Manifesta 8, la Bienal europea de arte contemporáneo

Del 9 de octubre de 2010 al 9 de enero de 2011.


Sitio Oficial
www.manifesta8.es / http://www.manifesta.org/


Nota relacionadas
Ensalada de insolencia creativapor PABLO LEÓN para El País
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El Cuartel de Artillería de Murcia, escenario de Manifesta 8- ILYA RABINOVICH

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Estructura de la bienal
Durante 100 días, Manifesta 8 tendrá lugar en las ciudades de Murcia y Cartagena en edificios históricos, museos, espacios no convencionales y varios canales de medios de comunicación. Manifesta 8 está dirigido por tres colectivos curatoriales independientes, cada uno de los cuales desarrollará un proyecto propio como contribución curatorial. Los colectivos son ACAF (Alexandria Contemporary Arts Forum), CPS (Chamber of Public Secrets) y tranzit.org .

ACAF - Alexandria Contemporary Arts Forum, se plantea una pregunta: ¿Cómo puede cualquier proyecto artístico tocar auténticamente la sofisticada y azarosa maraña de la complejidad de la vida? Como respuesta proponen OVERSCORE (Tachadura), un proyecto polifacético que mantiene su coherencia por la lógica de una interfaz creada especialmente para ello y llamada The Theory of Applied Enigmatics (La teoría de la enigmática aplicada).

Comisario: Bassam El Baroni / Comisario asociado: Jeremy Beaudry / Asistente de comisariado: Yolanda Riquelme García.

Artistas: The Action Mill / Gonzalo Ballester / Lene Berg / Michael Paul Britto / Pablo Bronstein / Ergin Çavuşoğlu / Common Culture / Céline Condorelli / Willie Doherty / Juan Downey / Sherif El-Azma / Alfonso Escudero / Simon Fujiwara / Ryan Gander / Melanie Gilligan / Nav Haq / Ann Veronica Janssens / Jeleton / Mahmoud Khaled / Hassan Khan / Irene Lucas & Christoph Euler / Suhail Malik / nOffice / Ana Martínez / Rosell Meseguer / Metahaven / Nástio Mosquito / Charles Mudede / Kenny Muhammad & Adam Carrigan / Lorraine O'Grady / Olivia Plender / Wanda Raimundi-Ortíz / Jasper Rigole / Red 76 / Alexandre Singh / Jean-Marc Superville Sovak / Take to the Sea / Mariusz Tarkawian.

CPS - Chamber of Public Secrets. A través del uso crítico de la producción de medios de comunicación, realización de documentales, investigación artística y periodismo estético, el proyecto curatorial de CPS, ¿THE REST IS HISTORY? (¿El resto es historia?, ocupa y se cuestiona las estructuras que definen la realidad hoy en día, así como de su historia.

Equipo curatorial: Khaled Ramadan & Alfredo Cramerotti / Asistente de comisariado: Rian Lozano de la Pola.

Artistas: AGM / Mounira Al Solh / Abed Anouti / Eşref Armağan / The ARTS ASSEMBLY / Michael Baers / Ghassan Ben Jeddou / Brumaria / Filipa César / Danilo Correale / Anders Eiebakke / Aida Eltorie (con Fateen Abdel Wahab, Dalia Neis, Sergio Leone, Bassem Yousri, Naiza Khan, Pauline M'Barek, Jan Ijäs, Aissa H. Deebi, Ghamkin Saleh, Madeline Djerejian, Yto Barrada) / Marcelo Expósito & Verónica Iglesia / Thierry Geoffroy-Colonel / Laurent Grasso / Khaled Hafez / Ralf Homann / Erlea Maneros Zabala / n.e.w.s.: Renée Ridgway & Rick van Amersfoort / Ángel Nevarez & Valerie Tevere / Fay Nicolson (en colaboración con Rasheed Araeen, Mark Ashurst, Katerina Gregos, John M. Kennedy , Huda Smitshuijzen, Alex Vesudevan) / Nada Prlja / Ariel Reichman / María Ruido / David Rych / Nikolaus Schletterer / Michael Takeo Magruder / Stefanos Tsivopoulos / Wooloo (en colaboración con Gema Alava, Helidon Gjergji, Pedro Guirao, Clarinda Mac Low, Matthias Neumann) / Raed Yassin.

tranzit.org . Si preguntamos sobre las convenciones de la exposición colectiva, CONSTITUTION FOR TEMPORARY DISPLAY (Constitución para una exposición temporal) de tranzit.org es el resultado de un pensamiento colectivo sobre el potencial para un espacio auto constituido, modelado por las condiciones estéticas, sociales y políticas; un espacio donde artistas y comisarios abren su trabajo a la reflexión, imaginación y reelaboración.

Equipo curatorial: Vít Havránek, Zbyněk Baladrán, Dóra Hegyi, Boris Ondreička, Georg Schöllhammer / Asistente de comisariado: Anna Pahissa Deulofeu.

Artistas: Basma Alsharif / Babi Badalov / Neïl Beloufa / Erick Beltrán / Igor & Ivan Buharov / Banu Cennetoğlu & Shiri Zinn / Boris Charmatz / Loulou Cherinet / Heman Chong / Kajsa Dahlberg / Cristina David / Stephan Dillemuth / Carla Filipe / Pedro G. Romero-Archivo F.X. / Alexandra Galkina / Karl Holmqvist / Sung Hwan Kim / Adela Jušić / Mathieu Kleyebe Abonnenc & Sarah Maldoror / Darius Mikšys / The Otolith Group / Bouchra Ouizguen / Emily Roysdon / Ruti Sela / Catarina Simão / Tomáš Vaněk / Martin Vongrej / Tris Vonna-Michell / Tanja Widmann.

