucio Fontana, altura aproximada, 25 cm.
Imagen nro 5: "Cabeza de mujer fumando", bronce, Gloria Argeles, altura aproximada 30 cm, ancho aproximado 25 cm.
Imagen nro 6: " Puño", poliester colado, Juan Carlos Distefano, 21 x 15 x 12 cm, año 1968.
Imagen nro 7: "Retrato", Pastel sobre papel, Carlos Victorica, medidas aproximadas 70 x 50cm.
Imagen nro 8: " Venus", gofrado, xilocollage, Antonio Berni, 48 x 33 cm, años 60's
Imagen nro 9: " I di di Marzo", aluminio, Valeriano Trubbiani, largo aproximado 30 cm, alto aproximado 15 cm, año 1971.
Imagen nro 10: "Dos figuras", marmol de carrara, Ricardo Gianetti, aprox 30cm de alto.
Imagen nro 11: "Retrato de Marlene", carbon y tiza blanca sobre papel, Lino enea Spilimbergo, Medidas aproximadas 70 x 50 cm.
Imagen nro 12: "Pubertad", Litografia, Edward Munch, medidas aproximadas 30 x 20 cm, principios del 1900.
Imagen nro 13: Medalla del Bicentenario, bronce, Antonio Pujia.

Las restantes obras de las cuales todavia no encontramos imagenes son:
1: Antonio Berni,"Paisaje de Rosario", tempera sobre papel, medidas aprox, 25 x 35 cm.
2: Ramon Gomez Cornet, "Retrato de niña", Lapiz, medidas aprox 20 x 15 cm.
3: Enrique Policastro, " Rancho", oleo sobre madera, medidas aprox 40 x 50 cm.
4: Pedro Pont Verges, " Naturaleza muerta con zapato y huevos", oleo sobre tela, medidas aprox 40 x 60 cm.
5: De La Mota Carlos, "La egipcia", escultura de chapa color negro, 30 cm aprox de alto.
6: Lucio Fontana, hombre(estudio), escultura de bronce, 40 cm aprox de alto.
7: Bronce anonimo, "maternidad", 30 cm de altura aprox.
8: Alcancia mecanica de hierro origen Inglaterra?, representando una cabeza de una persona de raza negra, con brazos, uno de ellos movil.
9: Lajos Zalai, tinta, medidas aproximadas 40 x 60.sa

En busca de un Pettoruti abstracto.

2011-06-03T19:21:00.000-07:00

Por Alberto Mario Perrone, de la Asociación Argentina e Internacional de Críticos de Arte.

ver muestra
Pettoruti y el arte abstracto. 1914 -1949
Del 26 de Mayo al 27 de Junio
MALBA

Las 37 obras de Emilio Pettoruti que expone el Malba ofrece una síntesis que busca asumir no un Grado Cero de la abstracción que propulsaron Mondrian o Van Doesburg, sus contemporáneos, sino más bien, patentiza el cambio radical de la actitud con la que partió a Italia para conocer a los maestro del Renacimiento en un contacto directo y sin intermediarios, analizarlos y tomarlos como modelos. Fue esa misma penetración y observación en libertad y a favor de la imaginación, que le proponía el abuelo al estudiante de bellas artes nacido en La Plata, la que lo encaminó hacia los mayores acontecimientos que convulsionaban el arte de la época. Aquel joven veinteañero arribó en medio de la revuelta del futurismo, el constructivo y la abstracción los cuales, al rechazar la figuración clásica y también la impresionista, proponían una autonomía del estilo, y el cromatismo de las estructuras aun en las mismas formas de la naturaleza, aunque sin pretender acercarse a la figuración, que dejaban para la lente fotográfica, en su perspectiva referente al mundo visible. De regreso a nuestro país, después de una estridente e histórica exposición en la calle Florida y de dirigir hasta su expulsión el museo de Bellas Artes de su ciudad natal, Pettoruti pasó a exponer, aunque con muchos requisitos previos, también en algunos de los principales pueblos de la provincia de Buenos Aires. Aquel “Petto”, como ya entonces se lo conocía en el ambiente artístico, aceptaba mostrar una veintena de sus nuevos trabajos con la esperanza de incrementar sus reducidos ingresos. Así habría de hacerlo en el club Universitario de Quilmes, invitado por el pionero Víctor Roverano, actual designación del museo de Artes Visuales de aquella ciudad. Ludovico Pérez, (consagrado docente y artista plástico que en estos momentos expone en la Casa de la Cultura de esa ciudad), conserva vívida aquella muestra y la falta de ventas de las obras del mismo pintor cuya producción se muestra en el Malba; como otros testimonios señalan la paciencia que les exigía a sus alumnos quienes debían pintar y lijar una y otra vez las coberturas de color. Sin duda, esta importante retrospectiva al cuidado de Patricia M Artundo, al hacer hincapié en la tendencia hacia la abstracción, comprueba al mismo tiempo que el pintor nunca descuidó aspectos del dibujo, el color y la técnica como se aprecia un impulso a la reelaboración constante. Meritoria tarea que recuperó para una mirada contemporánea, parte del legado de uno de los maestros de la plástica nacional cuya ubicación en nuestra historia del arte fue apreciada desde un primer momento por Julio E. Payró, y comienza a tomar su dimensión.

“Inner Spectators” ¿Cuál es el objetivo de una exposición?

2011-05-09T04:57:00.000-07:00

Por Alelí Mirelman, 2011 ©
(Especialista en Análisis y Gestión de Arte Contemporáneo)

Últimamente estoy observando que están aflorando proyectos expositivos que, justificados como “producción cultural” relegan toda una producción expositiva a un artista.

Una solución tomada por organismos políticos públicos, que pasan por alto la profesionalidad del sector y que exprime la interdisciplinaridad del artista. Con una máscara meritoria de concurso se le exige al artista que sepa presupuestar, coordinar montaje y desmontaje, redactar textos didácticos, convocar prensa especializada, etc.… Una forma elegante de ahorrar personal y presupuesto cultural. A la inversa los artistas resuelven esta situación reduciendo esfuerzos y elevando sus honorarios.

Esta penosa situación responde a una deficiente gestión y criterio de los organismos políticos públicos. Finalmente los perjudicados son los espectadores que observan una inexorable bajada de calidad de la producción cultural pública. Es por ello que invito a ejercer pensamientos críticos e inconformidad, como una condición necesaria para impulsar aquellas prácticas que operan a contrapelo de las actuales formas de gobernabilidad (1).

Es por eso que deseo mencionar el Proyecto “Inners specators” de Carles Gispert. Ganador del segundo año de “Projecte de Produció Capella” de Palma de Mallorca promovido por el Consell de Mallorca, que se expondrá del 26 de Mayo al 23 de Junio de 2011. Esta exposición es un ejemplo de compromiso social y cultural, y explicaré porqué.

Hablemos del espectador, el espectado y las expectativas. ¿Quién es quién?

A menudo se suele utilizar al artista como referencia del sujeto social que se manifiesta en nombre de la población a modo de iceberg. ¿Hasta qué punto necesitamos seguir identificándonos en el otro para reconocer lo que hay en uno mismo?

Cada vez más nos encontramos con objetos artísticos que nos remiten a “nosotros mismos”, dejándonos solos ante espejos que nos devuelven continuamente a nuestra incerteza. Según Lord Cultural Resources(2), las exposiciones han cambiado mucho las últimas décadas. Consideradas medios de comunicación, plantean una interacción con el público para crear, confirmar o cuestionar ideas del dominio público sobre estos objetos”

¿Por qué las exposiciones han pasado de centrarse en los objetos para centrarse en el visitante? ¿Cuál es el objetivo de una exposición?

Desde que el éxito se mide por el número de asistentes, “el espectador” ha ocupado la preocupación de los organizadores de las exposiciones. Es allí donde los intereses entre institución y artista se cruzan para lograr asistencia en masa.

Pese a las circunstancias descritas, el artista nos propone una excepción. Carles Gispert bajo el pseudónimo de Icouldbeyou.com, aprovecha la veta de libertad que genera la dispersión institucional para hacer una propuesta arriesgada para el contexto que lo alberga.

Entendiendo la exposición como un conjunto, se plantea una instalación llena de muebles y objetos-fetiche por dónde el público puede transitar, cotillear, usar y aportar.

Ya que como sub-proyecto existe una convocatoria pública para que toda persona pueda aportar contenido personal a la exposición. Este sencillo hecho pretende romper la distancia mística del “creador” y el “público”, comprometer al espectador y cuestionar el espacio expositivo redituándolo a un espacio dónde el espectador puede exhibirse simbólicamente.

Dicha instalación constará de dos elementos relevantes, la primera es la presencia de performers todos los días. Incluidos estos como un elemento más de la exposición dinamizarán el espacio con su presencia, cotidianeidad y convivencia.

El segundo elemento es la pieza que integra toda la trama conceptual. Consiste en un video desarrollado a partir de las colaboraciones con la performer afincada en Madrid Gabriela Solini y poeta Biel Mesquida.

Este subyugante proyecto es una propuesta fuera de lo común en Mallorca, una oportunidad para ver de una manera diferente lo cotidiano y lo cercano. Una invitación dirigida a la sociedad, para que se haga uso de los espacios de debate político y emocional. Así como rendir cuentas del compromiso social de los espacios expositivos.

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1- El término “Gubernamentalidad” de Michel Foucault definió el entrelazamiento estructural del gobierno de un Estado con las técnicas de gobierno de sí mismo y las sociedades occidentales.

