domingo, 27 de julio de 2008

BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURA - CHACO

8 días de fiesta y trabajo en el Domo del Centenario “Zitto Segovia”, de Resistencia.

ver portal Oficial de la Bienal
www.bienaldelchaco.com/

ver mas sobre la Bienal en
http://www.arsomnibus.com.ar/muestras/detalle.php?id=4610

Un gran equipo


Los escultores que trabajaron bajo el cielo chaqueño, la madera, material elegido especialmente por cumplirse los 20 años de la Bienal, fueron:

Stefan Ester - Alemania. /Juan Pezzani - Argentina. / Cicero D'Avila - Brasil. /Liliya Pobornikova - Bulgaria. / Domenico Di Guglielmo - Canadá. / Ali Honarvar - Irán. / Toru Saito - Japón. / Pool Guillén Bezada - Perú. / Pawel Chlebek - Polonia. / Vladan Martinovic - Serbia.Invitado especial.Alexander Eremin - Rusia.

Fuera del concurso:
La escultora aborigen Santa Oliva, Pueblo Qom. Con su obra ´El Canto de los Pájaros.´
El Escultor chaqueño Daniel Ventur, con su obra ´La memoria de los tiempos.´
El escultor Mauro Musante con ´La máquina de Volar´.
Y el escultor boliviano León Saavedra Geuer, (integrante del jurado) con su escultura acuática efímera.

Los Premios.
El Jurado integrado por el chileno Cristian Salineros, la mejicana Yvonne Domenege y el boliviano León Saavedra Geuer, fue responsable de 11 de los 15 premios entregados en la bienal.

Los Jurados

1-Premio del Jurado
2-Premio De los Escultores “Efrain Boglietti”.
3-Premio del Público.
4-Premio de los Niños.
5-Premio DESAFIO, participaron 15 Escuelas de Arte de todo el país.

EL GRAN PREMIO DEL JURADO,

(U$S 10 mil), fue para “Moisés” del artista alemán Stefan Ester.
Stefan, recibió también uno de los premios más importantes, el premio de sus pares: PREMIO de los Escultores “Efrain Boglietti”.



















La búlgara Liliya Pobornikova, la única mujer del grupo de artistas participantes, se llevó el Premio del Público (Juan Alberto García), El Premio de los Niños (Reinaldo O. Martínez) y el premio Fibertel, con la obra “Honrarás a tu Padre y a tu Madre”


















El japonés Toru Saito recibió el premio
“Fondo Nacional de las Artes” y la mención especial “Telecom”. Por su obra: “Cielo a la Tierra, Lluvia”, realizada en URUNDAY. Toru, busdista, confesó que tuvo que leer sobre Los 10 Mandamientos tema de esta bienal.














OTROS PREMIOS

Premio “Mojón” (Poder Legislativo): Ali Honarvar, de Irán.
• Premio “Secheep”: Juan Pezzani, de Argentina.
• Premio “Ecom Chaco”: Pool Guillén Bezada, de Perú.
• Premio “Banco de la Nación Argentina”: Domenico Di Guglielmo, de Canadá.
• Premio “Standard Bank”: Cicero D’Avila, de Brasil.
• Premio “Honda”: Vladan Martinovic, de Serbia.
*Premio “FemeChaco”: Pawel Chlebek, de Polonia.


Presencia de la comunidad Aborigen.“El Canto de los Pájaros” es el nombre de la obra de Santa Oliva, la escultora aborigen qom de 52 años de edad invitada a participar en la Bienal, que con la ayuda de un grupo de aborígenes secaron las totoras al sol que luego trenzaron para dar forma a su instalación que cuenta la historia de un pájaro dormilón, que duerme todo el día y sale de noche.

El grupo de Los tobas estuvo formado por, Santa Oliva, Diego Castro, José Zalina, Marcelo López, Samuel Ramírez, Oscar Gómez, Alicia Leiva, Isabel Morón, Silvia Quiroga, Sara Patricio, Delia Fernández y Crispín Gómez.

























sábado, 19 de julio de 2008

El MAM, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de San Pablo, obra del arquitecto Oscar Niemeyer, insertado en el extenso parque de Ibirapuera, en medio de los jardines diseñados por el paisajista Burle Marx, conmemora sus 60 años, con una de las exposiciones más esperadas de 2008, inaugurada el martes pasado:
“Marcel Duchamp: uma obra que não é uma obra de arte”

Acercamos un anticipo del montaje de la muestra que a fin de año podrá verse en las nuevas salas de la Fundación Proa, según el acuerdo firmado entre ambas instituciones y un fragmento de las notas realizadas por Duchamp para su obra EL GRAN VIDRIO.