Educación: Manifesta 8 presta especial atención a las actividades educativas. Se ha creado un programa especial de mediación en arte para investigar y reflexionar junto con nuestros visitantes sobre las obras y los conceptos que se presentan en Manifesta 8. Durante las horas de apertura se realizaran visitas guiadas en español, inglés, árabe, francés, alemán e italiano, al igual que un abanico de proyectos especiales, material educativo y actividades para escuelas y estudiantes de arte. www.manifesta8.es/medular .

Tucumán en Buenos Aires. Juliet Ruiz en Buenos Aires Photo y mucho más

OCTUBRE
Buenos Aires Photo


La “fotografía veloz” de Juliet Ruiz en la 6° edición de Buenos Aires Photo

Vertiginosa y audaz, la obra de la artista tucumana Juliet Ruiz podrá verse en la feria Buenos Aires Photo, que permanecerá abierta del 28 al 31 de este mes en el Palais de Glace.

                                                Stand de la productora de arte Rolf Art
Ruiz exhibirá la serie Jardín Oculto, una producción de foto-grabado en movimiento que juega con la imagen que a gran velocidad logra capturar la lente de una cámara. Aunque ese es sólo el comienzo de su trabajo: luego utiliza la técnica de grabado plasmada en diferentes metales. En su obra, la profesora de arte recupera lugares de la provincia de Tucumán que cree podrían perderse, como casitas de campo, cargaderos de caña y paisajes que año tras año están más urbanizados.

La participación de Ruiz se dará en el marco de la presencia institucional de la productora de arte Rolf Art, que en la sexta edición de Buenos Aires Photo sostendrá la matriz artística del interior del país.

El proyecto de exhibición de Rolf Art consiste en llevar a un escenario de tensión los lenguajes de las artes visuales en la fotografía: fotografía blanco y negro – foto color; fotografía con audio; foto-grabado, y foto-cerámica. Además, presenta el contraste y la conjugación de los formatos grande, medio y pequeño. Además de Ruiz, participan en este proyecto las artistas Ananké Asseff y Celeste Martínez.

Buenos Aires Photo reunirá a más de 30 galerías de siete países de América y Europa. Podrá visitarse del 28 al 31 de octubre, de 13 a 21, en el Palais de Glace (Posadas 1725).


Fundación Lebenshon
Obras de Belén Romero Gunset en la Fundación Lebenshon

Bajo el título Serie PAISAJE A – 3D, Belén Romero Gunset presenta una exposición de pinturas inéditas realizadas a largo de este año.

“Hace cinco años que estoy desarrollando una serie de pinturas donde el paisaje es mi motor de reflexión sobre el mundo. Pinto como reflexión ontológica.

Siento y me inquieta el misterio que encierra cada piedra, nube, árbol, voz, sombra, color. Mi incapacidad de trascenderlos, mi lenguaje limitante.

Pinto paisajes que recuerdo, veo, pienso, construyo e imagino. Otra manera de ser de la realidad que no es visible cotidianamente.”

La muestra se inauguró el martes 19 de octubre, en la Fundación Lebenshon (General Hornos 238).

Espacio Tucumán
Marisa Rossini y Elena Blasco
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“El Idioma de la Pintura” se llama la muestra que las artistas plásticas Marisa Rossini y Elena Blasco presentan este mes en Espacio Tucumán.

Marisa Rossini

Elena Blasco

“Alguien llega, no soy yo, y declara: «Me interesa el idioma en pintura».

Alguien que, sí soy yo, piensa: «me interesa la gestualidad japonesa en pintura»

Alguien que es mi amiga me dice: «la ciudad es la naturaleza», lo leí de Baudelaire.

Entiéndanme: el que habla está impasible, ha permanecido inmóvil durante el desarrollo de su frase, cuidándose de no realizar ningún gesto.

Fíjense: durante el desarrollo de mi pintura no he pretendido dar credibilidad a la Pintura, como lo hicieron aquellos que por un motivo u otro decidieron familiarizarse con las imágenes japonesas y su cultura.

Acuérdome: en mi planimetría, en tu capa de velos. La pintura es lo que nos importa.

Simplemente llega y se anuncia: «me interesa el idioma en pintura».”

“El idioma de la Pintura” podrá visitarse a lo largo del mes de octubre, de 9 a 18, en Espacio Tucumán.

Los dibujos secretos de Francis Bacon, a través de los ojos de Horacio de Sosa Cordero, amigo íntimo del artista.

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“Un día que hará historia” – Así podría definirse la conferencia organizada el pasado 21 de octubre por Industrias Culturales Argentina y la Sindicatura General de la Nación, donde desde hace una semana se exhiben cuarenta de los dibujos extraordinarios de la Colección Cristiano Ravarino, "La Punta del Iceberg" curada por Edward Lucie-Smith y Massimo Scaringella. Dicha colección, cuya autenticidad –ya corroborada– ha estado en tela de juicio durante más de diez años, está formada por dibujos autónomos, intensos y esenciales, verdaderas obras de arte que suponen una reflexión interior, una mirada hacia atrás que realiza sobre sí mismo el propio Francis Bacon, en la que es casi su última etapa.  

Pero lo que hace único este día no es sólo el hecho de que podamos descubrir dibujos casi desconocidos, ni que se esté dando en primicia en Buenos Aires y en toda Latinoamérica. Lo que lo hace único es que los recorrimos a través de los ojos de quien fue uno de los grandes amigos de Bacon, uno de los pocos que el pintor “contaba con los dedos de una mano”… el amigo con quien compartió anécdotas, juergas, arte, malhumores, vida e, incluso, el amigo a quien llamaron para identificar su cuerpo ya sin vida, en una noche de 1992, en Madrid. Es, en definitiva, el escritor, pintor y escultor de fama internacional Horacio de Sosa Cordero.