2 - Dexter LORD,G. y LORD, B (2001): The manual of Museum Exhibitions, Altamira Press , Oxford

Tucumán en Buenos Aires: Fería del Libro

2011-05-02T07:43:00.000-07:00

Rogelio Ramos Signes en el stand de Tucumán de la Feria Internacional del Libro

Complicidad con el lector. Ese y otros condimentos son fundamentales para que el microrrelato funcione adecuadamente. Según el escritor Rogelio Ramos Signes, que presentará dos títulos en la presente edición de la Feria del Libro, la brevedad del texto exige de quien lee ciertos saberes previos. A continuación se presenta un intercambio con el poeta nacido en San Juan, que reside en Tucumán desde 1972, autor de numerosos títulos, algunos de los cuales han sido traducidos al francés y al inglés.
Ramos Signes presentará el libro de microrrelatos Todo dicho que camina este domingo 1 de mayo, a las 19.30, en stand de Tucumán (3017 del Pabellón Ocre de La Rural). Además, el miércoles 4 de mayo, a las 20.15, presentará el libro de poemas La casa de Té.

¿Es correcto interpretar que el título del libro remite a la incorporación del habla y a los modismos tucumanos?

Sí, Todo dicho que camina remite a la incorporación del habla de los argentinos. No creo que haya en este libro modismos tucumanos (al menos significativamente), ya que el habla de los argentinos se ha unificado mucho en los últimos años y sobre todo a través de los medios masivos de comunicación. Copiamos sin darnos cuenta; expandimos nuestra manera de hablar, de igual manera; y disponemos de un extenso arsenal para optar por lo que más nos gusta.

¿Qué influencias literarias reconoce en su escritura?

Si nos estamos refiriendo a los textos breves de Todo dicho que camina, mis influencias literarias son múltiples y variadas, como las de cualquier microrrelatista, y no sólo se relacionan con la literatura. No olvidemos que el microrrelato tiene un componente fuertemente paródico, por eso la influencia puede llegar no sólo desde otros escritores sino también desde la vida misma. Los grandes nombres, por supuesto (Monterroso, Valenzuela, Pacheco, Díez, Lagmanovich, Jiménez Emán, Shua), están siempre en nuestras referencias más inmediatas.

¿Qué espacio existe para lo autobiográfico en sus escritos?

Como soy una especie de todoterreno, que ha publicado una docena de títulos en diferentes géneros literarios, siento que lo autobiográfico se vuelca particularmente en mi poesía. Es más, creo que la poesía es el género más autobiográfico que conozco. En ella podemos hablar en tercera persona, refiriéndonos a hechos lejanos y ajenos, pero en el fondo siempre estaremos hablando de nosotros mismos. En mi libro La casa de té, que también presentaré este año en el stand de Tucumán en la Feria, doy cuenta de ello desde la primera hasta la última página. En lo que se refiere al microrrelato, en cambio, trato de hablar de otras cosas, que poco tienen que ver con lo autobiográfico.

¿Además de su brevedad, cuáles son las otras características señeras del microrrelato?

El microrrelato es un texto breve, que por su misma brevedad exige la permanente complicidad del lector. Esa brevedad también requiere que el lector sepa, o intuya, de qué se le está hablando, porque al no haber espacio para explicaciones se necesita que la intertextualidad trabaje a destajo. Por ello es que en el microrrelato hay tantas referencias a historias bíblicas, o al Quijote, o a Las Mil y Una Noches, o bien a películas o a situaciones conocidas por todos, o casi todos. El escritor necesita que el lector esté allí con la totalidad de su conocimiento a disposición, para rellenar los huecos que no puede tratar el microrrelato. La cultura popular, esa que entra en nosotros sin que nos demos cuenta, es fundamental para gozar de este brevísimo género literario.

¿En qué medida los escritores jóvenes están volcándose por este fenómeno narrativo?

Se están volcando en gran medida, ya que es un género que de alguna manera se corresponde con los tiempos veloces que estamos viviendo. La necesidad de resolver una idea con pocas palabras encuentra en el microrrelato su expresión más acorde. A eso lo notamos cada vez que dictamos un taller o que organizamos lecturas en colegios; los alumnos comienzan a escribir inmediatamente. Claro que no tenemos que confundir cualquier texto breve con un microrrelato, ya que el género exige una serie de condiciones, en cuanto a presentación, desarrollo y remate; aunque podríamos reducirlas a dos, que ya están en su propia denominación: que sean breves (de allí lo de "micro") y que relaten algo.

Los cien años de Efrain Boglietti

2011-04-28T10:43:00.000-07:00

EL GRAN GESTOR DE UTOPIAS REALIZABLES

EFRAIN BOGLIETTI

(Rosario 1911 – Resistencia 1991)

Pensador, empresario de la aviación, gestor cultural, bon vivant, seductor empedernido, enamorado del Chaco.

Uno de los hombres claves para entender el potencial cultural de nuestra provincia. Cumpliría el 3 de abril de 2011, sus primeros cien años.

Creo junto a su hermano Aldo, y el escultor Juan de Dios Mena, una de las instituciones culturales del Chaco, mas conocidas en el país y el mundo, dedicada al disfrute de la amistad y el arte, El fogón de los arrieros (1954)

Ambos hermanos eran una usina de ideas, un dúo indestructible, nada se hacia sin el apoyo y consentimiento del otro.

Fundada por EFRAIN BOGLIETTI nace en Resistencia, otra organización clave para conocer parte de la historia reciente del chaco “COPROAR”: Comisión Pro Arte de Resistencia, en mayo de 1977.
Cuyo primordial objetivo fue emplazar esculturas a lo largo y a lo ancho de la ciudad. Formaban parte de su Comisión Directiva el arquitecto Alberto Vázquez (Supercemento) Alberto Coco Celada, entre otros.
“COPROAR” es el organizador del 1er Concurso Nacional de Escultura en Madera, que se realiza en la Plaza 25 de Mayo, en junio de 1988.
Entre 1977 y 1988 COPROAR llegó a reunir aproximadamente 107 esculturas, la mayoría de ellas por compras y otras por donaciones. que se fueron emplazando en la ciudad.
En noviembre de 1989 nace la “FUNDACIÓN URUNDAY” de la cual EFRAIN BOGLIETTI es miembro fundador.
Sus integrantes eran: Efrain Boglietti, Fabriziano Gómez, Mimo Eidman, Reynaldo Martínez, Eugenio Milani, Carlos Cuffia y Ana Maria Taiana.
En 1991 por iniciativa de Viviana y Susana Boglietti, como un homenaje a la partida de Efrain, se solicito a la Fundación Urunday, que aun tenia 30 esculturas heredadas de COPROAR sin ser emplazadas, que las sigan colocando en el espacio público, como quería su padre.
Y así se lo despidió, con una suelta de esculturas, ya que las palomas volaban de antemano junto al alma inquieta de un amante fiel a su querida ciudad.

LEONARDO GOTLEYB / BS AS, ABRIL de 2011

¿Quién es quién? Los Súperamigos del Arte Contemporaneo. 2ª Temporada

2011-04-22T20:22:00.000-07:00

´Con esta obra queremos mostrar y decir que

´el arte es un estado de encuentro'
Luz Vidal y Perro Verde ( Alberto Sassano)

http://www.youtube.com/watch?v=XcWLDRrzv_c

La producción conjunta de ambos, por un proceso de mutación se ha convertido en la de un Tercer Artista.
( ver muestra)

Los Súper Amigos del Arte Contemporáneo forma parte de un trabajo en proceso en el que los artistas se resisten a considerar a su obra como una mera producción de objetos y como señala una de las consignas esgrimidas por el Tercer Artista : “ creando formas de vida que generan formas de arte”, afirman, como gesto vital, un renovado pacto personal y colectivo.

El álbum de figuritas de los Súper Amigos del Arte Contemporáneo y las figuritas se podrán adquirir también en las Galerías Pasaje 17, Perro Verde, Rubbers, Aldo de Sousa y Elsi del Río.

IMPRESIONES DE UNA PSICOANALISTA: Puntualizaciones sobre la repetición en la obra de LOUISE BOURGEOIS.

2011-04-22T09:14:00.000-07:00

por laLic. Paola Calcerano, Psicoanalista.

Foto de Aníbal Garfunkel, artista visual.

En el marco de la visita a la muestra “El retorno de lo reprimido” (con sede en Fundación PROA) de la artista franco-estadounidense Louise Bourgeois -junto al artista visual Aníbal Garfunkel y Arsomnibus-, el periodista Juan Calegari me convocó para escribir unas líneas sobre esta singular artista.

Enfrentarme con esta demanda, puso a circular inquietudes que tenía sobre su vida y obra. Por el carácter inagotable de las mismas, hice un recorte sobre la cuestión de la repetición que atraviesa toda la obra de Bourgeois.

Transitar por esta muestra, inaugura un tiempo para la reflexión ya que la artista utiliza como material de trabajo temas que movilizan por ser concernientes a la naturaleza humana. Bourgeois se sirve de sus miserias y de su dolor, la angustia opera como motor de su proceso creativo.

Al respecto, Freud nos dice en su artículo “Múltiple interés del Psicoanálisis. El interés del Psicoanálisis para la Estética”, que el ejercicio de la actividad artística se dirige a mitigar los deseos insatisfechos, lo que sucede tanto en el artista creador como en el espectador de la obra de arte. Las fuerzas impulsoras del arte son aquellos mismos conflictos que conducen a otros individuos a las neurosis y han movido a la sociedad a la creación de sus instituciones. Lo que se liga íntimamente con la frase de la artista, “el arte es garantía de cordura”.

El artista presenta realizadas sus fantasías vía una transformación que encubre lo revulsivo de sus deseos insatisfechos, ateniéndose a normas estéticas, ofreciendo al público un goce artístico. De esto habla en parte su obra “The Destruction of the Father (La destrucción del padre)”, donde Bourgeios destruye a su padre en la fantasía, dada la rivalidad instalada frente a la figura paterna.