Elena Filipovic, historiadora del arte e investigadora especializada en Duchamp, es la curadora en ambas sedes.

Ducamp en el MAM de San Pablo, Brasil.
Marcel Duchamp: uma obra que não é uma obra de arte”

16/7 a 21/9,
MAM-SP (Parque de Ibirapuera – Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº
R$ 5,50
http://www.mam.org.br/
(11) 5085-1300












Se podrá ver una de sus obras mas importantes
EL GRAN VIDRIO (1915 - 1923)
Duchamp y Le Grand Verre,

Ver mas sobre Duchamp

nota relacionada

Fragmento de las Notas de Duchamp para la creacion de
EL GRAN VIDRIO

Cronología
Listas generales

65 - Textos (caligrafía / y otros) hecho -seleccionado -/ para caligrafía

66 - para el texto de / la Novia puesta al desnudo hacer un libro redondo, es decir, / sin principio ni fin / (ya sea que las hojas estén / sueltas y sean ordenadas / por la última palabra de la página /repetida en, la página siguiente (no / páginas numeradas) -ya sea que / el lomo este hecho con aros / alrededor de los cuales / giren / las / paginas (croquis)

Ver también / para la forma / de las páginas. .

67 - Ejecutar un cuadro sobre vidrio tal que / no tenga ni cara, ni reverso; ni arriba, ni / abajo.

…………………………………………..

88 - (dorso: aviso general, 1914)
Además, contamos igualmente con usted para facilitar nuestra tarea proporcionándonos los datos que solicitamos a continuación.

1.0 - Tiene a su marido, hermano o hijos movilizados o movilizables.

2.0 - Puede usted hacerse cargo mientras duren los acontecimientos de uno o más hijos de nuestros camaradas ausentes. (Quizás podamos hacer que sea indemnizado por el municipio).

3.0 - Consentiría, en caso de necesidad, en confiar uno o varios de sus hijos a otros camaradas. I

4.0 - Se ruega a los familiares de nuestros amigos que deseen dejar la
Capital y reunirse con sus familiares en provincia, nos lo comuniquen.

………………

104 - los grupos o las familias. (botellas de marcas, uniformes y libreas etc.) su papel en el cuadro -/ señalar la acción astringente en la novia. I nudo gordiano (para la caída de peso). I metal negro de la bola. I la palabra
Paquete (emplearla) I la palabra frasco I la palabra barra / en lugar de eje I La palabra aparato en lugar de máquina I también la palabra sesgo, sesga. I también la palabra "campo" en el sentido I figurado de cantidad de espacio plano limitado I Buscar otra palabra que materia, metal, sustancia, para I el texto. (utilizar materia orgánica I para ciertas partes) I avispa). I la palabra cuerpo, por ejemplo (o cuerpo material I (?) I La grúa -transporte fijo -o nexo móvil. I Buscar (en el Estilo) "palabras primeras" (sólo divisibles por sí mismas y por la unidad)
Título Título definitivo: I La novia puesta al desnudo por sus solteros incluso I para dar al cuadro el aspecto de continuidad y I no dar pie a la objeción de haber hecho solamente / la exposición de una batalla de muñecas sociales. = La novia I posee a su pareja y los solteros ponen a su I novia I al desnudo. I Como subtítulo: (máquina agrícola) o "aparato agrícola / extra muros".

sábado, 12 de julio de 2008

ARCHIVO: IV Salón Anual del Museo `ROSA GALISTEO` 1927

ver muestra en ARSOmnibus
(reprodución del texto del catalógo)
Horacio Caillet-Bois.
Director del Museo "Rosa Galisteo de Rodriguez".
Santa Fe, julio de 1927.