Conversando con Horacio de Sosa Cordero

“Por puro azar, me encontré cara a cara con mi amigo hablándome desde sus trazos, desde una obra desconocida para mí y por fin salió a la luz, que merece está en los mejores museos del mundo para deleite de todos.”, dijo Sosa Cordero. Tras examinar cada uno de ellos, le ofrecimos para dar una charla al respecto, ahondando poco a poco en la obra, la personalidad y la amistad que le unió a Francis Bacon durante cuarenta años. Él es quien nos adentra, a continuación, en la vida de uno de los artistas más geniales  del s. XX. Él –junto con Francis Bacon– fueron quienes hicieron de este día un día “casi histórico”.  

Conversando con Horacio de Sosa Cordero




Usted, Horacio de Sosa Cordero, fue un gran amigo de Francis Bacon –prueba de ello son, los retratos que realizó de usted–. ¿Cómo comenzó esa amistad? ¿Y cómo describiría a Bacon?

A Francis lo conocí en los años 60, cuando era un joven artista y vivía en Londres. Nos presentó un amigo en común, David Sylvester, y así empezó una gran amistad.

¿Cómo era Bacon? Era una persona enigmática, imprevisible, de gran carisma… pero también de gran malhumor –sobre todo cuando se le hacían preguntas que no le gustaban. Por ejemplo, no se le podía hablar de pintura, aunque sí de los grandes a quien admiraba: de Velázquez, de Picasso o de nuestro gran amigo Alberto Giacometti. En fin, era enigmático, insociable, irascible, representaba todos los extremos: podía hacer un escándalo delante de la Reina de Inglaterra o ser un auténtico caballero de un vagabundo. Y, sobre todo, era muy amigo de sus amigos. Ahora que miro este autorretrato tardío suyo, realizado en 1980, recuerdo que una vez le pregunté: “¿Por qué siempre se hace tantos autorretratos, Francis?”. Y él me contestó: “Y… ¿qué quieres que haga? No tengo muchas personas para pintar, no conozco mucha gente. Además, con esta cara de puding-face que tengo… así me sale.”



La atribución de los dibujos de esta muestra de Francis Bacon ha sido objeto de polémica durante más de diez años, sobre todo a raíz de la aceptación general de que “Bacon sólo pintaba, no dibujaba”. ¿Qué opina al respecto?

Primero de todo, no se trata de una opinión. Y no puedo hablar de “atribuirle” los dibujos a Bacon, puesto que una “atribución” lleva implícito que uno no está del todo seguro. Y aquí –y esto es un hecho– estamos ante auténticos dibujos de Bacon , y eso no es discutible, como tampoco es discutible el hecho de que él sí dibujaba.

La gran confusión sobre sus dibujos la creó un artista, Michael Ayrton que escribió una nota en una revista Burlington Review of Art, en la cual señala que “Bacon no sabía dibujar”., esto lo dijo un crítico, un artista mediocre. Por lo cual, un día, Bacon se encuentra con este artista por la calle y, muy molesto, le increpa, diciéndole: “Y usted qué sabe si yo dibujo?”.

Por supuesto que dibujaba, solo que la mayoría de las veces quedaron guardados en carpetas (no podía enseñarlos por todo un compromiso comercial que tenía con cierta galerías), o los rompía y dejaba abandonados en su “burdélico” atelier de Londres. Su atelier: ese lugar que tuve el privilegio de frecuentar casi a diario, puesto que la gente que lo visitaba se podía contar sólo con los dedos de una mano.

Volviendo a sus dibujos, Francis Bacon realiza más de 300, que podríamos llamar “dibujos secretos” de Francis Bacon, como también existen los “dibujos secretos” de Leonardo Da Vinci, de Miguel Ángel Buonarotti, o de Caravaggio. Y son dibujos que regala a sus amigos y a sus amantes. Y Ravarino, en este caso, es el depositario de todos estos dibujos que Bacon dibujaba, sea en su tallar en Londres o en Bolonia, Venecia o donde fuera, en todos esos viajes que realizó a Italia.

En definitiva, es todo un honor poder contemplar esta Colección de Cristiano Ravarino, estos “dibujos secretos” suyos. Se trata de una muestra que podría estar en cualquier museo internacional, como en el Metropolitan Museum, la Tate Gallery o el Louvre. Pero hoy está aquí, en Buenos Aires, convirtiéndose en toda una primicia para América Latina.



¿Resaltaría alguno de los dibujos dentro de la Colección?

Primero de todo, habría que decir que son dibujos repentistas y de gran rapidez de ejecución, y donde se aprecia una reflexión dentro de sus obras, una vuelta a sus temas constantes: los autorretratos y retratos, las Crucifixiones, los Papas… De hecho, la representación del Papa Inocencio X, después de Velázquez, es una de las constantes dentro de la obra de Francis Bacon, datándose su primer cuadro al respecto de 1947. Este dibujo en particular, realizado entre los años 70-80, es una obra magistral donde se pueden ver todas las consecuencias de su obra pictórica anterior, como se puede apreciar en el resto de la colección: el carácter nervioso de sus líneas, las deformaciones, las composiciones simples, sus atmósferas, la insinuación… Esto me recuerda cuando le preguntaba por su pintura, a lo que él me contestaba: “Horacio, mi pintura consiste, antes que nada, en un juego. Y en el azar. Y en la pura intuición. El juego, y la casualidad, y la forma de capturar la apariencia con un monto de sensaciones”. Palabras de Bacon.



Podríamos decir que la obra de Bacon estaba inmersa en sentimientos irracionales, en fuerzas contenidas, en intuición, en “fatalidad”, quizás. Pero… ¿y su vida?