Lo que se desprende de la obra de Louise Buorgeios, es una trama conflictiva que gira en torno a temas que se repiten una y otra vez de un modo compulsivo y así se perpetuán al infinito. A saber, las temáticas que aborda son: el manejo de la libido y la agresión, la ambivalencia afectiva (rasgo que se repite por excelencia), la dialéctica de las identificaciones con las figuras parentales, la maternidad, la culpa y el centro de la escena la ocupan sus temores, miedo que es la contracara del deseo. Esto deja entrever cómo las pasiones del ser (amor-odio-ignorancia), ponen de manifiesto las resistencias que impiden al sujeto acceder a su deseo y por lo tanto lo retienen.

Tal como lo señalara Philip Larrat-Smith, Curador de la mencionada muestra, “… el artista es también una suerte de atormentado Sísifo, condenado a repetir el trauma infinitamente a través de la producción artística”. En efecto, la repetición es un concepto fundamental en Psicoanálisis -tanto de la teoría como de la praxis- y es en esa praxis donde Freud advierte por primera vez la repetición y la describe en su texto “Recordar, repetir y elaborar”. En su escrito, “Mas allá del principio de placer” introduce el concepto de pulsión de muerte que construyó a partir de su lectura de la compulsión a la repetición. Por su parte, Lacan en el seminario “La lógica del fantasma” piensa el estatuto de la repetición como constituyente del sujeto mismo y la articula en relación al acto. El recorrido mínimo que describí sobre este concepto, requiere de la lectura respetuosa de dichos textos y de otros que le dan sustento teórico pero no voy a detenerme en esto en esta oportunidad.

Ahora bien, en la obra de Louise Bourgeois la repetición se despliega en sus sueños, escritos personales, esculturas, dibujos, acuarelas, etc. Dado que el inconsciente no resiste, sino que repite, insiste en manifestarse. En palabras de Bourgeois “Un tema me atrapa y entonces hago bocetos y dibujos. Eso significa que la obsesión durará varios meses. Después desaparece y reaparece años más tarde. Nunca me siento totalmente satisfecha. Si lo estuviera, dejaría de trabajar y sería muy feliz”. De este modo, intenta dominar sus conflictos, repite como “modo de hacer” con la angustia.

El inconsciente sólo pide hablar y nos entrega sus formaciones: sueños, síntomas, fantasías, etc., nombradas como el retorno de lo reprimido (debido al fracaso de la represión). El material reprimido sólo puede retornar a la consciencia a condición de ser deformado –por efecto de la censura-, es decir velo mediante, un disfraz que proteja al yo frente a la angustia.

En síntesis, la muestra “El retorno de lo reprimido” invita al espectador a ser partícipe de las escenas de la vida privada de la artista y zambullirse en las profundas aguas de su inconsciente. Sus obras hacen las veces de un gran espejo en el que nos reflejamos, y sin lugar a dudas nos moviliza ver lo que este espejo nos devuelve de nosotros mismos.

Por último hay una cuestión que me parece interesante enunciar: el inconsciente está estructurado como un lenguaje afirma Lacan, un lenguaje que no muere nunca por lo que el inconsciente cobra una dimensión atemporal donde convive lo infantil con lo adulto. Así, pasado y presente aparecen engarzados en el hilo del deseo que pasa a través de ellos.

Ver Video. Producción KONIEC

Impresiones de un Artista : Del Caos al Orden en la obra de Louise Bourgeois.

2011-04-09T20:55:00.000-07:00

Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido
Curador:Philip Larratt-Smith ver muestra>>

Fundación Proa
Del 19 de Marzo al 19 de Junio
Entrada: $ 10.- Est $ 6.- Jub $ 4.

Recién llegado de San Luis a Buenos Aires y luego de estar ausente 50 días de la escena porteña, el artista visual Aníbal Garfunkel recorrió durante dos horas junto a Arsomnibus, una psiconalista -la licenciada Paola Calcerano- y el soporte fotográfico de Juan Cruz Lobo, la impresionante muestra de la franco estadounidense Louise Bourgeois, que hace días se inauguró en la sede de la Fundación Proa en la Boca, a metros del Riachuelo y de la inefable Vuelta de Rocha.
Estas son las algunas de las impresiones de nuestros invitados especiales, ante las 85 obras que integran una mega exposición excepcional, titulada "Louise Bourgeois: el retorno de la reprimido", que clausura al público el 19 de julio.

Hubo asombro y silencios, entre la marea de argentinos y extranjeros -estuvimos los cuatro, un domingo por la tarde- que visitan diariamente la muestra (menos los lunes) ; y Garfunkel -quien en mayo próximo expondrá su propia producción artística, dentro del espacio Barrio Joven, que todos los años arteBA brinda a los artistas- varió varias veces su estado de ánimo, ante la mirada absorta de quienes transitan las cuatro salas de Proa destinadas a la obra de la artista.
"Veo gran autenticidad en el trabajo de Borugeois, porque ella moldea desde sí misma y desde una situación personal una obra que nos permite meternos en un rincón de su cabeza, creando imágenes de gran naturalidad artística, con una técnica admirable".

"Hay cierto encanto en lo siniestro y la brutalidad, sobre todo en el manejo de los materiales que utiliza para componer objetos de arcilla, modelados con absoluta maestría, donde trabaja mucho lo interno, lo hueco y el agujero que parece sustentar la realidad".
"Por eso es una obra muy contemporánea y coherente representativa del mundo en que vivimos".
"Me impresiona muchísimo Maman, esa escultura monumental que vimos al principio, porque la famosa araña guarda nueve huevos de purísimo mármol blanco, que -a mi juicio- están emparentados con los nueve meces de gestación de la mujer".

"Es como si la artista misma hubiese tejido tramas y redes, nutriéndose de distintos estilos estéticos, para significar una única y particular forma de hablarle al público y de transmitirle sus entrañas y su perturbante mundo interior".

"Creo que su máxima -inconsciente quizás- fue: dibuja tu mente y pintarás la de las demás".
"Todo lo que vemos aquí hoy, es como sueño atrayente y a la vez escabroso, porque nos toca desde lo más profundo del ser y donde el cuerpo humano -protagonista principal de su obra- está visto (y decapitado), como un tejido más de la vida y de las cosas de este mundo, que a todos nos angustia".
"Es admirable la libertad con que trabaja y elabora técnicamente su obra y la carencia de preconceptos para expresar el resultado artístico de su labor".
"La elección de materiales como el bronce, el mármol y el acero inoxidable denotan la pureza y solidez de sus creencias, y el amor y preciosismo técnico con que arribaba a ellos"
"Bourgeois nos transmite visiones de un mundo inexorable, donde hay que aceptarnos como somos y donde la realidad permanentemente contribuye a deformarnos y , nuevamente, a formarnos como finalmente somos. En definitiva, yo creo que la artista nos quiere decir que la realidad es mucho más compleja que una mera deformación, llamémosla equilibrada, de sí misma".
"Todas son imágenes muy potentes y, viéndolo bien, sus inquietantes arañas, si bien tienen su parte fuerte, a mí se me representan bastante amigables y generosas con el paisaje ".
A todo esto, hay que decir que a Garfunkel y a Paola Calcerano, a veces les faltó el aire cuando vieron la muestra de L.B. ( y que todos respiramos aliviados cuando salimos de nuevo a la calle), porque no dejaron de sugerir durante la recorrida, que sentían el conjunto de la obra concebida en un clima de bárbaro y tenebroso nerviosismo; y no en el sutil y estrecho desfiladero de la paz, que la artista -parece- nunca transitó.
Claro: nuestra vivienda -el cuerpo- es una ruina insegura nos sugiere L.B. en esta exposición, porque su mano nunca negoció con los dioses y demonios de la moderna sociedad estadounidense, donde desarrolló gran parte de su vida.
Esta obra (cada una de ellas), seguramente explotó por los poros de la artista, que nunca desestimó sus vínculos con el psicoanálisis y su parentesco con el surrealismo de postguerra.
Tal vez, hay mucho de arrojo íntimo y personal y no de arrepentimiento: puro talento en manos de esta artista única que, durante muchos años de su extensa vida pagó el precio del silencio de la crítica mundana.
Tal vez, sus propios pecados y bendiciones se entremezclaron en la charla que tuvimos con Garfunkel y Calcerano.

Ella murió hace poco, a los 83 años, entre la tierra y el cielo, finalmente consagrada por la copiosa y para nada obsecuente crítica internacional que, curiosa y paradójicamente, antes -años atrás- la había ignorado y pasado por alto; como una de las más grandes, prolíferas y por cierto, temibles ( como la famosa, fabulosa y mortuoria araña, símbolo hermenéutico y alter-ego de la mega mater tejedora y protectora, que ahora está en Buenos Aires y que luego viajará directamente a New York ) manifestaciones artísticas del siglo XXI que, -obviamente- no la había visto nacer, pero sí crecer hasta el límite de la vejez y bucear en el -para ella- inescrutable y frenético destino humano.
Finalmente, Maman -de 22 toneladas de bronce- cumple varias funciones. Es, literalmente, el mascarón de Proa, porque da al sin igual y turbio río ( que nadie pintó mejor que don Quinquela Martín y se impone siniestramente a la entrada de la Fundación, donde hoy yace instalada parte importante de la obra de L. B. , como un único y gestual objeto creativo y tan elocuente, porque pareciera que desde el más allá habla por sí misma ( la artista); y también porque precisamente y preciosamente precede y antecede ( al aire libre ) la entrada de la muestra. Justamente, el renombrado artista boquense parece guiarnos aquí y allá, desde lo agrio del paisaje pictórico que lo vio nacer manifestarse y morir , hasta la cima de otro arte (el de L. B.) que reclama (a gritos luz), gran parte de lo que el arte contemporáneo nacional e internacional alberga y contiene de estupor y, de hediondo hondo, fondo ( olor) a fango.
Claro: hay algo que une y despiada a la artista con el mítico universo natural y putrefacto ( el de este río), que sin lugar a dudas nos inclina a pensar la vida y el arte moderno, como dos caras de una misma moneda, donde sufrimiento y felicidad se alzan en gestación, para soportar el titánico y mitológico esfuerzo cotidiano que hace la humanidad para seguir con vida.