PREFACIO

Este IV Salón Anual del Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez" constituye, al par que una demostración del grado de cultura artística alcanzado por la ciudad de Santa Fe en los últimos tiempos, una continuación y ratificación de los principios y doctrinas estéticos sustentados en todo momento por la Comisión Provincial de Bellas Artes. En las distintas muestras anuales que esta comisión lleva realizadas, y que de manera tan decisiva han contribuido a cimentar los prestigios de Santa Fe en el orden y campo de las actividades artísticas) se ha prescindido deliberadamente de todo lo que pudiera ser una traba para los artistas en el libre corso de sus temperamentos y vocaciones. Claro está que se ha procedido con el más severo contralor artístico, tratando de evitar, en todo lo posible, que en nombre de supuestas prerrogativas, que mal haríamos en llamar del arte -puesto que el arte es, ante todo, sujeción obediente a ritmos y armonías preestablecidos -se sancionaran audacias que nada tienen que ver con los naturales impulsos del talento o los arrebatos profético del genio. Pero de manera alguna se ha llevado ese escrupuloso examen crítico de las obras que se presentan a su juicio hasta el punto de convertir las tareas de dirección estética que competen, en nuestro medio, a la Comisión Provincial de Bellas Artes, en una función de policía artística sujeta a cánones y reglamentos puramente clasicistas.
Prueba de ello lo constituyen acabadamente todas y cada una de sus exposiciones anuales -para citar las más representativas –que reúnen en las Salas del Museo "Rosa Galisteo de Rodriguez" las distintas expresiones y modalidades artísticas en que florecen las artes plásticas en nuestro país.
A poco que el lector inteligente recorra el catálogo de este IV Salón, que afianza definitivamente la obra del Museo, podrá observar la verdad de este aserto, constatando, de paso, que es cada vez más numerosa la concurrencia de artistas de todas las tendencias y de todas las provincias, lo que comprueba, al par que el profundo arraigo logrado por estos salones anuales, apenas iniciados, la obra de verdadera trascendencia artística que realiza la Comisión Provincial de Bellas Artes que los organiza.
Y que no se vea en estas declaraciones ni el más remoto rastro de inmodestia, pues si en verdad han triunfado los Salones Anuales del Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez", el éxito se debe pura y exclusivamente a los artistas expositores que con sus obras han dado cimiento y prestigio a la tarea meramente directiva y vigilante de la comisión. Es a ellos, a los artistas, a quienes se debe todo, y consciente de ello la Comisión Provincial de Bellas Artes del Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez" trata de estimularlos en toda forma procediendo en la distribución de sus medios con la vista fija en los destinos del arte nacional, estimulando todas las iniciativas bien encaminadas y tendiendo la mano a los artistas que verdaderamente luchan por el engrandecimiento y la cultura del país.
Resulta altamente sintomático para nuestro destino en el arte, y desde luego particularmente grato para nuestro orgullo de santafecinos, que en una ciudad del interior que hasta ayer no figuraba en el concierto de las artes y de las ciencias, hoy se realice una de las exposiciones anuales de pintura, escultura y arquitectura que nada tiene que envidiar a las que se realizan en el resto del país, y que pueda desenvolverse por sus propios medios una institución de los
prestigios y de la difusión del Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez".

El arte argentino, en primer término, -porque ya podemos hablar de "arte argentino" sin ruborizarnos -y el arte de todos los países tienen ya en una ciudad del interior de la República su edificio proprio y sus obras representativas, que si no alcanzan a formar todavía un conjunto que pueda parangonarse con el de otras ciudades, revelan cuando menos un signo de los tiempos y una firme posibilidad de equivalencia de valores, desde que el resto lo hará el tiempo y la labor paciente de los hombres. ¿Y quién hubiera osado soñar, hace apenas unos años, que esto pudiera ocurrir en Santa Fe en la medida que ha ocurrido. Nadie, sin duda: y ello ha de ser una reflexión confortante para nuestro espíritu local cuando se piensa en el inmenso camino recorrido desde que el doctor Martín Rodríguez Galisteo, dando un generoso ejemplo de amor por su ciudad natal y por las cosas del espíritu, donó a la provincia el Museo que lleva el nombre de la ilustre matrona que tales hijos dio a la Patria.
Por lo que se refiere al arte local, se hallan representados en este IV Salón sus cultores más representativos, y ya se nota, a poco que se compare esta muestra con las anteriores, que un soplo renovador y estimulante ha pasado por nuestra ciudad, despertando adormecidos impulsos y exaltando nuevos entusiasmos, de manera que se comprueba fehacientemente, con ello, que la labor educativa, dinámica y transformadora del Museo y de estos salones ha producido sus frutos óptimos.