Francis Bacon estuvo siempre rodeado de la fatalidad, como él decía. Todos sus grandes amigos y sus amantes, iban muriendo, uno tras otro. Y, así, se iba quedando, día tras día, año tras año, solo. Por eso, en su vida enigmática, él siempre dijo “Estoy rodeado de muerte”. soy uno de los pocos amigo de Bacon que quedan con vida.

ÉL amaba la vida, el casino, las tertulias, los buenos restaurantes, la bebida, las juergas, los bares… Recuerdo, por ejemplo, el primer viaje que hizo a Madrid, que lo hizo conmigo. “Horacio, llévame a España”. Y allá que fuimos, porque le encantaban las corridas de toros. Entonces, él estaba en Londres, yo en París, y nos encontramos directamente en Madrid. A partir de entonces tomaba el avión y viajaba muchas veces a Madrid, aprovechando siempre para visitar el Prado y ver a sus pintores favoritos: Goya, Velázquez y Picasso, en su último viaje, en el año 92, fue a Madrid junto con su amigo John Edward para asistir a una extraordinaria exposición de Velázquez. Pero tuvo un ataque cardiaco y lo internaron en una clínica... Y él, que nunca fue practicante ni pisó una iglesia, lo pusieron en la clínica al cuidado de dos monjas…. Y bueno, ahí fallece. John Edward me llamó por teléfono a París, y viajé a Madrid para identificar el cuerpo y arreglar todas esas cosas de las que hay que ocuparse en esas circunstancias, tan desagradable y triste, siendo un amigo.



¿Cómo calificaría esta colección de dibujos de Bacon? ¿Por qué es tan importante?

Considero que estos dibujos son de importancia trascendental para el arte y que van a abrir nuevos caminos a los jóvenes artistas. No solamente son importantes por la calidad y ejecución, sino porque marcan el último período de Francis Bacon, en el cual él realiza los dibujos con gran pensamiento y entereza marcando toda su obra realizada anterior. Voy a decir algunas palabras de Bacon, porque para Bacon la pintura –o el dibujo, que lo realizó– era un juego. Voy a responderle con estas, palabras de Francis: “Todo el arte es ahora una especie de juego en el que el hombre se distrae. Y es bueno decir que siempre fue así: absolutamente un juego. Yo pienso que, en ese sentido, las cosas han cambiado, y lo que será realmente fascinante es que este juego va a ser más difícil para el artista, pues tendrá que profundizar más aún el juego para sacar de él algo bueno”. Palabras de Bacon, que son una gran enseñanza para los nuevos artistas y para la aventura del arte, del siglo XXI

Horacio de Sosa Cordero
Primavera del 2010

CICLO ARTE LATINOAMERICANO: Arte y Activismo en Argentina

Arte y Activismo en Argentina. Mesa redonda en la Universidad Europea de Madrid (Campus de Villaviciosa de Odón, Edifico A, Salón de Grados).
Fecha: 25 de octubre de 2010. De 12,30 h. a 14,30 h.

Participantes:
Dña. Carolina Golder, artista visual, miembro del Grupo de Arte Callejero (GAC) de Buenos Aires y profesora del Instituto Universitario Nacional de Arte de esta ciudad (IUNA).

Dña. Liliana di Negro, artista visual, miembro del colectivo Urbomaquia (artistas sin red) y profesora de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC)

D. Leo Ramos, arquitecto y gestor cultural del Museo de Medios de Comunicación de Resistencia.

La situación del arte en Argentina es sustancialmente diferente a la que vivimos en España y allí las implicaciones de artistas y arquitectos con la defensa de los derechos humanos y con la sociedad civil tiene un grado de implicación muy superior al que estamos acostumbrados en Europa.

Los tres invitados, que expondrán sus planteamientos y mostrarán sus trabajos más emblemáticos, han colaborado en la fase latinoamericana del proyecto de investigación Interacciones (post) Electorales, impulsado por la Universidad Europea de Madrid y dirigido por el Dr. D. Joaquín Ivars, director del Área de Arte y Diseño de esta Universidad. Se encuentran en España para participar en la Jornadas Red Global, para la participación ciudadana, organizadas por la Sala Parpalló de la Diputación de Valencia, y en el proyecto Arte, cultura e impostura que Domingo Mestre, también profesor de la Universidad Europea de Madrid, presentará ese mismo día en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Alicia Candiani y Andrea Juan en la 4 Bienal Internacional de Arte de Beijing

En el Museo Nacional de Artes de China inauguró el 20 de Setiembre la 4 Bienal Internacional de Arte de Beijing, en esta edición el tema fue Medio Ambiente, Arte y Hombre. El envío Argentino estuvo compuesto por Alicia Candiani y Andrea Juan con obra digital y fotografía.

                                                     Andrea Juan y Alicia Candiani  en Beijing.
La exhibición cuenta con obras de más de 500 artistas de los 86 países participantes y Andrea Juan recibe el Premio de la Bienal por la excelencia de la obra.

Expo Shanghai 2010
Desde el 2 de octubre Andrea Juan presenta la muestra Proyecto Antártida 2005/2010 en el Pabellón Argentino de la Expo Shanghai 2010 que podrá visitarse hasta el cierre de la Expo el 31 de Octubre.

La exhibición está compuesta por diferentes series de fotografías de 100 x 150 cm llevadas a cabo a través de performances y video instalaciones en la Antártida entre el año 2005 y el 2010. El proyecto se basa en las investigaciones sobre el cambio climático realizadas por científicos de la Dirección Nacional del Antártico.

Proyecto Antártida en Beijing.

La muestra, que tiene carácter itinerante, se presentará el 22 de Octubre (en paralelo a la Expo), en el National Center for the Performing Arts, Beijing. Luego se exhibirá, en la National Library y la UIBE University de Beijing hasta mediados del 2011.