DOMINÓ CANÍBAL (PAC MURCIA 2010): ULTIMA INTERVENCION: FRANCIS ALŸS

2010-12-20T01:31:00.000-08:00

DOMINÓ CANÍBAL (PAC MURCIA 2010): FRANCIS ALŸS

http://www.pacmurcia.es/
info@pacmurcia.es
Tras las intervenciones consecutivas de Jimmie Durham, Cristina Lucas, Bruce High Quality Foundation, Kendell Geers, Tania Bruguera y Rivane Neuenschwander, se inauguró el 16 de diciembre ´Rayuela´, la intervención específica que Francis Alÿs (1959, Antwerpen, Bélgica) propone como broche final de Dominó Caníbal (PAC MURCIA 2010).

RAYUELA

"Jimmie come a Verónica, Cristina se come a Jimmie, Bruce se come a Cristina, Kendell se come a Bruce, Tania se come a Kendell, Rivane se come a Tania...

Siendo el último del menú, ¿me tocará digerirlos a todos?

Mi participación propone retroalimentar la historia de Dominó Caníbal y consiste en coordinar tres lecturas críticas del proyecto a partir del archivo fotográfico de las intervenciones anteriores.

Para evitar una cómoda lectura meramente cronológica y propiciar una revisión más abierta, aproveché la oportuna coincidencia entre el numero (155) de imágenes oficialmente seleccionadas en el sitio Web del proyecto ( http://www.pacmurcia.es/ ) y el total de capítulos de la famosa novela Rayuela de Julio Cortázar. La referencia al juego del avión/rayuela me pareció muy apropiada en un escenario donde el narrador tira la piedrita a cada uno de los artistas participantes."
Francis Alÿs, diciembre 2010.

El comisario de la muestra, Cuauhtémoc Medina (Ciudad de México 1965), presentó Dominó Caníbal como un nuevo formato de exposición en el que, por un periodo de doce meses la Sala Verónicas acogería la obra de siete artistas. A partir de Jimmie Durham (quien inauguró Dominó Caníbal el pasado 22 de enero de 2010), otros seis artistas han realizado su propia intervención específica tomando como punto de partida la obra realizada por el anterior. Con Francis Alÿs, Dominó Caníbal inaugura la última de sus jugadas.

DOMINÓ CANÍBAL es una iniciativa de la Consejería de Cultura y Turismo de la Región de Murcia englobada en el PAC (Proyecto de Arte Contemporáneo de Murcia 2010).

Francis Alÿs (1959, Antwerpen, Bélgica). Vive y trabaja en México.

Selección de exposiciones_2010 A Story of Deception, Tate Gallery, London (Touring to Wiels and MOMA in NY). 2009 Fabiola, National Portrait Gallery, London. Politics of Rehearal, Banco de la Republica, Bogota, Colombia. 2008 Bolero, The Renaissance Society at The University of Chicago, Chicago, Illinois. Fabiola, LACMA, Los Angeles, USA. 8 Bienal de Arte Panama, Museo de Arte Contemporáneo, Panama, Panama. Biennale of Sydney, Sydney, Australia. Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea. 2007 Fabiola, Dia Art Foundation at The Hispanic Society of America, NY, USA. 6ª Bienal do Mercosul: A Terceira Margem do Rio, Porto Alegre, Brazil. Biennale di Venezia: Think with the Senses-Feel with the Mind, Venice, Italy. Time Present Time Past: 20 Years of Istanbul Biennale, Istanbul Modern, Istanbul. Politics of Rehearsal, Hammer Museum, Los Angeles, California. 2006 A Story of Deception, Patagonia 2003-2006, MALBA, Argentina. The Sign Painting Project (1993-1997): A Revision, Schaulager, Basel, Switzerland. 2005 The Green Line, The Israel Museum, Jerusalem, Israel. Seven Walks, A project with Artangel, 21 Portman Square, London, England. PERFORMA 05. The First Biennial of New Visual Art Performance, N.Y. 2004 BlueOrange 2004: Francis Alÿs, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Germany. Walking Distance from the Studio, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg, Germany. 14th Biennale of Sydney: On Reason and Emotion, Sydney, Australia. Triennale Poligráfica, San Juan, Puerto Rico. 2003 The Prophet, Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Rome, Italy. 4th Bienal de Mercosur, Porto Alegre, Brazil. Carnegie International, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvania. 26th São Paulo Biennale, São Paolo, Brazil. Shanghai Biennale 2002, Shanghai, China. The Leak, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France.

VISITAS DIDÁCTICAS: Sábados a las 12.00h., con cita previa en el teléfono 968 219 099.

DOMINÓ CANÍBAL
http://www.pacmurcia.es/
info@pacmurcia.es

SALA VERÓNICAS
Martes a Sábado de 10 a 14 h. y de 17 a 21 h.
Domingos y festivos de 10 a 14 h.
Verónicas, s/n
30004 Murcia

Tucumán en Buenos Aires / Agenda de Diciembre

2010-12-11T12:05:00.000-08:00

»» MÚSICA
La proclama indigenista de Abya Yala llega a Espacio Tucumán

El grupo Abya Yala, que interpreta música latinoamericana, actuará por primera vez en diciembre en Espacio Tucumán. Este conjunto posee más de 20 años de trayectoria. En 1989 editaron su primer trabajo, “América en música y palabras”, una obra con fuerte contenido indigenista, con textos de Eduardo Galeano, Leopoldo Marechal y propios. En 1993, junto a la coreógrafa Silvia Kaehler, se presentaron en el Teatro Nacional Cervantes, en adhesión al Año Internacional de las Poblaciones Aborígenes del Mundo, proclamado por la ONU, y en el Festival Internacional organizado por UNICEF en Zárate. En 1995 obtuvieron el Pre- Cosquín, sede Capital, como mejor grupo instrumental.

En el año 2000 fueron seleccionados para representar a la Argentina, junto al ballet criollo, en el Festival de Danza y música de la antigua corona de Arago Castelló (en Valencia, España) y en el Festival Folklórico Internacional de Alava (Victoria Gasteiz, España), gira que los ubicó junto a grupos de primer nivel de Europa, Asia y África. Más tarde grabaron su segundo CD, “Hombre de Tierra”, en que fusionan ritmos folklóricos latinoamericanos con ritmos europeos (tarantelas, música celta). En 2007 comienzan a grabar su tercer disco, incorporando nuevos sonidos y ritmos.

Abya Yala tocará el viernes 10, a las 20.30, en Espacio Tucumán. Bono Contribución, $20.
Concierto de La Milanga ensamble telúrico (folklore de incógnito)

El músico tucumano radicado en Buenos Aires Leopoldo Deza despedirá el año en Espacio Tucumán al frente de la agrupación instrumental La Milanga ensamble telúrico.

Dentro del denominado folklore de fusión, la agrupación interpreta temas propios y arreglos sobre composiciones folclóricas mezclando instrumentos y recursos de la música de cámara y la llamada música “popular”.

Además de la dirección musical, la composición y los arreglos, Deza está a cargo del piano y la flauta traversa. El resto de La Milanga se completa de esta forma: Jerónimo Santillán, bajo; Jorge Mockert, percusión y acordeón; Paula Paz, coros y accesorios; Maru Radivoy, saxo soprano; Diego Damián Acosta, aerófonos andinos; Carlos Michelini, clarinete; Nancy Richter, chelo; Patricio Gómez Saavedra, guitarras, y Natalia Jarevich, Andrea Bonilla y Bárbara Streger, en flauta traversa.

La Milanga ensamble telúrico se presentará el jueves 16, a las 20.30, en Espacio Tucumán. Bono Contribución, $20.
Juan Quintero, el invitado para el último encuentro del año de “Lunas del Tucumán”

Dos generaciones del mejor folclore argentino confluirán en el último encuentro del año del ciclo Lunas del Tucumán que el maestro Juan Falú conduce en Espacio Tucumán. El invitado será nada menos que Juan Quintero, el premiado artista que en diferentes oportunidades ha visitado nuestro escenario.

Miembro de una nueva camada de folcloristas, Juan “Popi” Quintero ha formado parte de diferentes agrupaciones de música popular y académica. Entre sus antecedentes más importantes figuran haber escrito y dirigido los arreglos para la orquesta de música argentina Juan de Dios Filiberto. Actualmente forma parte del Aca Seca Trío, y conforma un dúo con la cantante Luna Monti, junto a quien recibió el premio Clarín Revelación en Folclore en 2006.

A lo largo de este año, una larga lista de músicos ha formado parte del ciclo Lunas del Tucumán: Florencia Bernales, Ramiro Gallo, Marcelo Moguilevsky, Leopoldo Deza e Hilda Herrera, entre tantos otros.

Guitarrista, compositor y docente, Juan Falú es una de las referencias fundamentales de la música argentina. Fue distinguido en el marco de los premios más importantes del país: Premio Nacional de Música 2000, otorgado por el Ministerio de Cultura; Premio Clarín en 2001 y 2008, y Premio Gardel en 2008 al mejor CD del año. Sus obras integran el repertorio de guitarristas de diversas latitudes y fueron editadas en la Argentina, Bélgica, Francia y Costa Rica. Como intérprete, Falú revela un profundo conocimiento de las músicas de su tierra, proyectándolas con un vuelo creativo y una capacidad de improvisación tal, que llegó a ser definido como un "compositor en tiempo real" por el guitarrista Eduardo Fernández. Ha ofrecido conciertos en prestigiosas salas de más de veinte países de América, Europa, Asia y África. Dirige el festival Guitarras del Mundo, considerado el mayor encuentro internacional de la guitarra. Es docente en el Conservatorio Manuel de Falla de Buenos Aires, donde colaboró en la creación de la primera Carrera Superior de Folklore y Tango de esa ciudad.