Nuestro país tiene escondidas en su seno las larvas promisoras de un arte y de una estética propia, y a activar el florecimiento definitivo de esas promesas de juventud y de belleza se halla encaminada la labor que desarrolla en Santa Fe la Comisión Provincial de Bellas Artes.

El símbolo animador de Pigmalión, que despertó la "estatua viva" del poeta, habrá de reproducirse para nuestro arte, que ya se anuncia con las inquietudes, las vaguedades y los alborozos pánicos de la aurora inicial.


Horacio Caillet-Bois.
Director del Museo "Rosa Galisteo de Rodriguez".
Santa Fe, ju1io de 1927.

domingo, 6 de julio de 2008

rescate de las escenas faltantes del mítico film alemán “Metrópolis” de Fritz Lang

El Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, a través de la Subsecretaría de Patrimonio Cultural y la Dirección General de Museos, dio a conocer en conferencia de prensa, el pasado jueves 3 de julio en el Centro de Museos de Buenos Aires, los detalles del rescate de las escenas faltantes del mítico film alemán “Metrópolis”, que se encontraban en el Museo del Cine “Pablo C. Ducrós Hicken”.



El ministro Hernán Lombardi sostuvo que “es un gran honor para la ciudad de Buenos Aires haber encontrado una copia de ‘Metrópolis’ que contiene escenas originales y es una copia distinta a las que fueron distribuidas al resto del mercado. Es importante destacar que esto no es aleatorio, sino el resultado de un proceso de investigación. La decisión del Gobierno fue poner a cargo del Museo del Cine a una investigadora con mérito suficiente para trabajar en la preservación del patrimonio, porque una ciudad que invierte en su patrimonio es una ciudad que invierte también en el futuro y esto es invertir en la calidad de vida de sus habitantes. Además, también es nuestra decisión invertir en el Museo del Cine y tener el edificio terminado en 2010.” -concluyó el ministro.Se encontraban presentes también la Directora General de Museos, Mariela Dieguez, y la Directora del Museo del Cine, Paula Félix-Didier, quien explicó que “la película encontrada es una copia de la versión alemana original que se proyectó en el país en 1928 y no la que circuló por el mundo, que estaba cortada. Una de esas copias quedó en manos del coleccionista Manuel Peña Rodríguez, que luego vendió esa colección al Fondo Nacional de las Artes. Allí se hicieron copias en 16mm en un soporte más seguro y en 1992 pasa al Museo del Cine, donde no estuvo en situación de abandono, sino que fue catalogada como parte de la colección del museo. Un trabajo de investigación histórica y algunos datos puntuales nos permitieron apreciar que este material era más extenso que el que estaba circulando y entonces nos contactamos en Alemania con la Fundación Murnau, de Berlín, y con el director de la Filmoteca de esa capital, Rainer Rother, que certificaron la autenticidad del hallazgo."
“Metrópolis”, dirigida por Fritz Lang, es considerada una de las obras cumbres del cine expresionista alemán y una de las películas incluidas en el Memory of the World Registrer de la UNESCO. Las escenas que recuperó el Museo del Cine “Pablo C. Ducrós Hicken”, y que se presentaron el pasado jueves, permitirán reconstruir y restaurar la mítica película y constituyen un hallazgo fundamental para la historia del cine. La versión original de la obra maestra del cine mudo alemán se daba por perdida y luego de la última restauración, realizada en el año 2001, se consideraba que los fragmentos faltantes se habían perdido para siempre. “Metrópolis” es una de las películas más perjudicadas por los mecanismos de censura y de distribución de la historia del cine. Ferozmente mutilada por las autoridades nazis con la llegada de Hitler al poder, también fue víctima de reformulaciones que afectaron profundamente su concepción en momentos de su estreno en los Estados Unidos, entre otros.