Muestra Realidad y utopía 200 años de arte argentino: una visión desde el presente

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La muestra Realidad y utopía 200 años de arte argentino: una visión desde el presente, curada por Diana Wechsler, estará abierta al público hasta el 14 de noviembre de 2010 en la

la Academia de las Artes de Berlín (Akademie der Künste sede Pariser Platz), frente a la emblemática Puerta de Brandeburgo.

Obras de más de 70 artistas modernos y contemporáneo argentinos.

Integran la exposición, entre otros, obras de los siguientes artistas argentinos: Roberto Aizenberg, Carlos Alonso, Luis Fernando Benedit, Antonio Berni, Oscar Bony, Horacio Coppola, Víctor Cúnsulo, Ernesto Deira, Juan Carlos Distéfano, Juan Doffo, Hernán Dompé, Diana Dowek, Ana Eckell, Leonardo Erlich, Tomás Espina, Sara Facio, Fernando Fader, León Ferrari, Lucio Fontana, Raquel Forner, Leónidas Gambartes, Víctor Gómez, Sebastián Gordín, Carlos Gorriarena, Víctor Grippo, Alfredo Guttero, Miguel Harte, Alberto Heredia, Alfredo Hlito, Enio Lommi, Andrea Juan, Gyula Kosice, Guillermo Kuitca, Fortunato Lacámera, Raúl Lozza, Leonel Luna, Jorge Macchi, Rómulo Macció, Tomás Maldonado, Martín Malharro, Matilde Marín, Benito Quinquela Martín, Marta Minujín, Adolfo Nigro, Charly Nijensohn, Luis Felipe Noé, Daniel Ontiveros, Onofrio Pacenza, Esteban Pastorino, César Pasternosto, Teresa Pereda, Diego Perrota, Emilio Pettoruti, Enrique Policastro, Marcela Pombo, Liliana Porter, Juan Del Prete, Alejandro Puente, RES, Silvia Rivas, Josefina Robirosa, Juan Carlos Romero, Miguel Rothschild, Graciela Sacco, Daniel Santoro, Tomás Saraceno, Mariano Sardón, Eduardo Sívori, Xul Solar, Lino Enea Spilimbergo, Eduardo Stupía, Juan Travnik, Carlos Trilnick, Nicolás García Uriburu, Jorge de la Vega, Mariana Juana Heras Velazco, Juan Andrés Videla, Yente, Horacio Zabala y Facundo de Zubiría.

El arte argentino, paralelamente a su rica y compleja historia, se ha desarrollado entre dictaduras, crisis y reformas democráticas como un importante medio de crítica social y opinión política.

El foco del debate es la cultura de la memoria y la búsqueda de identidad dentro de la historia contemporánea, es decir, a partir de los inicios del siglo 20.

La exposición está acompañada de un extenso catálogo (castellano / inglés) para ampliar la difusión del arte argentino.

Identidad del Sur. Arte Argentino Contemporáneo en el instituto Smithsoniano de Washington

Homenaje al arte contemporáneo argentino en los Estados Unidos.
El próximo martes 12 se inaugurará la exposición ´Identidad del Sur. Arte Argentino Contemporáneo´ en el complejo de museos más importante de los Estados Unidos, el instituto Smithsoniano de Washington.

Esta muestra, una de las más importantes realizadas en el país del norte, está estructurada en cuatro ejes temáticos: “La impronta política”, “El paisaje inmanente”, “Apuntes sobre la identidad” y “Poéticas de la abstracción”.

Los artistas participantes son: Jorge Abot, Fernando Allievi, Carlos Alonso, Nicola Costantino, Miguel D'Arienzo, Juan Carlos Distéfano, Hernán Dompé, Susana Dragotta, Fermín Eguía, León Ferrari, Daniel García, Norberto Gómez, Eduardo Iglesias Brickles, Enio Iommi, Gyula Kosice, Marcos López, Jorge Macchi, Marta Minujín, Ariel Mlynarzewicz, Luis Felipe Noé, César Paternosto, Duilio Pierri, Rogelio Polesello, Víctor Quiroga, Tulio de Sagastizábal, Daniel Santoro, Marcia Schvartz, Antonio Seguí, Pablo Siquier, Eduardo Stupía, Marcelo Torretta, Facundo de Zuviría.

La muestra permanecerá abierta hasta el 23 de enero de 2011

Inauguración oficial del IV Premio de Pintura Banco Central 2010

El próximo miércoles 13 de octubre a las 19 se realizará la inauguración oficial y acto de premiación del IV Premio de Pintura Banco Central 2010. Dicho acto se realizará en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo). La misma estará en exhibición hasta el 31 de octubre.
La muestra del IV Premio de Pintura Banco Central 2010 está compuesta de 41 obras. El Jurado de Selección (integrado por Rosa Aiello, Ernesto Ballesteros, Oscar Smoljan, Juan Astica y Eduardo Stupia) tuvo que elegir las 38 obras finalistas. En el acto de premiación el Jurado de Premiación (Luis Wells, Mónica Guariglio, Fernando Farina, Juan Andrés Videla y Ana Battistozzi) determinará las obras premiadas.

Por otro lado, el Jurado del Gran Premio Homenaje (compuesto por Luis Felipe Noé, María Teresa Constantín y Juan Doffo) distinguió al artista Alejandro Puente. El Jurado lo homenajeó por considerarlo uno de los más relevantes artistas de la Argentina, buceador de nuevos lenguajes y a la vez poseedor de una impronta personalísima que marca, en nuestra historia plástica, un punto de cruce entre las vanguardias que de los años ’60 del siglo pasado con la gran tradición de las culturas precolombinas. La obra adquisición, Yocavil II, 1983 acrílico s/tela, 120 x 120, la obra es notable exponente de esa línea de trabajo que dio un nuevo concepto de la modernidad plástica, ligado a nuestra identidad cultural.