Lunas del Tucumán se realizará el viernes 17, a las 20.30, en Espacio Tucumán. Bono contribución, $20.
Otras citas musicales en Espacio Tucumán

• El cantante tucumano Alberto Carrillo presentará material de su próximo disco el jueves 9, a las 20.30, en Espacio Tucumán. Bono contribución, $20.

»» PLÁSTICA
Mariana Ferrari expone pinturas en Espacio Tucumán

La artista plástica Mariana Ferrari inaugura en Espacio Tucumán una muestra homónima compuesta por pinturas realizadas en papel escenográfico.

“Se trata claramente de imágenes reapropiadas… forzadas a ser un simulacro de sí mismas: paisajes conocidos de algún lado. Sin embargo, así desplazados al contexto del arte perturban al ser tan diferentes sin pretensión de serlo… parecieran hablar de una seguridad amortiguada, un tipo de felicidad apagada…” Kevin Power, crítico (fragmento).

Mariana Ferrari inaugura el 17 de diciembre, a las 18.30, en Espacio Tucumán. La muestra permanecerá expuesta a lo largo del corriente mes.

~ Tucumanos en otros espacios
Sandro Pereira integra una muestra colectiva en el Centro Cultural Recoleta

El artista tucumano Sandro Pereira, ferviente cultor del autorretrato, participa de una nuestra colectiva en el Centro Cultural Recoleta. La exhibición de los artistas del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) lleva el sello del curador Dean Daderko, especialista que vive y trabaja en Nueva York.

Daderko también ha curado exhibiciones para Art in General, Artist's Space, The Kitchen en New York y The Contemporary Art center en Vilnius, Lithuania. Sus escritos han sido de parte de publicaciones tales como: The Studio Museum in Harlem, El Museo del Barrio y The Australian Centre for Contemporary Art. Como curador, defiende una práctica dedicada a establecer espacios de diálogo tanto crítico como productivo entre artistas y audiencia.

La exhibición tendrá lugar desde el sábado 4 de diciembre hasta el domingo 23 de enero, en las salas 4 y 5 del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

Dibujos de Gabriel Chaile seleccionados para el Premio Fundación Williams

Dibujos del plástico tucumano Gabriel Chaile forman parte de las obras seleccionadas en el marco del Premio Fundación Williams de Arte Joven 2010. La distinción busca promover la creación de los artistas jóvenes y dar visibilidad a la producción emergente y experimental de la Argentina. El jurado está integrado por los críticos Ana Martínez Quijano y Rodrigo Alonso, y por el artista Eduardo Stupía.

Las obras seleccionadas serán expuestas a partir del 9 de diciembre, en la sala 27 del Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín, 2° piso).

»» TEATRO ~ en otros espacios
Saverio El Cruel, de Roberto Arlt, en el Teatro Nacional Cervantes

Una puesta del texto Saverio El Cruel, de Roberto Arlt, se presentará esta semana en el Teatro Nacional Cervantes. Con dirección de Adrián Blanco, el elenco está integrado por actores de la provincia de Tucumán seleccionados en las audiciones realizadas en el marco del Plan Federal de Coproducciones que lleva adelante el teatro.

De la familia de las farsas dramáticas, Saverio El Cruel cuenta la historia de un mantequero que será el foco de burla de un grupo de hombres y mujeres dispuestos a todo con el fin de pasar un buen rato. En un constante juego entre realidad y fantasía, la trama se desarrollara en dos planos: la miserable vida de los personajes y la realidad soñada que estos fabrican en su mente. Los personajes luchan por romper con su pasado pero, al no lograrlo, terminan entrando en conflicto con sus papeles estereotipados y abriendo grietas en el desarrollo convencional de la intriga.

El elenco está integrado por Marcos Acevedo, Sergio Aguilar, Noé Andrade, Rubén Ávila, Andrea Barbá, Daniel Cabot, Daniela Canseco, Andrés D’Andrea, Pablo Delgado, Cristina Fiz Lobo, Jorge García, Marcela García Mottes, Liliana Sánchez, Nati Vanadía, Daniela Villalba y Oscar Zamora.

La función se realizará el viernes 10 de diciembre, a las 21, en la Sala María Guerrero del Teatro Cervantes (avenida Córdoba 1155).

»» CICLO CONFRATERNIDADES

• La Muestra Artística Anual del Centro Espacio, en la que participan niños con capacidades especiales, se realizará el jueves 9 y el viernes 17, a las 14, con entrada gratuita, en Espacio Tucumán.

• La pieza “Alicia en el país de la maravilla” será interpretada por el grupo teatral ADISA (Artistas Discapacitados Argentinos), con dirección general de Adrián Lazz. La función se realizará el miércoles 15, a las 17. 30, con entrada gratuita, en Espacio Tucumán.

Los esperamos,
Mercedes Viegas
Coordinadora de Cultura
Gobierno de Tucumán en Buenos Aires

Premio Imagen Fundación Federico Jorge Klemm - Isologotipo -

2010-11-28T14:36:00.000-08:00

Ganadores
Primer premio PAULA PETRONI
Segundo premio PATRICIO CHAVES

Ricardo Blanco junto a los ganadores

seleccionados

SEBASTIÁN RODRÍGUEZ / LEANDRO AIZENBERG / CAROLINA NEGRI / PATRICIO CHAVES / LEONARDO CALLEGARI / LAURA TALLARICO / PAULA PETRONI / SEBASTIÁN GALLO / ESTUDIOMÍNIMO

Jurado de selección y premios
RICARDO BLANCO / EDGARDO GIMENEZ / ENRIQUE LONGINOTTI / MATILDE MARIN

Presentación de la publicación Cabildo Abierto del Arte.

2010-11-24T07:11:00.000-08:00

En su sexta edición, la Semana del Arte Rosario se suma a los festejos del Bicentenario y se desdobla en dos etapas. La primera parte, que tuvo lugar en mayo de este año, consistió en la convocatoria a un histórico Cabildo Abierto del Arte, en el cual participaron y disertaron referentes de las distintas escenas artísticas a nivel nacional, conformando así una instantánea del estado actual del arte en nuestro país. En su segunda etapa, dada la calidad de las ponencias presentadas, se decide plasmarlas en una publicación que iniciará una nueva colección de las Ediciones Castagnino+macro dedicada a la teoría y crítica del arte.

Es así que, como parte fundamental de esta 6SAR/10, se presenta la publicación sobre el Cabildo Abierto del Arte, edición histórica que rescata todas las disertaciones que se dictaron durante el congreso, constituyendo un documento único que brinda un panorama de las diferentes miradas actuales sobre el campo artístico nacional, contadas en palabras de referentes y protagonistas indiscutibles.

El acto de presentación se realizaró en el tradicional Bar El Cairo el viernes 19 de noviembre de 2010 con la presencia de autoridades provinciales, municipales, directivos de instituciones y miembros de la comunidad artística.. También estuvieron presentes distintos representantes de las localidades santafesinas participantes de las anteriores ediciones de Semana del Arte que, a su vez, relatan sus experiencias en un capítulo especial de esta publicación.

Asimismo, la Directora del Museo Castagnino+macro junto al comité editorial anunciaron públicamente los nuevos lineamientos a implementarse durante el año 2011, respecto a la colección y al lanzamiento de nuevas propuestas editoriales.

Los que interesados podrán acceder a la versión digital de la publicación en el sitio web de Semana de Arte. http://www.semanadelarte.org.ar/

PROGRAMA ART BOOMERANG PROGRAMA FEDERAL PARA LAS ARTES

2010-11-21T18:12:00.000-08:00

PROGRAMA ART BOOMERANG PROGRAMA FEDERAL PARA LAS ARTES

Curador

Arq. Daniel R. Fischer

Tel 03722-423221

Cel.03722-15331616

daniel.r.fischer@gmail.com

ART BOOMERANG: UNA PROPUESTA ACADÉMICA Y FEDERAL

Cuando el arquitecto y curador Daniel Fischer presenta su nuevo proyecto, lo primero que resalta es la necesidad de la profesionalización del arte en la región. Es por esto que el coaching “Art Boomerang” que él coordina y presenta en estos días por el noreste del país, se inscribe en esas líneas de análisis, crítica, diálogo y producción de arte contemporáneo con contenido académico.

La creciente trayectoria de este joven chaqueño lo ha llevado a recorrer distintas facetas relacionadas con el mundo del arte en la piel del curador, artista y gestor, trasladándose a lugares como el Reino Unido o a través de becas financiadas por la Oficina Cultural de la Embajada de España, Fundación Volpe, Fundación Antorchas, entre otras. Mediante esa mirada global de la concepción artística él expresa: “Al comenzar a trabajar en grandes eventos sentí que la actividad está muy poco profesionalizada en el país. Noté que los artistas en Argentina no logran alcanzar los estándares o performance que tienen en Europa y creo que esto se debe a los modos de producción y los sistemas de trabajos que implementan”, explicó.

Frente a esta situación, el arquitecto propone con “Art Boomerang” favorecer la formación y la producción, así como el análisis crítico de las corrientes artísticas actuales, consolidando y produciendo nuevos mapas y miradas en la cultura. En esta línea, el proyecto prevé dar soporte y visibilidad a artistas de todo el país a través de vínculos y redes entre críticos, artistas, curadores, Instituciones y espacios expositivos.