En la Argentina, la película fue estrenada por la distribuidora cinematográfica Terra, propiedad de Adolfo Z. Wilson, y luego pasó a engrosar el fondo de archivo del crítico y coleccionista Manuel Peña Rodríguez (creador también del primer Museo del Cine, de carácter privado, en la década del 40). Ante la necesidad, Manuel Peña Rodríguez se desprendió de su archivo fílmico que fue vendiendo al Fondo Nacional de las Artes. En este organismo, el original de “Metrópolis” (en soporte nitrato y altamente inflamable) fue reducido a una copia negativa de 16mm. Ese material, el único en existencia en el mundo con la copia de “Metrópolis” incluyendo las escenas faltantes, fue donado por el Fondo Nacional de las Artes en 1992. Desde entonces integró el acervo del Museo del Cine porteño y al asumir la actual directora del organismo, Paula Félix Didier, solicitó la revisión de la copia, extrañada por la longitud del metraje dando con el hallazgo que sorprende al mundo.

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sábado, 5 de julio de 2008

El paisaje. Tema de dos importantes exposiciones

El NotiLyC de hoy lo dedico por entero al paisaje. Dos son las noticias que me motivaron a elegir este tema: una, la gran muestra que se inauguró en Huesca (España) en mayo pasado, en el CDAN, Centro de Arte y Naturaleza de la Fundación Beulas, titulada La construcción del paisaje contemporáneo. La otra, la exposición de la obra de Turner que este martes se inauguró en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, se trata de la mayor retrospectiva realizada en EE.UU. desde hace cuatro décadas. Y en ella, como es de suponer, el paisaje es un tema central. La primera noticia, la de la muestra en Huesca, se refiere al paisaje visto con una mirada posmoderna. La segunda, la retrospectiva de Turner, es una visón decimonónica.

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La construcción del paisaje contemporáneo
El País (Madrid); sábado, 21 de junio de 2008Revista Babelia

CDAN presenta esta exposición en paralelo a los cursos pensar el paisaje, una reflexión sobre paisaje y territorio. ÁNGELA MOLINA 21/06/2008

Las piedras en el camino nos enseñan que el destino del arte es rodar y rodar. Saber llegar ya es otro tema, acaso una ranchera. Un modo de hacerlo sería la exposición La construcción del paisaje contemporáneo, en el Centro de Arte y Naturaleza (CDAN), ya que obliga a pensar y leer la naturaleza como fuerza nerviosa y controlada a través del trabajo de una quincena de artistas que indagan en el enigma, las tensiones y las memorias rituales que se construyen -o se producen- en ella. El paisaje entendido como experiencia o tránsito que permite interpretar en clave cultural -¿y política?- las cualidades de un lugar, un paraje.


















Las piezas seleccionadas por los comisarios Javier Maderuelo y María Luisa Martín de Argila son prácticamente incuestionables. Y aunque las salas del centro oscense no sean el marco ideal donde exhibir mejor sus ambivalencias, en la mayoría de los casos la imaginación del visitante ha de hacerlas profundas y plenas, considerarlas documentos o "índices", antes que "valiosos, originales, exclusivos, desfuncionalizados objetos que se adquieren en el prometedor mercado del arte". Pues uno de los méritos de esta colectiva está en el hecho de reunir trabajos de autores cuyas ideas no llegaron a calar en una sociedad que demandaba una escultura ligada a la objetualidad, la masa y las formas definidas perseguidas por los más tradicionalistas, como David Smith, Henry Moore o Anthony Caro.La influencia de John Cage y sus ideas acerca de la indeterminación de la obra de arte fue confirmada por artistas del Land Art como Walter de Maria, Robert Morris, Robert Smithson o Richard Long. Este último (A Circle in Huesca, 1994) es quizás quien mejor representa la teoría de like a rolling stone (la obra se hace andando). David Nash aporta una de las piezas más esenciales, Wooden Boulder (1978-2003), que describe a través de fotografías, dibujos y un vídeo el viaje azaroso de un gran trozo de madera con forma esférica, desde que es impulsado por el arroyo hasta que se pierde en el océano. De Smithson se exhiben las imágenes del proceso de creación de uno de los emblemas de los earthworks, la Spiral Jetty (Gran Lago Salado de Utah, 1970). Los Seascapes (1990) de Hiroshi Sugimoto, los paisajes de lava de Lanzarote (2004) de Axel Hütte, los Campos de Batalla (1995-6) de Bleda y Rosa, la serie de Jardines Botánicos de Burdeos (2000-2004) de Catherine Mosbach y las heliografías de los paisajes canarios (1971) de Richter son una representación completa de la capacidad pictórica del lenguaje fotográfico: horizontes, luz, el sublime...


