Las obras premiadas de esta cuarta edición pasarán a formar parte del acervo pictórico y permanente del BCRA. La convocatoria a esta cuarta edición reunió 672 artistas que presentaron más de 2000 obras.

Una vez concluida la exposición en el Museo Eduardo Sívori, las 41 obras (finalistas y premiadas) compondrán la muestra itinerante del Premio Nacional de Pintura Banco Central 2010 que durante 2011 recorrerá diferentes ciudades del país. Esta acción permite una llegada directa del Banco Central a instituciones culturales de todo el país.

De esta manera, el Banco Central reafirma su relación con la comunidad promoviendo el arte contemporáneo argentino en pos de la integración y del afianzamiento de la identidad nacional.



Listado de finalistas
IV Premio de Pintura Banco Central 2010

Gran Premio Homenaje



1. Alejandro Puente
Yocavil II / acrílico sobre tela / 120 x 120 / 1983 (adquisición)

2. Alejandro Puente
Chamal / acrílico sobre tela / 121,5 x 102,5 cm / 1990

3. Alejandro Puente
Tuyunti / acrílico sobre tela / 100 x 100 / 1987



Categoría mayores de 35 años

4. Carolina Beatriz Antoniadis
Paréntesis / acrílico y laca sobre tela / 100 x 180 cm / 2010

5. Carlos Eduardo Bissolino
Código Picto / acrílico sobre tela / 180 x 150 cm / 2010

6. Natalia Cacchiarelli
Serie converse / acrílico sobre tela / 130 x 180 cm / 2009

7. Diana Dowek
Cortes, Serie Astilleros / pintura acrílica y trabajo fotográfico sobre tela / 170 x 150 cm / 2009

8. Onofre Roque Fraticcelli
La Parca / acrílico pigmento sobre tela / 172 x 180 cm / 2010

9. Fernando Ariel Jereb
Casas / acrílico sobre lienzo / 80 x 140 cm / 2010

10. Valeria Maculan
Lago / acrílico sobre papel / 78 x 114 cm / 2009

11. Alberto Méndez
Sin título / Tinta sobre papel / 178 x 128 cm / 2010

12. Dante Montich
Sin título / acrílico sobre tela / 150 x 150 cm / 2009

13. Pablo Páez Riva
Eclipse / acrílico sobre tela / 200 x 150 cm / 2010

14. Jorge Pietra
Piano-Piano / acrílico sobre tela / 180 x 180 cm / 2010

15. Felipe Carlos Pino
Saludo Final / acrílico y óleo sobre tela / 180 x 130 cm / 2009

16. Jorge Horacio Pirozzi
La Ducha / acrílico sobre tela / 136 x 176 cm / 2009

17. Mercedes Ramayón
Sin Título / óleo sobre tela / 130 x 180 cm / 2010

18. Magdalena Rantica
Húmedas y aéreas raíces / acrílico sobre tela / 150 cm de diámetro / 2009

19. Ricardo Roux
Carta para la oficina / esmalte acrílico / 130 x 160 cm / 2010

20. Hernán Salamanco
Abstractivista / esmalte sobre chapa / 200 x 150 cm / 2010

21. Jorge Sarsale
Sin Título / técnica mixta / 170 x 160 cm / 2010

22. Roberto Mauricio Scafidi
Espejo de tus ojos / acrílico sobre tela / 250 x 170 cm / 2009-10

23. María Cristina Schiavi
Algo me está tocando / pintura sobre madera / 147 x 117 cm / 2008

24. Richard Sturgeon
Mancha Violeta Peluda / óleo sobre tela / 170 x 170 cm / 2010

25. Marcelo Torretta
Sin Título / acrílico sobre tela / 149 x 149 cm / 2008

26. Mariano Vilela
El columpio / grafito y barniz sobre papel/ 106 x 143 cm / 2010

27. Horacio Zabala
Hipótesis XII / acrílico sobre tela, esmalte sobre madera / 100 x 180 cm / 2010

28. Carola Zech
Magnético 106 / Acero policromado con pintura bicapa y acrílica, imanes / 150 x 180 x 8 cm / 2010

29. Ana Zitti
Sin Título / acrílico sobre tela / 100 x 100 cm / 2010



Categoría menores de 35 años:

30. Delfina Bourse
Sin título / acrílico y óleo pastel sobre MDF / 150 x 100 cm / 2010

31. Laura Códega
Nostalgia del Paraíso # 3 / jugo de limón sobre papel revelado por acción del fuego / 70 x 100 cm / 2010

32. Diego De Benedetto
Coleccionista de niveles de lectura / impresión digital sobre tela / 120 x 177 cm / 2010

33. Martín Di Paola
Concreto-diversión III / sintético sobre madera / 150 x 150 / 2010

34. Noelia Farías
La visita / óleo sobre tela / 120 x 120 cm / 2009

35. Mariana Ferrari
Sin Título / técnica mixta sobre papel / 155 x 178 / 2010

36. Margarita García Faure
Sin Título / óleo sobre tela / 280 x 180 cm / 2008

37. García Mar
Pongo el mundo en off / óleo y esmalte sobre nylon con resina / 137 x 180 cm / 2010

38. Laura Langer
Sin Título / óleo sobre tela / 135 x 105 cm / 2010

39. Jazmín López
Negra la línea recta / óleo sobre tela / 220 x 180

40. Pablo Lozano
Sin Título díptico / acrílico sobre acero inoxidable / 100 x 100 cm / 2010

41. Marina Marré
Serie de boyas tramadas 3 / collage y sintético / 70 x 120 cm / 2010



Banco Central de la República Argentina
1935-2010
75º Aniversario

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Hector Tizón y Sara Facio presentan AMÉRICA, un libro de fotografías de SEBASTIÁN SZYD | 16/10 en el CCEBA San Telmo‏

AMÉRICA

UN LIBRO DE FOTOGRAFÍAS DE SEBASTIÁN SZYD

Presentan: Hector Tizón y  Sara Facio

Música + danza + proyecciones + comida norteña

16 de octubre, 18 hs

CCEBA Sede Balcarce 1150

Entrada libre y gratuita

El Centro Cultural de España en Buenos Aires presenta América, un libro de fotografías del argentino Sebastián Szyd. La publicación es una edición de Sara Facio, con prólogo de Héctor Tizón y diseño de Oscar Pinto.