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CORRIENTES Art Boomerang - Programa Federal Para Las Artes

Recordamos los requisitos ENVIADOS A
corrientes.artboomerang@gmail.com
CV, Datos personales
Carta de porque desea participar en el programa.
10 imágenes de su trabajo u obras realizadas (de distintos períodos o de lo que este generando)

VIDEOS
Clikea aquí para ver los videos de presentación
Programa Art Boomerang video audio
Para mayor información sobre el Programa puede comunicarse
de Lunes aViernes de 9 a 13 y de 17 a 20, a:

*Coordinacion y Asistencia vía mailing:
Prof. Ana María Goycoechea
Gestora Cultural
Teléfono: 03722 - 1540-7178
corrientes.artboomerang@gmail.com

Coordinadora de artes Visuales
Fernanda Toccalino
artesvisualescorrientes@gmail.com
Teléfono: 03783 - 422786

Proyecto Federal para las Artes - Corrientes Art Boomerang
Auspicia: Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Corrientes.
Acompaña: Asociación Adapthes

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FORMOSA Art Boomerang - Programa Federal para las Artes

CONVOCATORIA ABIERTA HASTA EL 15 DE NOVIEMBRE PARA FORMOSA
Clikea aquí
Formosa Art Boomerang
formosa.artboomerang@gmail.com

VIDEOS
Clikea aquí para ver los videos de presentación
Programa Art Boomerang video
http://www.youtube.com/watch?v=MwDIutRMHYY

Formosa Art Boomerang video
http://www.youtube.com/watch?v=6dajAMkrK00

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LOS ANDES, NEUQUÉN. - ART BOOMERANG Programa Federal para las artes.

Con el auspicio de la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad de San Martín De Los Andes se informa que Neuquén formará parte del Programa Federal para las Artes “Art Boomerang”, para lo cual se convoca a artistas visuales de Neuquén y áreas de influencia, a presentarse a la convocatoria para participar del mismo.

El Programa está destinado a perfeccionar, articular y difundir la obra de los artistas en su contexto local y en otros territorios. Asimismo generar redes institucionales que permitan constituir un soporte específico para el desarrollo de las artes visuales.

Se desarrollarán cinco encuentros de pensamiento que impulsen el desarrollo de obras y el análisis crítico de las producciones; una posterior exposición local, y una exposición en otra provincia para la promoción de los artistas, coordinada por el curador Arq. Daniel Fischer.

El inicio de este programa en Neuquén, se llevará a cabo en el mes de Octubre.

Hasta el 15 de Octubre de 2010 estará abierta la inscripción para participar del programa Neuquén Art Boomerang.

Los interesados pueden solicitar las bases y condiciones a neuquen.artbooemrang@gmail.com, o comunicarse con la coordinadora Paula Giménez Zapiola 02944-15569310 de 9 a 12

ART BOOMERANG: UNA PROPUESTA ACADÉMICA Y FEDERAL

Cuando el arquitecto y curador Daniel Fischer presenta su nuevo proyecto, lo primero que resalta es la necesidad de la profesionalización del arte en la región. Es por esto que el coaching “Art Boomerang” que él coordina y presenta en estos días por el noreste del país, se inscribe en esas líneas de análisis, crítica, diálogo y producción de arte contemporáneo con contenido académico.

La creciente trayectoria de este joven chaqueño lo ha llevado a recorrer distintas facetas relacionadas con el mundo del arte en la piel del curador, artista y gestor, trasladándose a lugares como el Reino Unido o a través de becas financiadas por la Oficina Cultural de la Embajada de España, Fundación Volpe, Fundación Antorchas, entre otras. Mediante esa mirada global de la concepción artística él expresa: “Al comenzar a trabajar en grandes eventos sentí que la actividad está muy poco profesionalizada en el país. Noté que los artistas en Argentina no logran alcanzar los estándares o performance que tienen en Europa y creo que esto se debe a los modos de producción y los sistemas de trabajos que implementan”, explicó.

Frente a esta situación, el arquitecto propone con “Art Boomerang” favorecer la formación y la producción, así como el análisis crítico de las corrientes artísticas actuales, consolidando y produciendo nuevos mapas y miradas en la cultura. En esta línea, el proyecto prevé dar soporte y visibilidad a artistas de todo el país a través de vínculos y redes entre críticos, artistas, curadores, Instituciones y espacios expositivos.

SUMANDO TERRITORIOS

De esta manera, dando continuidad a la idea de expansión en el país y después de que el programa se implementara con éxito en Bariloche, La provincia de Neuquén en San Martín de los Andes, es la segunda provincia de la región patagónica que recibe la convocatoria para participar del proyecto. La misma finalizará el 20 de octubre, plazo en el que se seleccionará un limitado grupo de artistas que realizarán las diversas etapas que propone este programa federal para las artes.

El ciclo plantea trabajar durante un período extenso sobre el artista y el objeto artístico personal y colectivo. Para ello, se convoca a todas aquellas personas relacionadas con cualquier disciplina que se inscriba dentro de las artes visuales. Los encuentros serán bimestrales, repartidos en una primera etapa que consiste en el entrenamiento artístico, una segunda donde se realizará una muestra colectiva de los trabajos realizados en los encuentros y finalmente la tercera etapa donde se intercambiarán exposiciones entre las regiones que participen del programa.

En San Martín de los Andes, las actividades cuentan con Auspicio de la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad de San Martín de los Andes y la coordinación de Paula Giménez Zapiola. En total, el ciclo tendrá una duración de 125 horas reloj, distribuidas en cinco encuentros de tres días que se iniciarán en noviembre y finalizarán a mediados del 2011. Las personas interesadas en responder a la convocatoria deben comunicarse a la dirección de e-mail: neuquen.artboomerang@gmail.com, donde se brindarán los detalles necesarios.

DESPLAZAMIENTO CONSTANTE

Respecto a la denominación que recibe este proyecto, Fischer destacó que “la idea del boomerang nace porque el método consiste en generar un ida y vuelta en el diálogo entre artistas e instituciones propiciando la formación, que a la vez regrese información cruzada a todos los que son atravesados en cada provincia, buscando de esta manera polinizar la mirada en cada persona”. En este sentido, ya están en marcha las gestiones con distintos organismos para implementar el programa en Resistencia, Corrientes, Formosa y Misiones.

La incorporación de las distintas provincias “sirve para quebrar paradigmas y entender cómo funcionan ciertas idiosincrasias que se imprimen en la obra”, concluye Fischer. Finalmente, el coach de Art Boomerang detalla: “Hay muchos proyectos de este tipo, pero con este en particular intentamos tener una mirada global que apunta a las subjetividades, con la premisa de interactuar entre todas las partes que hacen al mundo del arte”.

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Chaco Art Boomerang - En Resistencia Chaco

Organiza la Facultad de Artes, Diseño y Ciencias de la Cultura de la Universidad Nacional del Nordeste
Comunicamos que ya está abierta la Convocatoria para participar del
Programa Art Boomerang - Programa Federal para las Artes En Resistencia Chaco.

Recuerde que la convocatoria Chaco Art Boomerang estará abierta
Hasta el 20 de octubre.
También al pie encontrará videos institucionales del programa.
Si desea recibir nuestras bases y condiciones para Chaco Art Boomerang escribanos a esta casilla chaco.artboomerang@gmail.com y enviaremos la información para que pueda ud presentarse.
Proyecto Federal para las Artes
Organiza la Facultad de Artes, Diseño y Ciencias de la Cultura de la Universidad Nacional del Nordeste

JOSE LUIS TUÑÓN: “EL VALOR DEL ARTE” .

2010-11-21T17:04:00.000-08:00

SEMINARIO “EL VALOR DEL ARTE”

TALLER DE ARTE DE RADA TILLY (CHUBUT)

ULTIMO ENCUENTRO
JOSE LUIS TUÑÓN*
joseluistunon.blogspot.com
http://boladenieve.org.ar/node/8014

¿Qué valor se le pide al arte? Tratándose del último encuentro hay que decirlo ya: es un valor raro que nunca encuentra su medida. Un valor del que podría decirse que no vale nada. ¿Pero como? ¿Si cada tanto se venden unos cuadros a precios excepcionales? Eso mismo: excepcionales. Subrayan la excepción, que es lo que es capaz de ser reducido a una medida común. Esas cifras que rozan lo gratuito, nunca se sabe bien en que se apoyan. A veces parece que fuera la calidad de la obra, otras, la trayectoria del artista o su genialidad, pero no son sino los datos necesarios para que esa operación no caiga en el absurdo más absoluto. Para evitarlo se erige ese aparato de valorar del que hablamos al comienzo del seminario. Aparato hecho de museos, galerías, críticos y curadores que mantienen el valor de las obras, con muestras antológicas, descubrimientos, relecturas, u homenajes a los clásicos. Así se arma esa certeza en el valor que llamamos historia del arte.

Se busca sostener ese valor - paradójico - que tiene como función impedir que su valor sea fijado, manteniendo abierta su dimensión. De otro modo todo el sistema quedaría fijo, colapsando los intercambios que se apoyan en él. Es decir, casi todos. El comercio se apoyaría en la noción de mantenimiento y reemplazararíamos las cosas cuando ya no cumplan con las funciones - utilitarias - para las que fueron creadas. Los que se apoyan en la función de la novedad como valor, estarían furiosos y decepcionados y habría que redefinir las metas, el progreso y hasta la misma noción de cambio que se apoya por entero en la dicotomía viejo/nuevo.

¿Y por que alguien querría desprenderse de un bien que aprecia mucho, o que aún le resulta útil? Respuesta: porque hay otro que le gusta más. El gusto es una categoría que se desprende del uso, que es una dimensión que puede generalizarse o del aprecio, que es una variable subjetiva, propia de cada cual. Y sobre el gusto, como se dice, no hay nada escrito. No puede fijarse nada. Se desliza en una dirección que en otros tiempos abría el arte. Hoy son los llamados medios masivos de comunicación. Subrayando los dos términos: masivos y comunicación. En lo masivo se abren brechas al gusto, espontáneas, brutales incluso. Y la comunicación las revela y comunica. Ahí vigila ese género periodístico que se alimenta de la apetencia por la miseria.