Paolo Bürgi abandona al espectador con el hilo en el laberinto de su Proyecto para un jardín en Hannover (2002), la ruina de un lugar hoy desaparecido. Ulrich Rückriem es aquí el escultor más "tradicional", con los planos y una de las veinte estelas de granito del proyecto Siglo XX (1996) en Abiego. Isamu Noguchi firma la maqueta en bronce, United Nations Playground (1952), uno de los primeros earthworks con finalidad, por así decir, práctica. Los trabajos de Alberto Carneiro, Jesús Mari Lazkano e Isidro Blasco, menos contundentes (¿más posmodernos?), cierran el recorrido por los artificios de la naturaleza, donde montañas, árboles y tierra se pueden volver a nombrar. -


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J. M. W. Turner
Más de Arte, boletín digital 293(Madrid);
julio 2008
Ver nota completa en
www.masdearte.com

Dominar el paisaje "J. M. W. Turner". Nueva York, hasta el 21/09/07METROPOLITAN MUSEUM OF ART1000 Fifth Avenue at 82nd Street Nueva York (Estados Unidos)Del 1 de julio al 21 de septiembre de 2008, en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York

Comisarios: Gary Tinterow y Kathryn Calley Galitz



El Metropolitan de Nueva York exhibe estos días la mayor retrospectiva de los últimos 40 años en Estados Unidos sobre William Turner (Oxon, 1775 - Oxford, 1851), lo cual se ha convertido en todo un acontecimiento cultural en la ciudad, así como lo fue en su momento en Washington y en Dallas, donde la exposición pudo contemplarse hace algunos meses. Para la ocasión se han reunido cerca de 150 obras, 85 de las cuales proceden de la Tate Britain, donde se custodia una buena parte del denominado Turner Bequest: un conjunto de aproximadamente 100 óleos cedidos por el artista a Gran Bretaña y entre los que se encuentran algunos de sus trabajos más importantes. Se considera que Turner revolucionó en su momento el género del paisaje ofreciendo una nueva visión de la pintura que entroncaba ya con el siglo XIX. Se habla frecuentemente de la influencia que causó en el Romanticismo y en los pintores impresionistas, y no cabe duda de que imprimió su personalidad en cada una de sus pinturas y acuarelas, en las que cobran protagonismo los paisajes sumergidos en efectos atmosféricos como la niebla o la nieve. Turner fue de esos artistas altamente valorados en vida, con una producción estimada en más de 500 pinturas y unas 1500 acuarelas, y es que su carrera fue meteórica desde los inicios. Con 14 años ingresó en la escuela de la Royal Academy of Arts y pronto empezó a colgar cuadros en sus exposiciones anuales, convirtiéndose con tan sólo 26 años en el académico más joven de la historia de la institución, de la que cinco años después sería también profesor de perspectiva.

Textos de Wilfredo Lam
extraídos del libro LAM
ediciones DER BRUCKE 1989
A propósito de Picasso -sobre todo- lo que me llevaba a simpatizar con su pintura era la presencia del arte y del espíritu africano que descubrí. Cuando era niño, vi tallas en casa de Mantonica Wilson.
De modo que la obra de Picasso me parecía una continuidad.
Todo el mundo ha sufrido [la influencia de Picasso] porque Picasso era el maestro de nuestro tiempo. Aun Picasso fue influenciado por Picasso.


Desde el primer encuentro hubo mutua simpatía entre Picasso y yo. Fui a ver una exposición en la rue Saint Honoré -una retrospectiva de maestros franceses- en una galería que se llamaba la Galerie des Beaux-Arts. Me encontraba allí para ver las pinturas... y también estaba un tipo, muy pequeño, era Picasso con Dora Maar. Ese mismo día Picasso me había citado en su atelier a las cuatro. (Rápidamente me fui hacia el fondo para que no me viese).
Quería encontrarlo en su taller y no en una galería.