Son 60 fotografías en blanco y negro publicadas por La Azotea.

La apertura de la presentación se realizará en el patio de la SEDE San Telmo del CCEBA con una banda de Sikuris, danza,  proyecciones y comida norteña. El cierre estará a cargo de la cantautora y percusionista Mariana Baraj con canciones a capela.

SEBASTIÁN SZYD (Buenos Aires, 1974) a los 19 años, con cámara fotográfica y mochila, inició una serie de viajes por Latinoamérica que se extenderán por más de dos décadas.
A partir de 2003 comenzó a desarrollar una nueva serie de imágenes: América. En este ensayo retrata la vida y las costumbres de los pueblos andinos de la Argentina, Chile, Bolivia, Perú, y Ecuador.
Colaboró en los principales medios gráficos de América y su obra ha sido expuesta y publicada de manera individual y colectiva en su país y en el extranjero.

Sus fotografías se encuentran en colecciones públicas, como la del Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires y en numerosas colecciones privadas de Argentina, EEUU y Europa.
Acaba de obtener la Beca de Fotografía 2010 de la Fundación Guggenheim.

CONVERSACIONES SOBRE ARTE MADI

El jueves 7 de octubre a las 18:30 se llevará a cabo en elCentro Cultural Borges, la conferencia CONVERSACIONES SOBRE ARTE MADI, coordinada por Sarah Guerra y en la que participarán los artistas que exhiben en la muestra MADI INTERNACIONAL, actualmente en exposición.

El ciclo de charlas se completará el jueves 14 de octubre, también a las 18.30

Centro Cultural Borges

Viamonte esq. San Martín

Informes: 5555-5359 / 4311-4865

Enero 2005… un encuentro con Carmelo Arden Quin.

 por Roberto Graziano.

Sentí la sensación que una ´gran hélice´, como la de los Coplanales, mantenía la casa suspendida en el espacio.

Luego vino Sofía Müller a recibirnos y esperamos a Carmelo, al llegar, nos invitó a pasar a otra habitación.

Por todas partes se encontraban obras, en las paredes, por el piso; nuevas y antiguas.

Quería aferrar en mis ojos toda aquella maravilla; pretendía descifrar a aquel hombre; que con más de 90 años, transmitía tanta historia y energía.

 

Un pedazo del Arte del siglo XX estaba allí, frente a mí, Presente.

No veía el momento de fotografiarlo; comencé a hacerlo lentamente; digamos en punta de pies, para no invadir toda esa armonía.

Después de varias tomas; descubrí la presencia de un pequeño espejo sobre un mueble; en el cual fortuitamente se reflejaba Sofía.

Tomé distancia, encuadré y disparé.

Con gran asombro; señalándome el espejo con su dedo y mirándome a la cara; Carmelo me dijo: - También ella?.

Ese hombre con más de 90 años de ojos pícaros y  aún vivaces, había comprendido toda la escena…

Volvimos a encontrarnos en Diciembre de 2009, pero ésta es otra historia…

Roberto Graziano

30 de septiembre 2010   4 am.

Copyright©Roberto Graziano
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Roberto Graziano.Nacido en Buenos Aires.
Reside en Roma desde 1978. Se desempeña como diseñador textil entre 1979 y 1987, creando un estudio en Roma y obteniendo el reconocimiento y auspicio de la "Regione Lazio" y el "Comune di Roma". En 1989 retoma la actividad fotográfica con Federico Fellini, como fotógrafo de escena en los estudios de Cinecitta.

Magda Frank. Homenaje a la escultora a solo un mes de su gran una retrospectiva en el Museo Oscar Niemeyer de Brasil.

Por Mariana Rodríguez Iglesias

El viernes 24 de septiembre la Universidad del Salvador organizó un panel de notables que conversaron sobre la obra de la gran artista húngara de nacimiento y franco-argentina por elección, Magda Frank.

                                                                          Nelly Perazzo

El auditorio de la USAL brillaba con luz propia iluminando la figura y el derrotero artístico de esta escultora que dejó más de veinte monumentos en Francia. Sobre el escenario, un panel de figuras importantísimas de nuestra Academia de Bellas Artes y de la cultura en general expusieron diversos temas, configurando un retrato coral de Magda Frank, su vida y su obra.

El panel fue moderado por la Prof. Nelly Perazzo, quién dio la palabra al Sr. Alberto Piñeiro. Éste conferenció sobre la exhibición de Frank realizada en el Museo Saavedra, la experiencia de haberla entrevistado y alojado su obra. Luego, la Dra. en Historia e Investigadora de temas precolombinos, Ruth Corcuera, se expresó sobre el vínculo de Frank con el universo simbólico precolombino. A continuación, se conversó sobre las esculturas públicas y sus particulares emplazamientos, en palabras de la Prof. María del Carmen Magaz. El panel de notables, se cerró con la oratoria del director de la Casa-Museo Magda Frank, Tulio Andreussi, quien en pocas, pero emotivas palabras, recordó a la artista y comentó la futura exhibición en el Museo Oscar Niemeyer de Curitiba, Brasil.