Por aquí llegamos a una de las impases del siglo XX y que alimentan la queja que estudiamos. La polémica entre el arte que procuraba refinar el gusto, poniendo a salvo su valor y el arte que buscaba el suyo propagándose a la mayor cantidad de gentes.

Y no es la única contradicción, hay otras tan fundantes como esta: la que buscó establecer el valor recortándolo como el gusto propio de la nación. Y para ello promocionó un arte que enfatizara los valores que convenían a ese gusto. La identidad por ejemplo. Pero, y por aca sigue la paradoja, para ello se debió recurrir a formas que no eran nacionales, eran universales, aunque una nación era considerada valiosa solo si podía constituirse con ellos. Paradoja: lo universal y lo local, otro de los ejes que hemos recorrido en estos encuentros.

Y mas: por ejemplo, la que procura definir ese valor nacional como cultura, es decir: como gusto culto, a la vez que distingue lo inculto. Ese valor nacional y culto se opone a lo nacional inculto. La barbarie Sarmientina. Barbarie recuperada luego como valor popular, por los populismos, que no necesitaron de los artistas cultos para definir sus gustos. Y sobrevolando por encima de todo esto, el mercado, que gira en su interminable recambio llevado de las narices del gusto, un gusto modelado de maneras absolutamente diversas. Porque una vez rotas las formas mayores del gusto, este se dispersó en un proceso demencial donde las formas se reemplazan unas a otras en todas direcciones. De lo refinado a lo vulgar, de lo exclusivo a lo masivo, de lo intimo a lo publico, de púdico a lo obsceno, de lo honesto a lo corrompido. Cualquiera de estas variables puede ser combinada en la formula del gusto que busca desesperadamente mantener abierto ese valor paradójico.

El arte ya no alcanza para conducir este proceso, ni el nacional, ni el local, ni siquiera el universal que, ante la pulsión desatada, es insuficiente. Los mismos medios masivos de la dudosa comunicación, son capaces de mantener abierta la brecha de la curiosidad y la apetencia. Solemos prender el televisor esperando la próxima burrada que será puesta en cámara por el inescrupuloso de turno. Y luego no se, tal vez, el regreso a los gustos pastoriles, como anhelan los milenarios. O al medioevo incomunicado, como pronostican los apocalípticos. Un mercado universal estabilizado por una democracia liberal - también universal - ya es muy difícil de creer. Especialmente por los que buscan la renovación del gusto por las armas y los narcóticos, para quienes el valor es un asunto resuelto.

¡¿Pero que tiene esto que ver con el valor del arte?! Tiene.. tiene, porque recuerdo que, la queja que dio lugar a este seminario, decía que nadie valoraba nada (pueden ver el número 371 de la revista Ñ, en la sección de cartas de lector hay una trascripción literal de la queja) y que el papel del arte y del artista esta vacilante. Y es cierto. Pese a las cifras de los museos. Pero no es pesimismo, es solo revisión de su papel. Su potencial se mantiene. Sea en el espectáculo, donde aún el arte es capaz de convocar muchedumbres, o en el ámbito de lo íntimo, o de lo comunitario, o de lo familiar, o de lo que sea. El papel del arte, y su valor están siendo redefinidos. Y no es que esté mal ni bien, ocurre, y cuanto primero lo aceptemos, más fácil nos resultará el cambio.

*José Luis Tuñón
joseluistunon@gmail.com.ar
Mi nombre es José Luís Tuñón y nací en Río Gallegos en 1955. Vivo en Comodoro Rivadavia desde 1984 donde trabajo como artista y psicoanalista. Mi formación inicial la hice en La Plata en ambas disciplinas. Entonces, estas dos prácticas estaban muy distanciadas, hoy son dos modos que me permiten entender la Cultura como el campo discursivo que modela los modos de goce.

Como antecedentes cito las diferentes oportunidades en que la Fundación Antorchas apoyó mi tarea. Y como un punto de inflexión, mi participación en las Jornadas de Critica y Arte Contemporáneo en General Roca. Expongo individualmente en forma regular, pero más frecuentemente en muestras temáticas. Obtuve algunos premios que a veces considero importantes y otras olvidables. Me entusiasma la reflexión crítica sobre el arte por lo que escribo artículos o charlas, la mayoría de las cuales permanece inédita.

La llamada inutilidad del arte me molesta, lo que me impulsa a hacer intervenciones comunitarias que valoro especialmente. La necesidad de sostener la práctica entre varios me ha llevado a integrar organizaciones más o menos formalizadas: los Siete de Canto, junta de amigos dedicada al apoyo y el afecto. La Asociación Cultural EL PUERTO, cuya labor instaló en la agenda ciudadana - edificio incluido - el Centro Cultural Comodoro. Y también asumí funciones como Subsecretario de Cultura en el período 2004/2007.

Pablo Noce y Paula Cecchi en la RCA Secret que se lleva a cabo en el Royal College of Art de Londres.

2010-11-20T17:36:00.000-08:00

El Royal College of art de Londres todos los años organiza una muestra en la que participan los recientes egresados de la institución junto con artistas de muy muy alto renombre internacional como el alemán Richter, Paula Rego, Anish Kapoor, Manolo Blahnik, Alex Katz, Peter Doig, Yoko Ono, Tracey Emin, Grayson Perry, Jake Chapman, Olafur Eliasson, Yinka Shonibare, Sir Peter Blake, John Baldessari, por dar algunos ejemplos entre los muchos artistas y diseñadores que aportan. Todos los artistas hacen obras de formato postal y las donan al RCA.

El RCA hace una muestra con todas las obras sin que se sepa el nombre del artista (están firmadas en el reverso) y luego las vende todas a 45 pounds.

La muestra termina el 19 de noviembre y el 20 es la venta. Es un gran suceso todos los años en Londres y la gente hace colas para poder comprar (incluso duermen en carpas los días anteriores)
Las obras están publicadas y mañana 20 de noviembre se sabrán los nombres luego de la venta!!
Aquí va la página donde pueden descubrirnos!!!
http://dams.rca.ac.uk/res/sites/RCA_Secret/

Videito en la BBC
http://www.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-11763755

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Paula Cecchi
http://www.paulacecchi.com/
Pablo Noce
http://pablonoce.com.ar/

Manifesta 8, la Bienal europea de arte contemporáneo

2010-10-31T11:09:00.000-07:00

Del 9 de octubre de 2010 al 9 de enero de 2011.

Sitio Oficial
www.manifesta8.es / http://www.manifesta.org/

Nota relacionadas
Ensalada de insolencia creativapor PABLO LEÓN para El País
ver nota >>>>

El Cuartel de Artillería de Murcia, escenario de Manifesta 8- ILYA RABINOVICH

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Estructura de la bienal
Durante 100 días, Manifesta 8 tendrá lugar en las ciudades de Murcia y Cartagena en edificios históricos, museos, espacios no convencionales y varios canales de medios de comunicación. Manifesta 8 está dirigido por tres colectivos curatoriales independientes, cada uno de los cuales desarrollará un proyecto propio como contribución curatorial. Los colectivos son ACAF (Alexandria Contemporary Arts Forum), CPS (Chamber of Public Secrets) y tranzit.org .

ACAF - Alexandria Contemporary Arts Forum, se plantea una pregunta: ¿Cómo puede cualquier proyecto artístico tocar auténticamente la sofisticada y azarosa maraña de la complejidad de la vida? Como respuesta proponen OVERSCORE (Tachadura), un proyecto polifacético que mantiene su coherencia por la lógica de una interfaz creada especialmente para ello y llamada The Theory of Applied Enigmatics (La teoría de la enigmática aplicada).

Comisario: Bassam El Baroni / Comisario asociado: Jeremy Beaudry / Asistente de comisariado: Yolanda Riquelme García.

Artistas: The Action Mill / Gonzalo Ballester / Lene Berg / Michael Paul Britto / Pablo Bronstein / Ergin Çavuşoğlu / Common Culture / Céline Condorelli / Willie Doherty / Juan Downey / Sherif El-Azma / Alfonso Escudero / Simon Fujiwara / Ryan Gander / Melanie Gilligan / Nav Haq / Ann Veronica Janssens / Jeleton / Mahmoud Khaled / Hassan Khan / Irene Lucas & Christoph Euler / Suhail Malik / nOffice / Ana Martínez / Rosell Meseguer / Metahaven / Nástio Mosquito / Charles Mudede / Kenny Muhammad & Adam Carrigan / Lorraine O'Grady / Olivia Plender / Wanda Raimundi-Ortíz / Jasper Rigole / Red 76 / Alexandre Singh / Jean-Marc Superville Sovak / Take to the Sea / Mariusz Tarkawian.

CPS - Chamber of Public Secrets. A través del uso crítico de la producción de medios de comunicación, realización de documentales, investigación artística y periodismo estético, el proyecto curatorial de CPS, ¿THE REST IS HISTORY? (¿El resto es historia?, ocupa y se cuestiona las estructuras que definen la realidad hoy en día, así como de su historia.

Equipo curatorial: Khaled Ramadan & Alfredo Cramerotti / Asistente de comisariado: Rian Lozano de la Pola.