A las cuatro de la tarde me encontré ante la puerta del atelier [de Picasso] al mismo tiempo que otra persona de mi edad aproximadamente. No osé abrir la boca pues mi vocabulario francés era más que restringido. Ese hombre que más tarde sería un gran amigo, era Michel Leiris.
De cerca, la persona de Picasso era imponente. Me impresionó verlo delante de mí. Su cabeza redonda y un mechón de cabellos le caía sobre la frente. Sus ojos negros penetrantes, astutos, se movían con una inteligencia y simpatía que me fascinaron.
Picasso, después de haberme saludado me condujo a una pieza donde guardaba escultura africana. Me sentí atraído por una de ellas, una cabeza de caballo. Estaba colocada sobre un sillón. Pasando por el costado, Picasso movió con habilidad el mueble y la escultura se balanceó como si estuviera viva.
-iQué bella escultura! -La apoyé sobre el sillón para poderla mover sin que cayera. Y él comentó:
-Debe estar orgulloso.
-¿Por qué? -le pregunté.
-Porque esta escultura está hecha por un africano y usted tiene sangre africana-. y dirigiéndose a Michel Leiris le dice:
-Enséñale a Lam el arte negro.

A Picasso le gustaba reír. Reía mucho conmigo, mulato intimidado que hablaba español pronunciando la z, y decía por ejemplo Madriz. Me invitó luego a cenar. Pidió para mí un pollo enorme, que devoré hasta los huesos, tenía un apetito de trueno y hacía bastante tiempo que no comía.
Picasso le comentó a Dora:
-Es capaz de comerse las patas de la mesa.
Cuando nos despedimos fue caluroso como todo en él y me sorprendió diciéndome:

"Tú me recuerdas a alguien que conozco".

Mi encuentro con Picasso y París produjo en mí el efecto de un detonador. Trabajaba sin tregua a la espera de que mi obra pudiera ser revelada a mis amigos. Vivía rodeado de temores. Mi amistad con Picasso me hacía acercar a otros artistas entre sus amigos cuyos nombres me inspiraban gran respeto.
Pintaba sin descanso y sin atreverme a mostrar mis cuadros, si bien mi pequeña habitación de hotel estaba repleta y no podía moverme y menos aún pintar.
Picasso sabía que trabajaba infatigablemente, pero jamás me decía nada. No me manifestaba la menor curiosidad. No quería fastidiarme, ni acrecentar mis dudas y mis vacilaciones, sabía que para mí sus observaciones serían fundamentales.

Un día que estaba más desesperado aún, decidí mostrarle mis cuadros y sin pensarlo, adopté una decisión heroica. Con las piernas temblando, quizá a causa del peso, llegué hasta lo de Picasso. El atelier estaba lleno de gente. Recuerdo que había un grupo de japoneses. Entre esta multitud de gente y de cuadros me sentí mejor. No estaba solo.
Picasso estaba por bañarse. Cuando supo que había llegado me hizo entrar en la sala de baño y, desde la bañera, renovó la conversación que habíamos comenzado la víspera por la tarde. Quizás adivinó cuál era mi problema. Salió del baño, se enrolló en una toalla gigantesca y sin decir una sola palabra a los que allí estaban, me siguió al rincón donde había dejado mis cuadros.

Jamás olvidaré ese momento. Lo guardo grabado en mi corazón y en mi espíritu y lo recuerdo sin cesar, como los grandes cuadros y los libros que me han hecho hombre.
Picasso parecía un dios romano. Un mechón de cabellos húmedos caía sobre su frente, los pies desnudos, un brazo retenía su toalla; los ojos y la sonrisa: un enigma.
Se detuvo delante de los cuadros y los miró uno por uno, en silencio. Los ojos y la sonrisa: un enigma. Yo estaba junto a él y no miraba los cuadros.
Miraba su cara. No sabía si él veía la mía y en ella mis temores, mis dedos y también mi alegría, una gran alegría.
Colocó la mano y el brazo libre sobre mi espalda para manifestar su aprobación. Entonces le escuché decir:
'Jamás me equivoqué contigo. Eres un pintor. Es por eso que te dije la primera vez que nos vimos que me recordabas a otro hombre: a mí."