                                                                        Ruth Corcuera

A fines de octubre, el Museo Oscar Niemeyer, localizado en Curitiba, Brasil, hará una retrospectiva de su obra –la primera gran exhibición exhaustiva de su trabajo en América. Se presentará un catálogo con textos críticos escritos por Perazzo, Corcuera y Magaz, quienes con su labor de profundización, contextualización e investigación lograron aportar nuevas miradas a la historia de esta mujer increíble. El catálogo será un libro de estudios para generaciones futuras, historiadores del arte e investigadores en la temática, dado que no existe hasta la fecha ensayo alguno que aborde de manera meticulosa y erudita la obra de Magda Frank. La sala Frida Khalo del MON alojará piezas escultóricas en diversos materiales, representando así el amplio espectro de intereses plásticos de Magda y la maestría demostrada con cada técnica; bronce, mármol, madera y siporex. Asimismo, el público podrá disfrutar de trabajos bidimensionales tales como relieves, dibujos exploratorios, bocetos, planos de monumentos y otras búsquedas preliminares. Por último, pondremos a disposición del visitante una serie de escritos de Magda Frank, los cuales son una clave de acceso fundamental a su legado.

Durante su búsqueda figurativa, sin dudas, es el Hombre Grande (1952) la obra de mayor envergadura. Concebida un año antes de realizar su primera exposición en la Argentina, es un trabajo donde se condensan el dolor con la esperanza. El hombre mira al cielo, esperando encontrar una respuesta. De está época de su vida artística, tenemos testimonios del crítico de arte Córdoba Iturburu quien escribe en el diario Clarín del 20 de junio de 1953: “La primera exposición que ella realiza nos pone frente a un auténtico valor, un espíritu vigoroso, un metier perfecto, siempre en búsqueda de renovación”, con motivo de su primera exposición personal en la Galería Henry de Buenos Aires, según apuntara Héctor Tizón al redactar su biografía.

El Hombre Grande (1952)
Gracias a que Magda llevó con diligencia y constancia el hábito de escribir en un diario, sabemos de la importancia de Hombre Grande. Según ella apuntara: “refleja mi alma. Cada parte, como el conjunto, expresa una desesperación infinita. Nadie lo quiere, él acusa, sacude al espectador. Mirando al Cielo, pregunta: ¿por qué tenemos que sufrir tanto? Quién pregunta, todavía, espera…".
Se destaca el valor del acervo documental y el rol principal que juegan los textos redactados por la artista misma siendo el Diario una joya infinitamente atesorable. Hoy, éste testigo mudo es uno de los manuscritos más interesantes dentro de los más de cientos de escritos protegidos por el Archivo Magda Frank con sede en su Casa-Museo del barrio de Saavedra.

Diálogo (1967) representa la indagación en el terreno de la geometría abstracta. Frank había regresado a París, donde la reciben con exposiciones, comisiones de monumentos y participación de certámenes internacionales. Encarna su camino propio en dirección al constructivismo, el cual muy pronto se separa de su exponente internacional para constituirse en un desarrollo que empieza, tímidamente, a interesarse por las formas precolombinas. Se trata de un punto de llegada de una serie de composiciones donde los vacíos cobran jerarquía adquiriendo el mismo valor que los llenos. Los volúmenes son rectos, cúbicos y de la figura humana sólo queda una sugerencia de proporciones.

Diálogo ( 1967)

En 1975, año de exposiciones y construcción de numerosos monumentos en toda Francia, termina de tallar Vegetation. Es un exponente de la renovación constante de su imaginario, el cual se ve animado por un soplo vivo, una suerte de movimiento de ascensión. En este captar el movimiento y darlo como consciencia nueva a la pieza podemos encontrar su deuda de admiración hacia el gran Constantin Bracusi. Aquel, padre indudable del esencialismo estético del siglo XX, como señala Nelly Perazzo en su homenaje a la artista, “le enseña a dejar de lado la intervención exterior de los datos naturales para lograr un criterio de construcción regido pos sus propias leyes”.

Vegetación (1975)

En términos de su acercamiento al universo precolombino, a la intersección de este primitivismo con su pulsión de monumentalidad, es tal vez  la más fuerte y elocuente de sus obras. Es una pieza contundente, fuerte, directa. Es un monumento a la eternidad, llevando su historia a cuestas. Como demostrará Ruth Corchera, “la mayoría de las esculturas de Magda Frank aluden al dualismo”. En Progresión Geométrica el dualismo está dado en la tensión de formas que pujan por una fuerza centrífuga en oposición a indicios de reconcentración, de energía centrípeta. Aparece, a su vez, huellas de Qutzalcoatl, en las enroscadas formas; el universo precolombino es remitido en lo más profundo de su simbología, en su verticalidad, en la síntesis. En todos los casos, vamos a encontrar la afirmación de una monumentalidad inmanente; sin dudas, ecos de grandeza tan afines a la obra de Henry Moore, como aquel fue afín a lo precolombino.

Progresión Geométrica

La primera vez que una exposición de Mgada Frank llega a Brasil es en 1957, cuando participa en la Bienal de Saô Paulo. Ese mismo año, talla su primera escultura en madera, abandona para siempre el trabajo en arcilla y comienza una extensa serie de estelas en madera y piedra.

Más de 50 años después, luego de haber dejado una serie de más de 20 monumentos en Francia y una Casa-Museo cobijando infinitas piezas, el derrotero de una vida vuelve a pisar suelo brasileño.

Mariana Rodríguez Iglesias
Asistente de dirección y curaduría
Casa-Museo Magda Frank

Créditos
Fotos panel: Rodolfo Schmidt
Fotos obras: Gustavo Lowry

Agradecimientos
Maria del Carmen Magaz y Lucrecia Palacios (USAL)
Rita Zalazar (Casa-Museo Magda Frank)