Artistas: AGM / Mounira Al Solh / Abed Anouti / Eşref Armağan / The ARTS ASSEMBLY / Michael Baers / Ghassan Ben Jeddou / Brumaria / Filipa César / Danilo Correale / Anders Eiebakke / Aida Eltorie (con Fateen Abdel Wahab, Dalia Neis, Sergio Leone, Bassem Yousri, Naiza Khan, Pauline M'Barek, Jan Ijäs, Aissa H. Deebi, Ghamkin Saleh, Madeline Djerejian, Yto Barrada) / Marcelo Expósito & Verónica Iglesia / Thierry Geoffroy-Colonel / Laurent Grasso / Khaled Hafez / Ralf Homann / Erlea Maneros Zabala / n.e.w.s.: Renée Ridgway & Rick van Amersfoort / Ángel Nevarez & Valerie Tevere / Fay Nicolson (en colaboración con Rasheed Araeen, Mark Ashurst, Katerina Gregos, John M. Kennedy , Huda Smitshuijzen, Alex Vesudevan) / Nada Prlja / Ariel Reichman / María Ruido / David Rych / Nikolaus Schletterer / Michael Takeo Magruder / Stefanos Tsivopoulos / Wooloo (en colaboración con Gema Alava, Helidon Gjergji, Pedro Guirao, Clarinda Mac Low, Matthias Neumann) / Raed Yassin.

tranzit.org . Si preguntamos sobre las convenciones de la exposición colectiva, CONSTITUTION FOR TEMPORARY DISPLAY (Constitución para una exposición temporal) de tranzit.org es el resultado de un pensamiento colectivo sobre el potencial para un espacio auto constituido, modelado por las condiciones estéticas, sociales y políticas; un espacio donde artistas y comisarios abren su trabajo a la reflexión, imaginación y reelaboración.

Equipo curatorial: Vít Havránek, Zbyněk Baladrán, Dóra Hegyi, Boris Ondreička, Georg Schöllhammer / Asistente de comisariado: Anna Pahissa Deulofeu.

Artistas: Basma Alsharif / Babi Badalov / Neïl Beloufa / Erick Beltrán / Igor & Ivan Buharov / Banu Cennetoğlu & Shiri Zinn / Boris Charmatz / Loulou Cherinet / Heman Chong / Kajsa Dahlberg / Cristina David / Stephan Dillemuth / Carla Filipe / Pedro G. Romero-Archivo F.X. / Alexandra Galkina / Karl Holmqvist / Sung Hwan Kim / Adela Jušić / Mathieu Kleyebe Abonnenc & Sarah Maldoror / Darius Mikšys / The Otolith Group / Bouchra Ouizguen / Emily Roysdon / Ruti Sela / Catarina Simão / Tomáš Vaněk / Martin Vongrej / Tris Vonna-Michell / Tanja Widmann.

Educación: Manifesta 8 presta especial atención a las actividades educativas. Se ha creado un programa especial de mediación en arte para investigar y reflexionar junto con nuestros visitantes sobre las obras y los conceptos que se presentan en Manifesta 8. Durante las horas de apertura se realizaran visitas guiadas en español, inglés, árabe, francés, alemán e italiano, al igual que un abanico de proyectos especiales, material educativo y actividades para escuelas y estudiantes de arte. www.manifesta8.es/medular .

Tucumán en Buenos Aires. Juliet Ruiz en Buenos Aires Photo y mucho más

2010-10-31T09:24:00.000-07:00

OCTUBRE
Buenos Aires Photo

La “fotografía veloz” de Juliet Ruiz en la 6° edición de Buenos Aires Photo

Vertiginosa y audaz, la obra de la artista tucumana Juliet Ruiz podrá verse en la feria Buenos Aires Photo, que permanecerá abierta del 28 al 31 de este mes en el Palais de Glace.

Stand de la productora de arte Rolf Art
Ruiz exhibirá la serie Jardín Oculto, una producción de foto-grabado en movimiento que juega con la imagen que a gran velocidad logra capturar la lente de una cámara. Aunque ese es sólo el comienzo de su trabajo: luego utiliza la técnica de grabado plasmada en diferentes metales. En su obra, la profesora de arte recupera lugares de la provincia de Tucumán que cree podrían perderse, como casitas de campo, cargaderos de caña y paisajes que año tras año están más urbanizados.

La participación de Ruiz se dará en el marco de la presencia institucional de la productora de arte Rolf Art, que en la sexta edición de Buenos Aires Photo sostendrá la matriz artística del interior del país.

El proyecto de exhibición de Rolf Art consiste en llevar a un escenario de tensión los lenguajes de las artes visuales en la fotografía: fotografía blanco y negro – foto color; fotografía con audio; foto-grabado, y foto-cerámica. Además, presenta el contraste y la conjugación de los formatos grande, medio y pequeño. Además de Ruiz, participan en este proyecto las artistas Ananké Asseff y Celeste Martínez.

Buenos Aires Photo reunirá a más de 30 galerías de siete países de América y Europa. Podrá visitarse del 28 al 31 de octubre, de 13 a 21, en el Palais de Glace (Posadas 1725).

Fundación Lebenshon
Obras de Belén Romero Gunset en la Fundación Lebenshon

Bajo el título Serie PAISAJE A – 3D, Belén Romero Gunset presenta una exposición de pinturas inéditas realizadas a largo de este año.

“Hace cinco años que estoy desarrollando una serie de pinturas donde el paisaje es mi motor de reflexión sobre el mundo. Pinto como reflexión ontológica.

Siento y me inquieta el misterio que encierra cada piedra, nube, árbol, voz, sombra, color. Mi incapacidad de trascenderlos, mi lenguaje limitante.

Pinto paisajes que recuerdo, veo, pienso, construyo e imagino. Otra manera de ser de la realidad que no es visible cotidianamente.”

La muestra se inauguró el martes 19 de octubre, en la Fundación Lebenshon (General Hornos 238).

Espacio Tucumán
Marisa Rossini y Elena Blasco
<<< ver muestra >>>>

“El Idioma de la Pintura” se llama la muestra que las artistas plásticas Marisa Rossini y Elena Blasco presentan este mes en Espacio Tucumán.

Marisa Rossini

Elena Blasco

“Alguien llega, no soy yo, y declara: «Me interesa el idioma en pintura».

Alguien que, sí soy yo, piensa: «me interesa la gestualidad japonesa en pintura»

Alguien que es mi amiga me dice: «la ciudad es la naturaleza», lo leí de Baudelaire.

Entiéndanme: el que habla está impasible, ha permanecido inmóvil durante el desarrollo de su frase, cuidándose de no realizar ningún gesto.

Fíjense: durante el desarrollo de mi pintura no he pretendido dar credibilidad a la Pintura, como lo hicieron aquellos que por un motivo u otro decidieron familiarizarse con las imágenes japonesas y su cultura.

Acuérdome: en mi planimetría, en tu capa de velos. La pintura es lo que nos importa.

Simplemente llega y se anuncia: «me interesa el idioma en pintura».”

“El idioma de la Pintura” podrá visitarse a lo largo del mes de octubre, de 9 a 18, en Espacio Tucumán.

arsomnibus

Distinción “Artífices del Patrimonio 2011”

BIENAL DE FLORENCIA 2011: PREMIO

Tucumán en Buenos Aires

Itaú cultural - Ganador del premio de Arte Urbano Graffiti 3D

La Noche de los Museos 2011

Tucumán en Buenos Aires

Tucumán en Buenos Aires

FIVA, FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEOARTE. Entrega de Premios

Malba anuncia la incorporación de dos nuevos curadores al staff del museo

Eduardo Carrera, fotógrafo premiado.

Por el azar de “Expotrastiendas 2011”

Artistas de ARTEBus en Expotrastiendas 2011.

Tucumán en Buenos Aires / Expotrastiendas 2011: En VIVO/3

Premio MAMbA / Fundación Telefónica, de Arte y Nuevas Tecnologías.

AGOSTO 2011- Tucumán en Buenos Aires

Carta de lectores: Pura burocracia sin sentido. Silvia Heger.

I?. Publicación Independiente de poesía visual patagónica.

Siqueiros. Muralismo, Cine y Revolución por Ana Martínez Quijano

La Bella Durmiente del Bosque. Ballet en un prólogo y tres actos (1890). Teatro Colón, Temporada 2011

UEITIN GODOY de Javier Margulis

Victoria Noorthoorn. Bienal de Lyon 2011.

SOBRE CALAMARES PODRIDOS, GENTE ENOJADA Y UN EVENTO DE JERARQUÍA EN EL MALBA

Robo de obras en Unquillo, Córdoba.

En busca de un Pettoruti abstracto.

ver muestraPettoruti y el arte abstracto. 1914 -1949Del 26 de Mayo al 27 de JunioMALBA

“Inner Spectators” ¿Cuál es el objetivo de una exposición?

Tucumán en Buenos Aires: Fería del Libro

Los cien años de Efrain Boglietti

¿Quién es quién? Los Súperamigos del Arte Contemporaneo. 2ª Temporada

IMPRESIONES DE UNA PSICOANALISTA: Puntualizaciones sobre la repetición en la obra de LOUISE BOURGEOIS.

Impresiones de un Artista : Del Caos al Orden en la obra de Louise Bourgeois.

DOMINÓ CANÍBAL (PAC MURCIA 2010): ULTIMA INTERVENCION: FRANCIS ALŸS

Tucumán en Buenos Aires / Agenda de Diciembre

Premio Imagen Fundación Federico Jorge Klemm - Isologotipo -

Presentación de la publicación Cabildo Abierto del Arte.

PROGRAMA ART BOOMERANG PROGRAMA FEDERAL PARA LAS ARTES

JOSE LUIS TUÑÓN: “EL VALOR DEL ARTE” .

Pablo Noce y Paula Cecchi en la RCA Secret que se lleva a cabo en el Royal College of Art de Londres.

Manifesta 8, la Bienal europea de arte contemporáneo

Tucumán en Buenos Aires. Juliet Ruiz en Buenos Aires Photo y mucho más

ver muestra
Pettoruti y el arte abstracto. 1914 -1949
Del 26 de Mayo al 27 de Junio
MALBA